Fotografía: Jorge Ramiréz-Posada
Stylist: Santiago Araico
Asistente de Stylist: Nely López
Maquillaje y Cabello: Pedro Aguirre
RP: EmiRec
Coordinación editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo Garcia

Disciplina en permanencia

Existen los actores que persiguen la exposición inmediata y otros que entienden la carrera como una construcción más lenta, menos estridente, hecha de decisiones que solo cobran sentido con el paso de los años. Juan Martín Jáuregui parece pertenecer a ese segundo grupo. Habla pausado, sin frases grandilocuentes ni necesidad de vender una versión exagerada de sí mismo. Lo suyo gira alrededor del oficio. Del trabajo. De esa especie de disciplina silenciosa que rara vez se nota desde afuera, pero que sostiene a quienes logran permanecer.

Para él, la actuación no puede reducirse a la búsqueda de visibilidad. “Siempre he hablado de la importancia de la formación”, dice, aunque enseguida matiza la idea: estudiar no basta si no existe un espacio real para poner a prueba lo aprendido. El actor entiende el cuerpo y la voz como un instrumento que se modifica constantemente. Algo que se afina con el tiempo, con los errores, con el desgaste incluso. “Creo que el instrumento se va puliendo con el tiempo, y en el mejor de los casos, pues nunca deja de evolucionar”.

En esa lógica, la permanencia importa más que el impacto inmediato. Jáuregui no habla de éxito como una colección de proyectos virales o personajes explosivos, sino como la posibilidad de mirar hacia atrás sin sentir que se traicionó a sí mismo. “No busco el shock por el shock mismo, sino la permanencia”, explica. Y quizá ahí aparece una de las ideas que atraviesan toda su visión del trabajo: la necesidad de no repetirse. La comodidad, para él, tiene algo peligroso. Un actor que permanece demasiado tiempo en la misma zona termina perdiendo curiosidad.

Creación compartida

Por eso le interesan los personajes que exigen moverse hacia lugares desconocidos. No necesariamente los más extravagantes, sino aquellos que contienen grietas, contradicciones y zonas difíciles de descifrar. “Un personaje sin contradicciones se vuelve plano y aburrido”, dice. Habla de buscar “zonas de luz y oscuridad”, de escuchar al otro actor, de mantenerse presente en escena para que el personaje conserve algo vivo y no se convierta en una construcción mecánica.

En un momento donde buena parte de la conversación sobre actuación suele girar alrededor de métodos extremos o transformaciones físicas espectaculares, Jáuregui se inclina por una mirada más sencilla y más concreta. Cree en el trabajo colectivo. En dejar de blindarse. En permitir que el director o los compañeros modifiquen el rumbo de una escena. “Hay veces que los actores nos blindamos técnicamente para protegernos de algo que no nos gusta o algo en lo que no confiamos”, reconoce. Pero también afirma que trabajar realmente en equipo puede llevar un proyecto mucho más lejos de lo que uno imaginaba.

Esa relación con el otro es, justamente, lo que más disfruta del trabajo en set. Más allá de la promoción, las entrevistas o el resultado final en pantalla, lo que parece entusiasmarle sigue siendo el instante de creación compartida. “Estar creando con el otro y poder sorprenderte del trabajo realizado no tiene precio”, comenta. Hay algo casi artesanal en la forma en que describe el proceso. Menos preocupado por la maquinaria de la industria y más atento a lo que ocurre dentro de la escena.

Oficio sin artificio

Aunque ha trabajado en distintos formatos, no cree demasiado en las jerarquías entre cine, televisión o streaming. La esencia, asegura, sigue siendo la misma. Lo que cambia es la técnica, el ritmo, ciertas herramientas narrativas. “Cada formato tiene su complejidad y su oficio”. La frase resume bastante bien su postura general: evitar simplificaciones. Entender que todo trabajo exige rigor.

Fuera de cámaras, la distancia con el ruido mediático parece completamente deliberada. Jáuregui se describe como alguien de pocas palabras, alguien que disfruta estar en casa con su esposa, abrir una botella de vino y desaparecer un poco del movimiento constante de la industria. No hay demasiada construcción pública alrededor de su vida personal. Más bien una necesidad evidente de conservar espacios intactos.

Sin embargo, incluso en esa calma doméstica aparece el vértigo del oficio. El primer día de rodaje. El vacío antes de enfrentar un personaje nuevo. La pregunta inevitable sobre qué viene después. “Esta es una carrera vertiginosa y a veces el vértigo se puede volver adictivo”, admite. No lo dice desde el drama ni desde la ansiedad romántica del actor atormentado, sino como quien reconoce que vivir entre proyectos termina alterando la manera de habitar el tiempo.

A diferencia de otros intérpretes, tampoco cree demasiado en esa idea de “quedarse atrapado” en los personajes. Para él, el personaje termina cuando termina el proyecto. Lo que permanece es el cansancio físico o emocional que puede dejar un proceso intenso, pero no una especie de posesión permanente. La diferencia quizá está en la forma de aproximarse al trabajo: construir desde la observación y la técnica, no desde la destrucción personal.

Actualmente, Juan Martín Jáuregui se encuentra grabando la tercera y cuarta temporada de The DOC para Netflix, mientras mantiene pendiente otro deseo importante: regresar al teatro. Ahí comenzó buena parte de su carrera y ahí sigue encontrando algo esencial. Un espacio donde el actor no puede esconderse detrás de cortes, ediciones o artificios. Solo presencia, escucha y riesgo.

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Fotógrafo: Alex Salinas
Stylist: Rodrigo Alcántara
RP: Pepe Ayala

Hay otra forma de silencio: la saturación. Todo suena, pero nada se queda. En ese terreno, Sebastián Rulli lo nombra sin rodeos: “Hoy no compites solo contra otras historias, compites contra la distracción permanente. Todo dura segundos. Por eso creo que el reto es lograr que la gente conecte emocionalmente rápido… porque cuando una historia toca algo verdadero, el algoritmo ya no importa tanto”.

Esa presión entra al cuerpo del actor. Ajusta el pulso. Cambia el aire de una escena. “Sí cambia el ritmo interno. Antes podías cocinar más lento ciertas emociones; hoy tienes que entrar más rápido al conflicto sin perder verdad. Pero al final lo importante sigue siendo lo mismo: que el personaje se sienta humano”. La velocidad obliga a que la profundidad aparezca antes.

Adaptarse también implica afinar la escucha. “Escuchar más. Entender cómo cambia el público, cómo consumen historias hoy. Y también aprender a no actuar desde la comodidad. Cuando uno cree que ya entendió todo, empieza a repetirse”. Hay una vigilancia constante contra la inercia.

Cuatro años lejos de la telenovela dejan una pausa distinta. “Regresé más tranquilo, disfrutando más el proceso… pero también confirmé cosas que siempre estuvieron en mí: la disciplina, la pasión y el amor por contar historias”. No hay ruptura; hay ajuste fino.

La presión cambia de forma con el tiempo. “Creo que de entender que el éxito no te puede definir todo el tiempo. Antes uno vive queriendo demostrar. Hoy disfruto mucho más construir, compartir y llegar al set con ganas de pasarla bien haciendo lo que amo”. La ambición se recoloca.

En un mapa global que mira hacia Corea del Sur, el melodrama latino encuentra su lugar desde lo que ya tiene. “Han entendido muy bien cómo renovar las emociones sin perder identidad. Cuidan mucho la estética, los ritmos y los detalles emocionales. Pero el melodrama latino tiene algo muy poderoso: pasión, intensidad y verdad emocional. Cuando lo hacemos bien, conecta en cualquier parte del mundo”.

El amor sigue siendo materia prima, sobre todo en sus zonas menos cómodas. “Las imperfectas. Las que se contradicen. Las que incomodan. Creo que hoy la gente conecta más con personajes humanos que con relaciones perfectas”. Ahí aparece Renato, de su reciente proyecto llamado Mi Rival, atravesado por tensiones que no se resuelven fácil. “Renato no ama desde el cliché; ama desde las heridas, desde el miedo, desde la culpa. Ahí es donde el personaje se vuelve distinto”.

Hay algo que se extraña en el ritmo actual: los silencios. “Antes había más espacio para mirar, respirar, dejar que una escena madurara. Hoy todo corre más rápido, pero sigo creyendo mucho en el poder de una mirada bien puesta”. La mirada sostiene lo que el montaje acelera.

Cada trabajo se asume con una idea clara. “Creo que es respeto. Respeto por el público, por el equipo y por la oportunidad de seguir haciendo lo que amo”. La repetición se convierte en compromiso.

En pantalla, la seguridad es parte del oficio. El proceso sigue abierto. “Muchísimas. Sigo aprendiendo a soltar el control, a vivir más el presente y a escucharme más a mí mismo”. No hay punto fijo, hay recorrido.

El arquetipo del protagonista clásico se expande. “No me peleo con ella, pero tampoco quiero quedarme ahí. Lo bonito es sorprenderte a ti mismo y que el público descubra nuevas capas tuyas”. La identidad se mueve.

Interpretar a un charro abre otra relación con el país. “Hay algo muy profundo en esa conexión con la tierra, los caballos y las raíces. Renato me acercó a una parte muy auténtica de México”. La tradición aparece desde la experiencia.

En medio de la velocidad, queda una certeza. “La verdad. Cuando una escena está hecha desde la emoción real, el público lo siente aunque no pueda explicarlo”. Eso permanece.

También hay límites claros. “Una historia donde no encuentre verdad o humanidad en el personaje. Hoy necesito sentir que lo que cuento tiene algo que decir”.

El momento actual se siente en equilibrio. “En una etapa muy plena. Con más calma, más conciencia y más ganas de disfrutar el camino… sin dejar de exigirme”. La exigencia sigue, con otro peso.

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Fotografía: Eddy Espinoza
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje y peinado: Geraldine Hercos
RP: Punto Entertainment
Coordinación editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo Garcia

Sin poses

A Alex de la Madrid ya no le interesa caer bien. O, al menos, no como antes. Hay algo en su manera de hablar de los personajes —una pausa breve, como si eligiera no suavizar nada— que deja ver hacia dónde se ha movido su trabajo en los últimos años. Más adentro. Más incómodo. Menos complaciente.

El punto de quiebre no llegó como un gesto dramático, sino como una claridad casi incómoda: “Cuando entendí que lo ‘agradable’ a veces se queda en la superficie. Lo obscuro te obliga a rascar más hondo, a incomodarte, y ahí es donde realmente pasan cosas, donde te cuestionas tú también”. Desde ahí, el mapa cambia. Ya no se trata de personajes que funcionen, sino de personajes que duelan un poco al habitarlos.

En los márgenes —ahí donde los personajes se contradicen, donde no terminan de resolverse— encuentra algo más cercano a lo humano. “Contradicción. Humanidad real. Los personajes ‘correctos’ suelen estar más resueltos; los incómodos están rotos, y eso es mucho más interesante de habitar, de abrir otras conversaciones”. No hay interés en pulirlos, en hacerlos digeribles. Al contrario: que incomoden, que descoloquen, que no se dejen consumir rápido.

Provocar, entonces, se vuelve una especie de brújula. “Me interesa provocar. Si todos te quieren, probablemente no estás arriesgando mucho… darle versatilidad al público y no aburrirse de repetir los mismos estándares de personajes”. En esa tensión —entre lo que se espera y lo que se rompe— aparece su terreno de juego.

Cuando el personaje además carga con peso histórico, la aproximación se vuelve todavía más delicada. Al interpretar a una figura como Luis Echeverría, la tentación del juicio está ahí, inmediata. Pero De la Madrid toma otra ruta, más compleja, menos cómoda: “Desde entender al hombre antes que al personaje histórico. No justificarlo, pero sí tratar de ver cómo pensaba, qué lo movía. Entender el contexto de la manera de pensar del momento político”. Primero comprender. Después, si hace falta, tomar distancia.

Ese gesto —postergar el juicio— atraviesa todo su proceso. Porque juzgar, dice, bloquea. “Si no lo entiendes, lo juzgas, y desde el juicio no se puede construir nada verdadero”. Hay algo casi físico en esa búsqueda: el cuerpo entra antes que la cabeza, o al menos no se queda atrás. “Después del proceso de entrenamiento dejas de pensar en ello. Cuando el cuerpo ya no ejecuta, actúa. La técnica de la mano del instinto”. Como si el personaje terminara filtrándose por los gestos mínimos, por la postura, por lo que no se piensa.

Mi reflejo

Y ahí, en lo físico, aparece otra clave: la incomodidad. No como recurso, sino como condición. “Mucho. El cuerpo guarda cosas que la cabeza no alcanza. Si el cuerpo no está incómodo, muchas veces el personaje tampoco”. La idea es sencilla, pero no ligera: hay verdades que solo aparecen cuando algo deja de estar en su lugar.

Habitar villanos —o figuras moralmente cuestionables— no es, entonces, una exploración hacia afuera. Es un espejo torcido. “Sí, y es fuerte. Porque te das cuenta de que ciertas lógicas no están tan lejos de todos”. La distancia se acorta más de lo que uno quisiera. Y en ese reconocimiento hay algo incómodo, incluso para él: “Que no soy tan distinto como me gustaría pensar. Todos tenemos zonas que no nos encanta ver”.

No todo vale. Hay líneas. No muchas, pero claras. “Sí. Hay cosas que tienen que ver con mi integridad y mi paz. El trabajo no puede estar por encima de eso”. Lo dice sin dramatismo, como quien ya lo pensó antes.

En una industria que suele encasillar con facilidad, el movimiento tampoco es casual. No basta con esperar a que cambien las oportunidades. “Un poco de las dos. Pero si tú no empujas ese cambio, la industria no lo hace por ti… tienes que tener más herramientas, más entrenamiento y mucha disposición de salir de tu zona segura”. Empujar, entonces. Aunque incomode. Las etiquetas, si aparecen, primero se rompen. Luego —solo si sirven— se usan. “Primero romperlas. Luego, si sirven, jugar con ellas”. No hay apego ahí, solo estrategia.

Cuando mira hacia atrás, no encuentra una llegada. Apenas un rastro. “Veo evolución, pero sobre todo una búsqueda que nunca termina”. Y quizá ahí está todo: en esa insistencia de no cerrar del todo, de no resolver demasiado pronto.

Alzar la voz

En personajes como Hernando Cruz, donde el poder se ejerce desde una calma que inquieta más que cualquier estallido, esa búsqueda se vuelve visible. No es la ambición lo que lo define, sino la narrativa que construye para sostenerla: “Su forma de justificarse. La ambición es evidente, pero lo que lo hace peligroso es cómo se explica a sí mismo lo que hace”. La violencia, entonces, no siempre grita. A veces habla bajo.

Un gesto mínimo termina por delinearlo todo. “La calma. No es un hombre que explota fácil. Esa tranquilidad fría es lo que más lo define”. Y, sin embargo, hay fisuras: “Pierde cuando se pone impulsivo”. Como si el control —esa necesidad de que nada se salga de lugar— fuera también su punto más frágil.

Porque al final, en medio de historias donde todos persiguen algo, la motivación se vuelve casi elemental. “Control. Sentir que nada se le sale de las manos. Y cuando alguien vive desde ahí, siempre termina perdiendo algo más importante”.

Y ahí, otra vez, la incomodidad. No como destino. Como método. Como una forma de mirar —y de mirarse— sin suavizar demasiado.

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Fotografía: Alex Córdova
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje y peinado: Geraldine Hercos
Coordinador editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo García

La mente como aliada

Hay historias que no comienzan en el gimnasio ni en la victoria. A veces empiezan en la quietud obligada. En el caso de Omar Zamitiz, el punto de quiebre llegó hace más de dos décadas, cuando un accidente lo dejó inmóvil durante un año. Aquella pausa forzada terminó por redefinirlo todo: su relación con el cuerpo, con la disciplina y con la forma de entender la salud.

“Cuando sufrí un accidente hace más de 20 años, el cual me dejó un año en cama, descifré la forma correcta de salir adelante paso a paso”, recuerda. Durante ese tiempo, su realidad estaba marcada por las limitaciones físicas y por la necesidad de reconstruir cada movimiento. Pero también apareció algo más profundo: la conciencia de que la mente debía convertirse en aliada para salir adelante.

En ese proceso encontró una herramienta que hoy sigue siendo central en su vida. “Mantener mi cerebro alimentándose de información que ayude a salir de cualquier bache, a mantenerte fuerte, sólido y disciplinado”, explica. Para Zamitiz, la resiliencia se entrena. Y ese entrenamiento comienza cada mañana. “Mantener alimentando la mente con información que realmente aporte beneficios para motivarte, para ser disciplinado, para tener constancia, para amarte más, es la parte más importante de mi trabajo y de lo que yo soy actualmente”.

Con el tiempo, esa filosofía se convirtió en un sistema de vida. La salud dejó de ser una meta aislada y pasó a convertirse en una práctica cotidiana, una forma de atención constante hacia el cuerpo y la mente.

“Darte cuenta del valor que representa estar saludable desde los dedos de los pies hasta el pelo de la cabeza es algo que mantengo día a día”, dice. Ese enfoque se traduce en decisiones simples, repetidas con disciplina: dormir bien, cuidar la alimentación, moverse, leer, meditar. Para él, mantener el equilibrio físico también implica ordenar el ruido mental que muchas veces acompaña la vida diaria.

Movimiento esencial

“Tu mente genera situaciones que ni siquiera existen en tu día a día y te estresas por ellas”, afirma.

Por eso insiste en una tarea que considera esencial: reducir el estrés que nace de pensamientos innecesarios. “Bajar los niveles de cortisol es una tarea diaria”.
Esa búsqueda de funcionalidad real del cuerpo dio origen a su sistema de entrenamiento, Animal Move, una metodología que retoma movimientos naturales que el cuerpo humano conoce desde sus primeras etapas de vida.

“Está compuesto de gimnasia natural y biogimnástica animal”, explica. La idea parte de una observación sencilla: los movimientos más esenciales —rodar, gatear, impulsarse, equilibrarse— forman parte de la motricidad con la que todos nacemos, pero se van perdiendo con el tiempo. “Son movimientos que cualquier ser humano realiza desde muy pequeño, desde bebé, pero se pierden por la vida cotidiana”.

El sistema busca recuperar esa conexión entre mente y cuerpo mediante ejercicios que trabajan fuerza, coordinación, flexibilidad y resistencia de forma integral. No se trata de estética ni de rendimiento aislado, sino de funcionalidad. “Se basa en movimientos naturales llevados a una contracción continua, haciendo que el ser humano funcione mejor: que sea ágil, que tenga equilibrio, fuerza, resistencia y flexibilidad”.

En paralelo, su vida personal también se ha entrelazado con ese camino. Durante años ha trabajado de cerca con su pareja, la actriz y conductora Daniela Fainus, con quien comparte tanto proyectos profesionales como una filosofía de bienestar.

Cuando la entrena, explica, debe separar dos papeles distintos. “Viene mi parte profesional del lado sentimental”, dice. Durante la sesión se enfoca en su rol como coach, atento a lo que ella necesita para alcanzar sus objetivos. “Entro en una etapa de corrección y motivación, enfocado en cuáles son los requerimientos de mi pareja”.

Después del entrenamiento, la dinámica cambia. “Terminando nuestra sesión vuelvo a ser ese esposo que la ama, que está con ella, que le apoya al cien por ciento, que le cocina y que le hace masajes”.

Su relación, cuenta, comenzó incluso antes de formalizarse como pareja. Durante un tiempo fue su preparador físico, y esa cercanía permitió construir una filosofía compartida que hoy también se refleja en los proyectos que desarrollan juntos.

“Empezamos a tener mucha conexión desde el inicio para ir construyendo herramientas que actualmente le funcionan a muchas personas”, señala. Con el tiempo, esa visión se expandió a plataformas digitales y programas de entrenamiento diseñados para quienes buscan mejorar su salud desde casa.

Para Zamitiz, el objetivo nunca ha sido únicamente formar atletas. La meta es más amplia: ofrecer herramientas que ayuden a las personas a sentirse mejor en su propia vida. “La gente puede acercarse a nosotros a través del ejercicio y de nuestra vida saludable”, explica.

Y aunque los proyectos siguen creciendo, la base permanece intacta: disciplina, constancia y atención diaria. Porque, como él mismo resume, el verdadero entrenamiento ocurre todos los días, desde el momento en que comienza la jornada.

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Fotografía: Joch Lucio
Maquillaje y Peinado: Naim Vázquez
Stylist: Manuel Delgado
Coordinador Editorial: Aaron Zavaleta
Diseño Editorial y producción: Juan Pablo García

La fuerza de la contención

Marcelo Córdoba habla con la serenidad de alguien que ha aprendido a no apresurar los procesos. Dice que durante años creyó que actuar era mostrar intensidad, ocupar espacio, hacerse notar. Con el tiempo entendió que lo más poderoso suele ocurrir cuando se contiene.

Recuerda sus primeros proyectos como una etapa de descubrimiento acelerado. Quería probarlo todo, moverse rápido, demostrar que podía con cualquier reto. Hoy, en cambio, prefiere detenerse. Leer los guiones varias veces. Dejar que las escenas reposen. “A veces el personaje necesita silencio para aparecer”, explica.

Para Marcelo, la construcción empieza siempre por la escucha. Escuchar a sus compañeros, al director, al ambiente. Incluso escuchar lo que no se dice en una escena. Le interesa esa tensión invisible que se genera entre dos personajes cuando callan. Ahí encuentra capas que no están escritas, pero que pueden sentirse.

Habla del cuerpo como una herramienta que se afina con los años. Ya no fuerza gestos ni exagera movimientos. Confía en la economía: un cambio mínimo en la postura puede contar más que un monólogo. “Menos es más” dejó de ser una frase y se volvió práctica cotidiana.

Cuenta que el set es un espacio de concentración casi meditativa. Llega temprano, camina el lugar, toca los objetos del escenario. Necesita familiarizarse con el entorno para que, al grabar, nada le resulte ajeno. Esa relación física con el espacio le permite moverse con naturalidad cuando las cámaras están encendidas.

Maestría del tiempo

Marcelo disfruta especialmente los proyectos que le exigen paciencia emocional. Esos donde la transformación del personaje ocurre de forma lenta, casi imperceptible. Cree que el público percibe cuando algo ha sido construido con tiempo y cuidado.

Habla también del cansancio, de las jornadas largas, de la exigencia física que a veces implica el oficio. Pero nunca lo menciona como queja, sino como parte del proceso. “El cuerpo también aprende a resistir”, comenta.

Para él, actuar es una forma de empatía radical. Ponerse en la piel de alguien más obliga a entender motivaciones que, en la vida real, quizá juzgaría con rapidez. Ese ejercicio constante de comprensión lo ha vuelto, dice, más paciente fuera del set.

Al final, Marcelo define su trayectoria como una suma de aprendizajes discretos. Cada proyecto le ha dejado una lección distinta sobre el tiempo, la contención y la importancia de escuchar antes de actuar. Porque, para él, el verdadero trabajo no está en hacerse ver, sino en lograr que el personaje respire con naturalidad frente a los demás.

Esa relación con el tiempo también se extiende fuera del set. Marcelo entrena todos los días desde hace décadas. “Al principio”, admite, “había algo de disciplina impuesta; con los años se volvió simplemente parte del día”. No lo entiende como una exigencia estética sino como una forma de mantenerse disponible: el cuerpo preparado para responder sin interferencias. Dice que la constancia termina eliminando el esfuerzo visible; lo que antes requería voluntad después ocurre solo.

Oficio del presente

Esa lógica aparece también en su forma de trabajar. Evita los excesos, no por sacrificio sino por economía. Prefiere hábitos sostenidos a impulsos intensos. La preparación no consiste en tensarse, sino en llegar afinado. Cuando eso sucede, el trabajo fluye sin fricción.

En los romances que interpreta no busca una emoción distinta según la edad del personaje. Prefiere pensar que el vínculo siempre se aborda desde el mismo lugar: entender qué necesita el otro y qué obtiene a cambio. En algunos proyectos el amor se vuelve negociación, una dinámica menos idealizada donde el afecto y el interés conviven. Ahí encuentra matices que le resultan más cercanos a la experiencia real.

Nunca se consideró especialmente atractivo. Dice que esa percepción apareció tarde, cuando ya llevaba años trabajando. Para entonces la prioridad estaba puesta en otra parte: que la atención se dirigiera a la interpretación y no al aspecto. “Mantenerse en forma”, explica, “responde más a una herramienta de trabajo que a una imagen. La disciplina física sostiene la concentración, no la sustituye”.

A pesar de la experiencia, cada guión conserva un grado de incertidumbre. No habla de nerviosismo, sino de expectativa: descubrir qué lo diferencia del anterior. Incluso dentro de tipos de personaje similares busca pequeños desplazamientos. Una variación de intención, un cambio de ritmo. Dice que la rutina existe en los horarios, nunca en los personajes.

Suele pasar mucho tiempo solo. No lo vincula al oficio sino al carácter. Ese espacio le permite ordenar ideas, pero procura equilibrarlo con encuentros y conversaciones. Cree que el trabajo se sostiene mejor cuando no ocupa todo el territorio personal.

Con los años también cambió su manera de entender los vínculos. Ya no le interesan tanto las impresiones inmediatas como la afinidad prolongada: la conversación, el humor compartido, la calma. La atracción aparece después, no antes. Prefiere relaciones donde el interés se construye gradualmente.

Acepta el rechazo como parte estructural de la profesión. Dice que la carrera del actor se compone mayoritariamente de negativas y que aprender a convivir con ellas es condición básica para permanecer. Los proyectos que sí ocurren adquieren valor precisamente por esa proporción.

No piensa en legado. Le basta con que el trabajo funcione en su momento y deje una impresión honesta. Considera la televisión un oficio ligado al presente más que a la permanencia. Si algo queda, prefiere que sea la sensación de naturalidad.

Equilibrio en escena

Fuera del trabajo, el cine y el teatro ocupan su atención con la misma constancia que el entrenamiento. Le interesa observar cómo otros resuelven problemas similares desde lenguajes distintos. También reserva tiempo para encuentros con amigos de años; dice que esas conversaciones son las que devuelven perspectiva después de jornadas intensas.

“Hay momentos”, reconoce, “en que la exigencia acumula tensión”. Entonces recurre a ese círculo cercano. No como escape, sino como reajuste. La concentración prolongada necesita pausas para mantenerse precisa.

Sobre Julieta habla en términos de contraste. Dice que su libertad le resulta ajena y, por eso mismo, estimulante. Mientras él tiende al control, en ella observa una espontaneidad que desplaza la energía de la escena hacia lugares inesperados. “Esa diferencia”, comenta, “genera equilibrio: uno contiene, el otro expande”.

En lo inmediato prepara un nuevo proyecto en formato breve, un trabajo distinto al ritmo habitual de producción. Lo asume con la misma lógica que ha sostenido durante años: escuchar primero, intervenir después y dejar que el personaje aparezca sin forzarlo.

Para Marcelo, actuar sigue siendo eso: reducir lo innecesario hasta que algo verdadero queda visible.

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Talento: Yankel Stevan
Fotografía: David Suárez
Stylist: Ruth Buendía
Grooming: Ashley Aguirre
RP: Pepe Ayala

¿Qué fue lo primero que te enganchó de No me sigas y por qué dijiste “sí”?

La historia me agarró desde la primera lectura. Era oscura, intensa, pero también muy emocional. Sentí que podía hacer algo diferente, y eso me emocionó. No lo pensé demasiado.

¿Cómo describirías la dinámica con Ximena y Eduardo?

Muy natural. Desde el primer día hubo confianza. Son directores con los que puedes hablar, proponer, equivocarte. Se armó un ambiente muy chido en el set.

¿Qué te retó más de interpretar a Andrés?

Irme a lugares que normalmente no toco. Andrés tiene capas complicadas y tuve que enfrentar cosas mías para entenderlo. Eso siempre reta.

¿Qué te gustaría que el público descubra de ti con esta peli?

Que sigo creciendo, que me gusta arriesgarme y que disfruto mucho explorar personajes que no son “lo obvio”.

En 14 años de carrera, ¿qué ha sido lo que más te movió o te cambió?

Cuando dejé de pensar en “hacerlo perfecto” y empecé a disfrutarlo de verdad. Cambió todo cuando entendí que lo importante es la verdad del personaje, no verme bien.
Tu etapa en Cancún antes de llegar a CDMX…

Era un chamaco sin rumbo, la neta. Disfrutando, sí, pero sin pensar en el futuro. Llegar a la CDMX fue literalmente lanzarme al vacío… y salió bien.

Diferencias entre el Yankel modelo y el Yankel actor de hoy.
Antes estaba sobreviviendo. Hoy estoy construyendo. Antes era más inseguro; ahora entiendo mejor quién soy y qué quiero hacer.

¿Qué te dejó trabajar en series como Control Z que hoy usas en cine?

Ritmo, disciplina y una intuición más fuerte. En televisión decides rápido, y eso me ha ayudado muchísimo a confiar más en mí.

¿Has tenido que luchar contra etiquetas?

Sí, claro. Todos las tenemos. Pero creo que elijo proyectos que me permiten romperlas poco a poco.

¿Algún personaje que te haya cambiado?

Sí, varios. Cada uno te deja algo, pero este en especial me agarró en un momento de vida donde estaba más abierto emocionalmente.

¿Qué buscas en un guion?

Que me mueva algo. Si lo termino y sigo pensando en el personaje, sé que es por ahí.

Influencias que te han marcado. Me inspiran directores y actores que trabajan desde lo humano, desde lo real. Lo que no se siente actuado es lo que más me pega.
¿Intuición o técnica?
Las dos. La técnica te sostiene, pero la intuición te lleva a los lugares más interesantes.
¿Qué parte de tu personalidad te mantiene a flote en esta industria?

Soy necio. Cuando quiero algo, no suelto. Y también soy muy adaptable, eso ayuda un chingo.
¿Cómo eres fuera de cámara?

Muy normal. Tranquilo. Sensible. A veces impulsivo, pero cada vez más consciente de por qué hago las cosas.
¿Qué te mantiene centrado en procesos fuertes?

Hacer ejercicio, escribir un rato y desconectarme del celular. Si no me doy espacio, me saturo.
¿Qué personajes quieres explorar en los próximos años?

Los que tengan algo que decir. Personajes rotos, complejos, humanos.
Que dejé todo en cada proyecto. Que no me acomodé. Que siempre estuve buscando crecer.

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Fotografía: Rafa Salsas
Asistente de foto: Gael Peloso
Styling: Santiago Araico
Muah: Geraldine Hercos
RP: Irma García
Locación: Ex Fábrica de Harina
Entrevista: Aarón Zavaleta

Alex Lora y El Tri

Hablar de Alex Lora es hacer mención del rock mexicano en carne viva. Desde finales de los sesenta, su voz y su guitarra han sido testigos y cronistas de un país en eterna metamorfosis. Con El Tri, la banda que él mismo ha moldeado a lo largo de casi seis décadas, Lora convirtió la rebeldía en un oficio, el caos en disciplina y el ruido en una forma de oración melódica.

El origen de todo se remonta a 1968, cuando formó Three Souls in My Mind junto a Carlos Hauptvogel y Guillermo Berea. En sus primeros años, el grupo interpretaba covers en inglés, siguiendo la corriente anglosajona que dominaba el panorama. Sin embargo, el cambio llegó cuando Alex entendió que su público debía escucharse a sí mismo en sus canciones. “Era importante que la gente entendiera el mensaje de mis rolas en su propio idioma”, recuerda. Así, el inglés quedó atrás, y el rock mexicano encontró por fin una voz con acento chilango, emocional y callejero.

El Rock y Chela

En 1971, Three Souls participó en el mítico Festival de Avándaro, un momento que marcó tanto la historia del rock nacional como la vida personal de Alex: allí conoció a Chela, su inseparable compañera y, como él la llama con cariño, su “domadora”. “Nos flechamos en el 71, en septiembre, y ahora estamos cumpliendo 54 años de novios y 45 de casados; realmente el rock and roll nos unió y ha marcado nuestro camino”, dice. No exagera: su matrimonio ha corrido paralelo a la historia de su banda, una dupla que ha resistido censuras, crisis y mutaciones de la industria.

Para mediados de los ochenta, Lora fundó oficialmente El Tri, nombre que el público ya usaba de manera coloquial. Desde entonces, ha encabezado un proyecto que sobrevive a todas las modas con la misma irreverencia con que comenzó. “El rock and roll es un deporte muy desmadroso y no es muy coordinado; siempre es diferente”, ríe. “Antes de que mi domadora entrara a la jugada, yo aparte de ser cantante, guitarrista, chofer, secre y paño de lágrimas, era también el manager… Ya te imaginarás cómo salía todo: de la chingada”. La incorporación de Celia profesionalizó la banda: ella asumió la dirección, la logística, e incluso terminó subiéndose al escenario. “En una de esas tocadas, las coristas le dijeron: ‘¿por qué no te subes tú también? Te sabes todas las rolas’. Y desde entonces es parte del grupo”.

Aniversario Monumental

Ese caos organizado se tradujo en una carrera que no ha dejado de moverse. “Nunca es igual un día para mí”, explica. “Ayer estábamos grabando con el grupo Antología de Perú, mañana nos vamos a León… Coordinarlo es un mega desmadre”. Y sin embargo, en ese ritmo frenético hay método: la constancia de un músico que, a sus setenta y pico, sigue afinando la guitarra cada día.

Su calendario gira siempre alrededor de una fecha clave: el 12 de octubre, el “Día de la Raza Rockanrolera”, cuando ofreció su primera tocada en 1968. Desde entonces, cada aniversario se celebra con un concierto monumental. Este año, el festejo ha sido doble: los 57 años de El Tri y los 40 años del primer disco firmado con ese nombre. “Hicimos tocadas el 12 y 13 de octubre en el Auditorio Nacional, con la Orquesta Sinfónica Esperanza Azteca y la batuta del maestro Salgado. Se llamó El Tri simplemente sinfónico. Fueron unas tocadas históricas”.

La Ética del Rock

A lo largo de su carrera, Lora ha entendido el rock como un oficio que no da tregua. “Nosotros nunca hacemos afters”, explica con ironía. “Cuando terminamos, gracias a Dios ya tenemos otra tocada en chinga. Si hiciéramos after, estaría cabrón llegar a la que sigue. Mejor dormimos y llegamos bien a la próxima”. Esa ética del trabajo que mezcla de devoción y terquedad explica la vigencia de una banda que ha sobrevivido a dictaduras culturales, a la censura y a los algoritmos.

Su proceso creativo también se rige por el azar. “Normalmente tengo rolas inventadas, con mi música y tonada, pero en algún momento, viendo una película o viajando, me cae el veinte y digo: este cotorreo le queda a esa música. No hay un proceso determinado. En el momento dices: ‘No te preocupes, no pasa nada, algún día a todos nos va a llevar la chingada… y si quieres vivir días felices, hazte pendejo y no analices’”. Detrás del humor y la irreverencia, late una lucidez brutal: Alex ha hecho del sarcasmo una forma de filosofía popular.

Sueños y Reconocimientos

Esa mezcla de desenfado y disciplina lo ha llevado más lejos de lo que alguna vez imaginó. “Cuando empecé a rockanrolear mi mamá me decía: ‘De músico te vas a morir de hambre’. Y yo le decía: ‘sí, pero la música me llama’. Por eso siempre digo que el rock and roll es un deporte, es mi deporte favorito”. Años después, ese “deporte” lo condujo a recibir la Medalla Florida del Inca Garcilaso de la Vega en Perú, el Grammy a la Excelencia Musical, varios premios más en México y Estados Unidos, y el reconocimiento de sus pares como Gran Maestro de la Sociedad de Autores y Compositores. “Ni en mis más húmedos sueños pensé que todo eso iba a suceder”, admite con asombro sincero.

Más allá de los homenajes y las sinfónicas, su música sigue siendo un espejo de la calle: el ruido de los negocios, la furia de los transportes, la carcajada que sobrevive a la tragedia. Por eso, cuando Alex dice que “la raza con su energía te prende”, no es una metáfora.

Rock como Destino

Entre más historias incansables de un personaje protagónico de la música, Alex Lora se mantiene fiel a su credo: el rock como destino, como oficio y como resistencia. “Siempre voy con mi guitarra”, dice. “Según lo que estemos platicando, te puedo cantar el pedazo de una rola”. En su mundo, las palabras y los acordes se confunden. Porque para él y para varias generaciones de mexicanos el rock es una manera de sentir y de no rendirse. Por eso, “¡que viva el rock and roll!”.

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Fotografía: Rafa Salsas
Asistente de foto: Benjamín Vázquez
Estilismo: Santiago Araico
Muah: Geraldine Hercos
RP: Roberto Meza para Jerry ML
Coordinación: Juan Pablo Garcia
Entrevista: Aarón Zavaleta

Del trabajo en la calle al éxito en la comedia

Ricardo recuerda sus inicios vendiendo galletas y lavando coches, hasta llegar a consolidarse en la televisión mexicana con personajes icónicos y un oficio marcado por la disciplina, la gratitud y la pasión por conectar con el público.

Desde muy pequeño, Ricardo Margaleff entendió que el esfuerzo era el camino. No lo aprendió en un escenario ni frente a las cámaras, sino en las calles, tocando puertas con una caja de galletas o botellas de aceite de oliva. “Si queríamos tener algo en específico, algún regalo, alguna cosa que quisiéramos comprar, teníamos que trabajar por ella. En esa línea empecé a trabajar desde muy chiquillo, vendiendo cosas, lavando coches, hasta que empecé a tener trabajos más formales”, recuerda. Ese primer contacto con la cultura del trabajo lo marcó de por vida y, aunque no lo sabía, era el preludio de una carrera en la que la disciplina sería su brújula.

El teatro llegó pronto. A los nueve años participó en una comedia musical con un papel breve, pero suficiente para despertar una chispa. La risa del público lo atrapó como un imán. “Siempre me ha gustado poderle sacar una sonrisa a la gente. Escuchar la risa del público me daba una adrenalina incomparable, me volví adicto a esa sensación”, confiesa. Esa energía lo llevó a seguir preparándose, primero en el teatro experimental y universitario, y después en la licenciatura en Artes Dramáticas, donde comenzó a abrirse camino con presentaciones como edecán, bailarín y animador de eventos.

Aunque soñaba con ser actor dramático, la comedia terminó por conquistarlo. Margaleff se formó de la mano de grandes maestros. “He tenido la fortuna de aprender de Héctor Suárez, Alejandro Suárez, Jorge Ortiz de Pinedo, Eduardo Manzano, Eugenio Derbez, Miguel Galván… Él fue fundamental porque nos enseñó a escribir comedia y a crear nuestros propios shows de stand up. Gracias a una de esas presentaciones, Jorge Ortiz de Pinedo me vio y me llamó a un casting. Ahí empezó todo”.Ese “todo” fue convertirse en Plutarco López, el ingenuo y entrañable hijo de Plácido en Una familia de diez, personaje que le abrió las puertas de millones de hogares. “Definitivamente el personaje de Plutarco ha sido un parteaguas en mi carrera. Cuando me dijeron que iba a ser el hijo de Plácido, me emocioné muchísimo. No sabía que ese papel se iba a volver tan importante en mi vida”. Con el tiempo, su carisma lo llevó incluso a tener un spin-off junto a Daniela Luján, ¿Tú crees?, bautizado con la frase que él mismo popularizó y que, como anécdota, nació de una improvisación en el libreto.

El arte de reinventarse

Pero Margaleff no se ha quedado en un solo registro. Ha explorado la televisión con telenovelas como Al diablo con los guapos, la conducción en realities como La Casa de los Famosos y la comedia en Me caigo de risa, donde lleva once temporadas como parte de la “familia disfuncional”. Para él, la clave está en la actualización constante: “Trato de estar preparado, tomando talleres, cursos de canto, baile, actuación, improvisación… Creo que eso me ayuda a estar mucho más vigente”.

La improvisación, asegura, es uno de los retos más grandes y gratificantes. “Esa sensación de adrenalina corriendo por tus venas en el momento en que estás improvisando es incomparable. Cada género, cada escenario se aborda distinto, pero lo importante es evolucionar con la industria del entretenimiento”.

En esa evolución también se ha enfrentado a la exposición mediática. “Nuestro trabajo está en conseguir los proyectos. Una vez que los tienes, ya es pasión y oficio. Pero en la exposición, en el reality, estás abierto a que la gente opine, incluso sobre cosas que no has dicho. Habrá gente a la que le guste mi trabajo y gente que no, pero yo pongo toda mi energía en quienes sí lo disfrutan”.

El agradecimiento es una constante en su discurso. A lo largo de la entrevista, Ricardo no deja de reconocer al público que lo ha acompañado: “Quiero aprovechar para darle las gracias a todas aquellas personas que me han permitido llevarles instantes de alegría. Gracias a ellos hoy estamos aquí. Tengo muchas ganas de seguir creciendo, de hacer más teatro, cine, comedia musical. Y como le digo mucho a mi hijo: el que cree, crea. Yo creo en los proyectos y sé que van a llegar”.

Con 25 años de trayectoria, Margaleff sigue mirando al futuro con hambre y humildad. Sabe que aún hay mucho por recorrer, pero lo hace desde un lugar claro: el respeto al público y la pasión por su oficio. “Mi trabajo lo hago desde el corazón, desde la empatía y el cariño al ser humano. Nunca haría nada que ofendiera o que me pusiera por encima de los demás. Antes que nada somos personas”.

En cada palabra, Ricardo Margaleff confirma que su historia no solo está hecha de risas, sino también de disciplina, gratitud y una fe inquebrantable en que todo esfuerzo tiene su recompensa.

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Ralf nos confiesa: “Antes de comenzar a hacer videos, todos mis días eran de entrenamiento, me gustaba mucho hacer triatlón y no sé si me habría dedicado a eso pero siempre soñé con hacer un Ironman 140.6. Logré dos de 70.3 entonces tal vez cuenta si los sumamos”, dice entre risas. Su vida estaba marcada por la disciplina, hasta que la creatividad digital apareció en su camino.

El Camino Inesperado

Comenzó a crear contenido en 2016, cuando TikTok aún se llamaba Musical.ly. “Yo ya hacía videos largos en YouTube y estaba aprendiendo a editar con efectos. Entonces utilizaba Musical.ly para hacer pruebas”, recuerda. Lo que empezó como un experimento se convirtió en una forma de vida cuando los videos cortos comenzaron a conectar con miles de personas.

El punto de inflexión fue cuando empezó a ponerle rostro a quienes lo seguían. “Me di cuenta cuando replicaban un video mío o alguna pintura de las que he hecho. Ahí entendí que estaba generando algo más profundo”.

El Arte de Ser Ralf

Originario de Saltillo, Coahuila, Ralf reconoce el papel que jugó su ciudad en su formación personal y profesional. “Crecer rodeado de gente con valores tan marcados me ha hecho enfocarme mucho en lo que quiero transmitir con mi contenido. Quiero hacer algo más que la tendencia del momento”.

Y aunque en redes se muestra extrovertido, detrás del personaje hay una personalidad mucho más introspectiva. “Siempre digo que Ralf y Marco son muy diferentes. Soy muy serio y tranquilo, pero lo creativo viene de Marco y lo extrovertido de Ralf”.

Su contenido, que define como “creativo, diferente, tal vez hasta sentimental”, se distingue por narrativas sin palabras, por transmitir emociones en imágenes. “Me gusta mucho proyectar mis emociones o mostrar mis pensamientos sin hablar. La fórmula es ser único, eso hace que nadie más te pueda imitar”.

Para Ralf, la autenticidad es su mayor valor, tanto en lo que crea como en lo que comparte de su vida. “Nunca me han visto mal, no es algo que me guste mostrar, pero justo eso es lo que me gustaría que todos supieran: en redes solo se muestra lo que queremos que los demás vean. Nadie tiene una vida perfecta”.

Esa sensibilidad se extendió a la pantalla grande con su protagónico en la película Anónima, de Netflix. El proceso, cuenta, comenzó como un casting más, sin grandes expectativas. “Esperaba tener castings, más no quedar en la película. Cuando me avisaron que tenía callback, yo no entendía qué estaba pasando”. Y al recibir la noticia de que sería el protagonista, la incredulidad fue total: “No me la creí. No entendía la magnitud que iba a ser hasta que comencé a ver publicidad por todos lados”.

Del rodaje, se lleva más que experiencia: “Aprendí a confiar mucho más en mí. Poco a poco me fui sintiendo más cómodo y más cerca de la producción y el cast. Y claro, también amistades increíbles. Todavía nos hablamos”.

Lo que Viene: El Mundo

Su crecimiento no ha pasado desapercibido para las marcas, que han encontrado en Ralf una forma distinta de conectar con las audiencias. “Yo creo que les gusta ver cosas diferentes. Intento mostrar los productos contando una historia o utilizando efectos, no solo hablando sobre ellos”.

Su comunidad es joven y leal, y él lo sabe. “Definitivamente siento una responsabilidad. Yo simplemente intento mantenerme lejos de polémicas y antes de hacer cada video me pregunto si es algo que a mi mamá no le molestaría ver”, confiesa y se ríe.

Aunque admite que no todos los días se siente con ganas de crear, hay algo que siempre lo impulsa: el resultado. “A veces siento que soy mi fan número uno. Cada que termino de editar, me quedo viendo el video como cinco minutos en loop”.

Hoy, su rutina transcurre entre ediciones, ideas y películas que lo inspiran. Pero algo nuevo se avecina. “Hay algo que muero por contar, pero no puedo todavía. Lo único que puedo decir es que van a ver a Ralf por todo el mundo. Creo que me está pasando lo mismo que con la película y no he dimensionado la locura que va a ser lo que está en camino”.

Ralf, entre transiciones, emociones y silencios, sigue editando su propio camino.

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Fotografía: Juan Luis Lemus
Asistente de foto: Juan López Azpiri
Estilismo: Santiago Araico
Muah: Geraldine Hercos
Entrevista: Aarón Zavaleta

Más de dos décadas de pasión por entretener

A lo largo de más de dos décadas de carrera, Faisy ha transitado por la radio, la televisión, el cine, el teatro y el doblaje, sin perder nunca el rumbo: entretener desde el corazón. “Creo que ha sido una carrera bastante constante y de una persona que ama entretener. He intentado ser muy disciplinado para poder estar preparado para el momento en que una buena oportunidad se presente”, afirma.

emblemáticos en su trayectoria es Me Caigo de Risa, ese fenómeno televisivo que se ha ganado un lugar especial en el corazón del público. Con honestidad y humildad, Faisy lo describe como un reto complejo. “Son muchas variables de las que tengo que estar atento para poder enviar un mensaje claro a la gente en su casa. Yo me vuelvo solo un hilo conductor del talento, el timing y las ocurrencias de esa familia disfuncional tan talentosa… y al ser un programa donde nos hemos esforzado en ser muy reales, la magia sucede inesperadamente”.

Además de su carisma, Faisy es reconocido por su agilidad mental y capacidad de improvisación. Pero esa habilidad no es un accidente: “Todos los días busco ejercitar esa capacidad de respuesta, al platicar con la gente, al escuchar a otros compañeros… me encanta estar creando y generando constantemente, y buscar llegar a una respuesta de cualquier cosa pero de una manera diferente, sorpresiva, inesperada”.

En el mundo del doblaje ha dado vida a personajes como Chuck en Angry Birds o Jack Horner en El Gato con Botas: El Último Deseo. Lejos de ser solo un trabajo más, para él es una forma de permanencia emocional. “El que pase el tiempo y mi familia, o cualquier persona, pueda recordarme a través de un personaje que vivirá siempre con mi voz me parece hermoso… El doblaje es de los oficios más difíciles, y eso es precisamente lo que hace que me enamore más de él”.

Faisy Nights: un espacio íntimo y auténtico

Otro de sus espacios más personales es Faisy Nights, un programa que lleva su nombre y, con él, su esencia. “Justo esa es la idea: sentirme en casa y recibir a gente que quiero y admiro. Conlleva más responsabilidad, pero también más satisfacción”.

En los escasos días en los que no graba o está en vivo, Faisy recarga energías con lo más simple: leer, ver películas, compartir con amigos o viajar. “Trato de disfrutar de la vida al máximo”, dice.

Siempre inquieto, no descarta nuevos horizontes. “Me gustaría hacer más cine, colaborar no solo actuando, sino también escribiendo, produciendo y dirigiendo… y seguir experimentando en la música”.

Pero incluso en los momentos más complejos, Faisy encuentra motivos para seguir adelante. “Aprender, evolucionar, conectar, ayudar… tengo muchos momentos difíciles, no tan alegres. Esos los trato de resolver solo o con mis personas más cercanas. Ya hay mucho odio en el mundo como para llegar a agregarle más”.

Hoy, también se encuentra sobre el escenario con Spamalot, al lado de figuras que admira profundamente. “Este increíble proyecto me tomó en un gran momento profesional y personal. Atesoro cada ensayo, cada presentación, cada consejo. De verdad lo veo como un regalo del universo”.

Un vínculo entrañable: Faisy y Mariazel

En esta edición, dedicada al poder de la amistad, Faisy comparte portada con Mariazel, cómplice de años. “Mucha gente no lo sabe, pero nos conocemos desde hace más de 25 años. Nuestra amistad ha evolucionado poco a poco hasta llegar a esta complicidad y cariño que ya se ha extendido a nuestras familias. La amistad es una red de amor que me permite viajar por esta vida con alegría”.

Al compartir unas horas con Faisy para esta sesión de fotos, confirmamos que es talentoso, empático y genuino. Un comunicador que no busca protagonismo, sino conexión. Un artista que, entre risas y reflexiones, sigue demostrando que el mejor entretenimiento nace de la verdad.

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