Las imágenes reunidas cada año por World Press Photo son documentos visuales que condensan acontecimientos complejos en una sola fracción de segundo y que, al hacerlo, obligan a detenerse, observar y reflexionar.

La edición 2026 de la exposición llega nuevamente al Museo Franz Mayer de la Ciudad de México, donde permanecerá del 24 de junio al 11 de octubre. Considerada la muestra de fotoperiodismo y fotografía documental más importante del mundo, presenta una selección de las imágenes que mejor retratan los desafíos, tensiones y transformaciones que atraviesa la sociedad contemporánea.

Este año el certamen reunió 57,376 fotografías realizadas por 3,747 fotógrafos provenientes de 141 países. Detrás de cada imagen existe un proceso de selección particularmente riguroso que busca preservar uno de los principios fundamentales de World Press Photo: la credibilidad. En una época marcada por la sobreabundancia de imágenes y la velocidad de la información, la verificación, el contexto y la integridad periodística adquieren un valor aún mayor.

La exposición reúne 144 fotografías ganadoras de esta edición, además de 33 piezas provenientes del archivo histórico de la fundación. El recorrido permite transitar por algunos de los temas más relevantes de la actualidad global: migración, conflictos sociales, transformaciones políticas, medio ambiente y derechos humanos. Cada sala funciona como una ventana hacia realidades que muchas veces ocurren lejos de nuestra vida cotidiana, pero cuyos efectos terminan conectándonos a todos.

Entre las imágenes más impactantes destaca “Separados por el ICE”, de la fotógrafa estadounidense Carol Guzy, reconocida como Foto del Año 2026. La imagen captura el momento en que un migrante ecuatoriano es detenido frente a su familia dentro de un tribunal en Nueva York. La escena concentra tensión, incertidumbre y vulnerabilidad en un solo encuadre, recordando el poder que aún conserva la fotografía documental para humanizar las estadísticas.

México también ocupa un lugar relevante dentro de esta edición gracias al reconocimiento otorgado al fotógrafo nayarita César Rodríguez en la categoría Proyectos a largo plazo. Su trabajo, “México, un clima cambiante”, documenta las consecuencias del cambio climático en distintas regiones del país. A través de años de seguimiento visual, Rodríguez retrata comunidades que enfrentan erosión costera, sequías prolongadas y fenómenos meteorológicos cada vez más extremos. Su proyecto evita el sensacionalismo y apuesta por mostrar cómo las transformaciones ambientales terminan afectando la vida cotidiana de miles de personas.

La presencia de Fujifilm como patrocinador global por tercer año consecutivo refuerza además una dimensión fundamental del certamen: el apoyo a quienes cuentan estas historias. Más allá de la tecnología, el verdadero valor de la fotografía sigue estando en la mirada del autor, en su capacidad para acercarse a realidades complejas y traducirlas en imágenes capaces de generar conversación.

World Press Photo 2026 es una invitación a observar el mundo con mayor atención, a cuestionar lo que sucede más allá de nuestro entorno inmediato y a reconocer el trabajo de quienes documentan la historia mientras ocurre.

En un momento de profunda transformación para las industrias creativas globales, el significado de la exclusividad se está reescribiendo. El concepto del “lujo” ha dejado de ser una simple etiqueta de estatus para convertirse en una poderosa herramienta de identidad, pensamiento crítico y desarrollo sostenible. Bajo esta visión transformadora nace la primera edición de Mexico Jewelry Week (MXJW), una iniciativa sin precedentes que busca consolidarse como el hito anual más importante para el sector joyero en Hispanoamérica.

Liderada por la reconocida diseñadora y empresaria Isela Robles, en su rol de Presidenta y Directora, la MXJW surge bajo el lema: “Reformulando el lujo: de la tradición a la innovación, del lujo al significado”. Lejos de ser una asociación convencional o un escaparate puramente virtual, este proyecto se presenta como una plataforma de gestión estratégica de alto impacto, diseñada para generar un intercambio comercial real y un diálogo presencial que vincule la valiosa herencia artesanal de la región con la visión contemporánea del lujo consciente.

El MIDE: el escenario perfecto para hablar de valor

De acuerdo con los datos del documento de prensa oficial MXJW, MEXICO JEWELRY WEEK -PRESS 2.pdf, el evento se llevará a cabo los días 23 y 24 de septiembre de 2026 y tendrá como sede física el emblemático Museo Interactivo de Economía (MIDE), ubicado en el corazón del Centro Histórico de la Ciudad de México. La elección de este recinto no es casualidad; su prestigio arquitectónico y su enfoque global en la divulgación económica ofrecen el marco ideal para albergar un encuentro que no solo celebra el talento estético, sino que funciona como una incubadora de pensamiento dedicada al valor real y la profesionalización de este oficio.

Durante dos días de intensas actividades, el MIDE se transformará en un punto de encuentro clave donde convergerán diseñadores, joyeros, coleccionistas, críticos de moda y académicos.

Una agenda de inmersión en la cadena de valor

Con el objetivo claro de fortalecer el sector e impulsar tanto el talento emergente como a las marcas ya establecidas, la MXJW ha estructurado un programa integral que cubre todas las dimensiones del diseño contemporáneo:

• Conferencias y Mesas Redondas. Paneles de expertos dedicados a debatir sobre el futuro de la industria, la sostenibilidad y el papel de las nuevas tecnologías.
• Talleres Simultáneos. Espacios prácticos orientados de forma directa al intercambio de técnicas y la profesionalización de los creadores.
• Galería de Diseñadores. Una exhibición minuciosamente curada donde amantes del arte y coleccionistas podrán apreciar y adquirir piezas únicas.
• Networking y Cocktail de Reconocimiento. Un espacio estratégico de vinculación comercial que culminará con una gala para honrar la excelencia y la trayectoria de los protagonistas más destacados del año.

Alcance e impacto internacional

La convocatoria de la Mexico Jewelry Week trasciende las fronteras de la capital, extendiendo sus lazos a polos joyeros clave de la República Mexicana como Taxco, Guadalajara, Monterrey y Zacatecas. Asimismo, el evento proyecta una robusta presencia internacional al convocar a creativos y representantes provenientes de España, Colombia, Perú, Panamá y Argentina, posicionando firmemente a México como un referente indispensable de la industria global.

Esculturas monumentales, espacios sensoriales y un recorrido diseñado para habitar el imaginario de una de las artistas más importantes del surrealismo. Laberinto Mágico propone una nueva forma de acercarse a la obra de Leonora Carrington.

Las exposiciones inmersivas suelen moverse entre dos extremos: convertirse en espectáculo tecnológico o funcionar como una extensión respetuosa del trabajo artístico. Laberinto Mágico apuesta por el segundo camino. La experiencia toma como punto de partida el universo visual y simbólico de Leonora Carrington para construir un recorrido donde el visitante no solo observa, sino que avanza entre espacios inspirados en su imaginario.

Más que trasladar pinturas a una pantalla, el proyecto utiliza escala, iluminación y atmósferas para generar una lectura espacial de su obra.

Por qué Leonora Carrington sigue siendo una artista tan vigente

Hablar de Leonora Carrington es hablar de una figura que nunca terminó de encajar del todo dentro de las categorías tradicionales del surrealismo. Nacida en Inglaterra y establecida en México durante gran parte de su vida, desarrolló una obra atravesada por símbolos, animales, rituales, transformaciones y personajes que parecen existir entre el sueño y la memoria.

Su trabajo nunca buscó explicar el mundo, más bien propuso nuevas formas de recorrerlo. Por eso una experiencia como Laberinto Mágico tiene sentido, porque su obra siempre tuvo algo de territorio por explorar.

El recorrido: esculturas, espacios envolventes y una nueva manera de mirar

Uno de los elementos más interesantes del proyecto es que evita convertir la obra en simple escenografía. El recorrido integra piezas monumentales y recursos espaciales que permiten acercarse al lenguaje visual de Carrington desde otra escala. La experiencia está pensada para que el visitante se mueva entre distintas atmósferas y construya una relación más directa con el universo de la artista.

En lugar de explicar cada símbolo, el recorrido deja espacio para interpretar.

Más allá de la experiencia inmersiva

En los últimos años, el formato inmersivo ha crecido enormemente, pero también ha abierto una pregunta: ¿cómo acercar nuevos públicos al arte sin simplificarlo?

Laberinto Mágico parece responder desde la experiencia y no desde la sobreexplicación. Para quienes ya conocen la obra de Leonora Carrington, funciona como una oportunidad para verla desde otra perspectiva. Para quienes llegan por primera vez, puede ser una puerta de entrada a una artista cuya influencia sigue creciendo dentro y fuera de México.

Lo que comenzó en 1946 como una solución de transporte económica para la Italia de la posguerra, se ha consolidado hoy como un referente global de diseño industrial. La Vespa, fabricada por Piaggio, rompió con la arquitectura tradicional de las motocicletas al introducir el chasis monocasco y el motor cubierto, elementos que definieron no solo su estética, sino su funcionalidad en entornos urbanos.

Ingeniería funcional y diseño estructural

El éxito inicial de la Vespa se atribuye a la visión de Corradino D’Ascanio, un ingeniero aeronáutico que detestaba las motocicletas convencionales. D’Ascanio diseñó un vehículo basado en la comodidad y la limpieza, eliminando la cadena de transmisión —causante de manchas de grasa— y colocando el motor directamente sobre la rueda trasera.

El chasis de acero prensado actúa como una estructura única que protege al conductor y facilita el mantenimiento. Esta configuración permite una posición de conducción sentada, con un escudo frontal que resguarda de las inclemencias del tiempo, una innovación que permitió que el uso de la motoneta se extendiera a todo tipo de vestimentas y perfiles sociales.

Adaptación a la normativa y tecnología actual

A lo largo de sus más de 75 años de historia, la Vespa ha sabido adaptar su mecánica sin alterar su silueta característica. La transición de los motores de dos tiempos a los de cuatro tiempos, y más recientemente la introducción de la inyección electrónica, ha permitido que la marca cumpla con las estrictas normativas ambientales Euro 5.

La gama actual incluye desde modelos clásicos como la Primavera y la GTS, hasta la Vespa Elettrica. Esta última versión representa la apuesta tecnológica de la firma, incorporando baterías de iones de litio y sistemas de recuperación de energía durante la frenada, manteniendo el chasis metálico que sigue siendo su principal diferenciador frente a las motonetas de plástico de la competencia.

Un fenómeno cultural y de mercado

Más allá de su mecánica, la Vespa ha logrado mantenerse como un objeto de deseo gracias a su capacidad de personalización y sus colaboraciones con marcas de lujo y diseñadores. Sin embargo, su valor real en el mercado secundario y su longevidad mecánica son los factores que sostienen su estatus premium.

Hoy en día, la marca no solo vende un vehículo, sino un estándar de movilidad eficiente. Con millones de unidades circulando en todo el mundo, la Vespa demuestra que un diseño basado en la lógica funcional puede volverse atemporal y resistir las fluctuaciones de las tendencias de consumo.

Alianza estratégica regional

La moda latinoamericana da un paso histórico hacia su consolidación global. En el marco de la reciente Semana de la Moda de Guatemala, que reunió a exponentes de toda la región, se firmó el Acuerdo de Integración Institucional del Sistema Latinoamericano de la Moda, una alianza estratégica que articula plataformas, cámaras y actores clave de países como Guatemala, Puerto Rico, Nicaragua, El Salvador, República Dominicana y Colombia.

En este escenario, la Cámara de la Moda Colombiana y Cali Distrito Moda oficializaron su integración a este sistema regional, marcando un hito en la construcción de una industria más conectada, competitiva y sin fronteras. La iniciativa busca profesionalizar el sector, fortalecer las marcas latinoamericanas y proyectar el diseño de la región hacia los escenarios más importantes del mundo.

“Estamos uniendo fuerzas para que el talento latinoamericano no tenga fronteras. La unión es hoy nuestra mayor ventaja competitiva“, aseguró Guio Di Colombia, presidente de la Cámara colombiana de la moda en un mensaje que enmarca esta articulación internacional. Este convenio, que vincula directamente a Cali Distrito Moda como uno de sus principales actores, va más allá de una relación protocolaria.

Se trata de una estrategia conjunta que promueve el intercambio cultural de diseñadores, así como la movilidad de modelos, fotógrafos y otros profesionales del sector, abriendo nuevas oportunidades de circulación y visibilidad para el talento latinoamericano. A través de alianzas académicas, becas y colaboraciones institucionales, se busca que los diseñadores puedan formarse en distintos contextos culturales.

Cooperación y proyección global

Este esfuerzo colectivo también apunta a fortalecer las capacidades locales para competir en mercados internacionales. La cooperación entre plataformas permitirá compartir conocimientos, buenas prácticas y experiencias, con el objetivo de proyectar la moda latinoamericana hacia otros continentes bajo una narrativa conjunta, más cohesionada y estratégica.

Según explicó Bryan Quan, director de la semana de la Moda de Guatemala, se trata de una articulación que permite integrar conocimientos, culturas y técnicas entre países. Durante el evento, fueron seleccionados como ganadores los diseñadores Janet Guerra, Nick Tel y Plenificador, mientras que Libenza fue anunciado como invitado de honor para la quinta edición de Cali Distrito Moda 2026.

De manera paralela, la Cámara de la Moda Colombiana mantiene su presencia en otros escenarios clave de la región, como la Argentina Fashion Week en Buenos Aires, donde se adelantará la selección de un diseñador que también será invitado a participar en Cali Distrito Moda 2026, ampliando así el alcance de esta plataforma internacional.

Con este tipo de acuerdos, Cali Distrito Moda continúa posicionándose como un nodo estratégico dentro del mapa de la moda latinoamericana, capaz de articular talento, generar oportunidades y proyectar la identidad creativa de la región a escala global. Este entramado de alianzas se convierte en la antesala de lo que será la quinta edición del evento.

Arquitectura del cuerpo

El arte sartorial nació del rigor. Mucho antes de convertirse en símbolo de estatus o sofisticación, fue técnica pura: medición exacta, patronaje milimétrico, dominio del tejido. En los talleres londinenses, la sastrería masculina se consolidó como una forma de arquitectura aplicada al cuerpo. Cada hombro se construía con estructura; cada solapa obedecía a una proporción calculada; cada costura sostenía algo más que tela. El tailoring no admitía improvisación.

Con el paso del tiempo, el traje atravesó transformaciones sociales, culturales y estéticas. De uniforme político a código empresarial, de etiqueta rígida a gesto estilístico. Lo que permaneció intacto fue la precisión. El corte correcto continúa siendo una declaración silenciosa. Un traje bien hecho no grita; afirma.

Identidad en el corte

En ese punto de tensión entre tradición y presente se sitúa Peter Reed. La marca retoma la herencia rigurosa de la sastrería inglesa —estructura definida, patronaje impecable, respeto absoluto por el detalle— y la desplaza hacia una narrativa actual, menos protocolaria y más consciente de la identidad individual. No busca replicar códigos históricos, sino trabajarlos desde otra actitud.

Peter Reed parte de la base clásica para intervenirla. Mantiene la precisión del tailoring, pero elimina la solemnidad. Sus prendas están diseñadas para hombres que comprenden el traje como una extensión de su personalidad: sofisticada, sí, pero también audaz. La sastrería deja de ser un molde fijo y se convierte en herramienta de expresión.

Postura y futuro

En esta visión, la sastrería no impone género ni encierra identidades. Define actitud. El traje funciona como estructura, pero también como postura frente al entorno. “Tailoring the Future” sintetiza esa posición: avanzar sin romper con la raíz, cortar el pasado con precisión y ensamblarlo bajo otra perspectiva.

Peter Reed habla desde la claridad. Sin discursos extensos, sin ornamento innecesario. La propuesta se sostiene en la construcción misma de la prenda. En el equilibrio del hombro. En la caída exacta del pantalón. En la convicción de que el futuro del traje no está en desmantelarlo, sino en entenderlo mejor y llevarlo con intención.

Geografía del tiempo

En lo alto de la costa oriental de Sicilia, Taormina se aferra al acantilado con una elegancia antigua. Las casas parecen colocadas a mano, escalonadas sobre la roca. Desde el Teatro Antiguo de Taormina, las gradas de ladrillo enmarcan el azul denso del mar Jónico y la silueta humeante del Monte Etna. El viento sube con olor a sal, a bugambilia tibia, a piedra que ha absorbido siglos de sol. Aquí la historia tiene temperatura: se siente en la piel, en los muslos que tocan la piedra caliente, en el eco que rebota cuando cae la tarde.

Al amanecer, la luz entra oblicua y convierte los muros en superficies doradas. Los balcones de hierro forjado proyectan sombras largas sobre las callejuelas estrechas. El paso se vuelve más lento sobre el Corso Umberto I. Se escuchan tacones contra adoquines, el murmullo grave del italiano, el roce de las bolsas de papel kraft que salen de pequeñas boutiques. Seda, lino crudo, cerámica pintada a mano. En la Piazza IX Aprile, las mesas miran al horizonte. Un espresso corto al mediodía; un aperitivo cuando el cielo empieza a volverse cobre. El sol incendia las fachadas color miel y, por unos minutos, todo parece suspendido en una fotografía antigua.

Refugios de sal

Más abajo, el sendero desciende entre cactus y jazmines hasta Isola Bella. La lengua de arena aparece y desaparece con la marea, como un gesto caprichoso del mar. El agua es transparente, casi fría, y deja ver las piedras calizas bajo la superficie. Hay silencio, roto apenas por el golpeteo constante de las olas y el chasquido de los guijarros moviéndose con la corriente. Algunos nadan hasta las rocas; otros permanecen tendidos, ojos cerrados, dejando que la sal se seque sobre la piel.

Cuando cae la noche, la ciudad cambia de ritmo. Las lámparas amarillas iluminan portales barrocos, las terrazas se llenan de conversaciones bajas y copas que se tocan con suavidad. En la mesa llegan arancini crujientes, pasta con pistache de Bronte, pescado recién salido del puerto. El Nerello Mascalese —oscuro, mineral, con aroma a ceniza y fruta roja— acompaña cada bocado. El mantel de lino, las manos que parten el pan, el aceite verde que brilla bajo la luz tenue. Comer aquí exige tiempo. Exige atención.

Memoria volcánica

Taormina permanece. Se queda adherida como sal en la piel y como polvo volcánico en los zapatos. Un territorio donde el placer tiene textura, peso y memoria.

La intersección entre la ingeniería genómica y el diseño de alta gama ha alcanzado un hito sin precedentes con la creación del primer bolso fabricado con cuero de Tiranosaurio Rex. Este proyecto, que comenzó como un desafío científico en 2025, es el resultado de una colaboración entre la agencia creativa VML, la empresa de ingeniería genómica The Organoid Company y la firma de biotecnología Lab-Grown Leather Ltd.

Ciencia y síntesis de ADN prehistórico

Para desarrollar el denominado T-Rex Leather, el equipo de investigación partió de secuencias de colágeno extraídas de fósiles. Mediante el uso de biología computacional avanzada y modelos de inteligencia artificial, los científicos reconstruyeron la información genética necesaria para completar el plano del colágeno de la especie.

Este ADN sintetizado fue insertado en una línea celular portadora y cultivado a través de la plataforma Advanced Tissue Engineering Platform (ATEP). A diferencia de otros materiales sintéticos o alternativas vegetales, este proceso permite que las células generen su propia estructura natural, lo que resulta en un material estructuralmente idéntico al cuero tradicional en términos de resistencia, tacto y durabilidad.

La primera pieza de colección

La marca Enfin Levé ha sido la encargada de diseñar el primer producto físico con este material: un bolso único que respeta el comportamiento y la lógica de construcción del cuero cultivado. La pieza fue presentada el pasado 2 de abril en el Art Zoo Museum de Ámsterdam, donde permanecerá exhibida durante seis semanas junto a una estatua de T. Rex a escala real del Naturalis Biodiversity Center.

Al finalizar el periodo de exhibición, este bolso exclusivo será subastado. Sin embargo, este no será el único objeto fabricado con este material, ya que el objetivo de las empresas involucradas es producirlo a escala comercial para marcas de lujo y diseñadores interesados en la sostenibilidad.

Un nuevo estándar de sostenibilidad

El cuero de T-Rex se presenta como una alternativa ética que elimina el sacrificio animal y los procesos químicos intensivos del curtido tradicional. Al ser cultivado en laboratorio, el material es biodegradable, totalmente trazable y no está vinculado a la deforestación.

Más allá de la exclusividad, este desarrollo busca demostrar que la biología sintética puede aplicarse a la creación de materiales resilientes. Los dinosaurios evolucionaron para sobrevivir en condiciones ambientales extremas, y la reconstrucción de su biología ofrece nuevas posibilidades para una industria de la moda que demanda un menor impacto climático sin sacrificar la calidad de los productos de alta gama.

Samsung Pantalla QLED The Frame 4K Smart TV + Marco

The Frame combina lo mejor de una televisión 4K QLED con la estética de una obra de arte. Cuando está apagado, muestra pinturas o fotos para integrarse con tu decoración; al encenderlo, ofrece imágenes brillantes, colores profundos y funciones inteligentes para streaming, juegos y más. Su diseño modular con marcos intercambiables facilita que encaje en cualquier espacio sin romper el estilo del ambiente.

Click And Grow Smart Garden 9

Este jardín inteligente es una forma sencilla y elegante de cultivar plantas dentro de tu hogar sin complicaciones. Cuenta con espacio para hasta nueve plantas, luces de crecimiento LED y un sistema de riego automático que regula agua y luz para mantenerlas sanas. Ideal si quieres hierbas frescas, verduras o flores todo el año sin necesidad de experiencia en jardinería. Con su diseño compacto, queda bien en cocina, balcón o sala.

Sobro — Mesa inteligente con sensación tecnológica

La propuesta de Sobro Design va más allá de un simple mueble: combina funciones tecnológicas con estética moderna. Sus mesas inteligentes (como mesa de café o lateral) incorporan cajones refrigerados, puertos de carga, altavoces Bluetooth y luces LED que crean ambiente. Esto significa que tu sala o recámara puede tener un centro de entretenimiento y confort con bebidas frías al alcance, música y carga para dispositivos sin agregar piezas por separado.

Tips para integrarlos sin perder armonía

• Colócalos en zonas de uso frecuente como cocina, sala o comedor, para aprovecharlos al máximo.
• Coordina su estilo con la decoración existente: The Frame y Sobro combinan con ambientes modernos.
• El jardín inteligente puede ser punto focal en la cocina o balcón.
• Asegúrate de una buena gestión de cables y enchufes para mantener limpieza visual.
• Integra dispositivos al sistema smart del hogar si ya usas asistentes de voz o automatización.

Refugio bucólico

Lo que comenzó como una corriente visual en redes sociales se ha convertido en una tendencia transversal que abarca la moda, el diseño de interiores, la cocina y el ocio. Y su secreto está en mirar hacia atrás con ternura.

Este imaginario romántico se nutre del campo idealizado, los rituales domésticos y una nostalgia que no es necesariamente personal, pero sí profundamente emocional. Hay algo reconfortante en las tazas de té humeante, en los vestidos de lino que rozan la hierba o en las frutas recién recolectadas dispuestas con esmero sobre un mantel de cuadros. El cottagecore encanto y disfrute.Lejos de ser una moda, el cottagecore ha capturado el deseo contemporáneo de reconectar con lo natural, de vivir despacio, de hacer las cosas con las manos. Se manifiesta en pan casero, ramos de flores silvestres, mermeladas en frascos rotulados a mano. También en prendas de fibras suaves, en libros ilustrados y en habitaciones que invitan a quedarse. Es el placer de lo hecho en casa, de lo imperfecto y de lo auténtico.

Resistencia sutil

Pero más allá del filtro romántico, este estilo también contiene una crítica sutil al ritmo moderno, es decir, frente a la prisa, pausa. Frente al consumo sin sentido, lo artesanal. Frente a la sobreestimulación, contemplación.

¿Quién lo adopta?
Personas que sueñan con cabañas entre árboles, pero viven en departamentos citadinos. Amantes de la estética vintage que valoran el tiempo como un lujo. Jóvenes que buscan refugio emocional en lo simple. El cottagecore piensa en traer su espíritu al cotidiano: una vela aromática encendida al anochecer, una receta cocinada con paciencia, un libro leído al pie de la ventana.

Lo rural reinterpretado, el regreso a lo esencial, la belleza como ejercicio cotidiano. Todo eso es cottagecore. Un estilo de vida en el que la lentitud significa resistencia. En donde el detalle importa, la rutina se vuelve ritual y la belleza está en lo sutil.