Fotografía: Jorge Ramiréz-Posada
Stylist: Santiago Araico
Asistente de Stylist: Nely López
Maquillaje y Cabello: Pedro Aguirre
RP: PuRe & B
Coordinación editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo Garcia

La paz como límite

Durante la vida, hay etapas en donde el éxito deja de medirse en aplausos, contratos o exposición. Rossana Nájera parece estar parada exactamente en ese lugar. Uno donde la conversación ya no gira alrededor de demostrar, sino de conservar algo mucho más difícil: la paz. La palabra aparece una y otra vez cuando habla de trabajo, relaciones, decisiones personales o del futuro. No como una frase decorativa de autoayuda, sino como una especie de límite íntimo que aprendió a defender tarde, pero con absoluta claridad.

“Mi paz ya no se negocia”, dice. Y detrás de esa frase hay varios años de desgaste, decepciones y aprendizaje acumulado. La actriz reconoce que durante mucho tiempo le costó poner límites. Decir que no. Frenar situaciones donde sentía que los demás comenzaban a invadir demasiado terreno emocional. “Tenía que aprender a decir ‘hasta aquí y de aquí no pasas’, porque si pasas de aquí empiezas a pisarme”. Lo cuenta sin dramatizarse, aunque se percibe el peso de haber llegado a esa conclusión después de varias heridas.

Rossana habla mucho desde un lugar emocionalmente expuesto. No intenta construir una imagen perfecta de sí misma. De hecho, parece interesarle exactamente lo contrario: aceptar las partes incómodas. Su paso reciente por MasterChef Celebrity México terminó revelándole una faceta que, según ella, mucha gente no conocía. La vulnerabilidad. El enojo. La frustración. Verse bajo presión dentro de un reality la obligó a enfrentarse con emociones que normalmente mantenía resguardadas. “Soy súper sensible”, admite. Y aunque hoy las redes sociales permiten una cercanía mucho mayor entre figuras públicas y audiencia, siente que todavía existe una parte de ella que guarda muy para sí misma.

Duelo y equilibrio

Quizá uno de los temas más delicados de la conversación aparece cuando habla sobre la maternidad. No desde la postura de quien ya cerró una herida, sino desde alguien que todavía convive con ella. Rossana reconoce que sigue siendo un proceso en construcción. Un duelo que aparece en momentos inesperados. “Hay momentos en donde veo mujeres embarazadas… que me rompen el corazón porque todavía quisiera estar ahí”. La frase llega sin artificios. Seca. Directa. Pero también explica que, en medio de ese dolor, aprendió a buscar la parte luminosa de lo que no ocurrió. No como resignación forzada, sino como una manera de sobrevivir emocionalmente a las expectativas incumplidas.

Esa conversación inevitablemente la lleva a otro tema: la presión social sobre las mujeres que no encajan en ciertos modelos tradicionales de vida. Rossana habla desde un lugar profundamente consciente de cómo todavía existe una mirada de compasión hacia quienes no tienen pareja, hijos o una “familia propia”. Aunque reconoce que las cosas han cambiado, siente que persiste cierta idea de fracaso alrededor de las mujeres solteras después de cierta edad. “A veces me voltean a ver con cara de ‘ay pobrecita’”, comenta. La frase tiene algo incómodo precisamente porque resulta reconocible.

Sin embargo, lejos de instalarse en el resentimiento, parece haber encontrado otro tipo de equilibrio. Uno que no depende exclusivamente del trabajo. Durante años, explica, tuvo que separar su valor personal del éxito profesional. “No podía poner todo mi valor en el ser actriz”. La frase importa porque viene de alguien cuya vida pública ha estado ligada justamente a la actuación durante décadas. Entender que el reconocimiento no define quién es terminó convirtiéndose en uno de los aprendizajes más importantes de sus procesos terapéuticos.

Aun así, el deseo de seguir creciendo permanece intacto. Rossana no quiere detenerse. Lo que le da miedo no es el fracaso, sino repetirse. Permanecer demasiado tiempo en una zona cómoda. Por eso los personajes emocionalmente complejos siguen siendo lo que más le atrae. Habla de ellos con entusiasmo genuino. Le interesa aquello que la incomoda, lo que la obliga a moverse emocionalmente.

Liberación del personaje

Ese fue precisamente el caso de “Leah”, el personaje de la telenovela Hermanas que describe como uno de los más importantes de su carrera reciente. Leah es manipuladora, caprichosa, cruel por momentos. Una mujer que toma decisiones moralmente cuestionables y que, sin embargo, Rossana decidió abrazar sin miedo a resultar desagradable para el público. “Es increíble no tener que agradar”, dice. Hay algo liberador en esa conclusión. Durante años, especialmente para muchas actrices, parecer simpática o aceptable formaba parte del trabajo invisible. Leah rompió con eso.

Rossana incluso disfruta la reacción de la gente en la calle cuando le dicen que odian al personaje. Porque entiende que ahí ocurrió algo correcto: el juego actoral funcionó. Y cuando habla de Leah, evita juzgarla completamente. Prefiere pensarla como una mujer profundamente inconsciente, marcada por heridas emocionales mal resueltas y por una necesidad constante de atención.

Más allá de la actuación, también hay otros sueños orbitando su vida. Quiere volver al teatro, un espacio que extraña profundamente por la conexión directa con el público. Quiere hacer cine. Quiere publicar un recetario de cocina veracruzana para compartir algo de su tierra con el mundo. Y quiere, eventualmente, crear un refugio para perros callejeros. Son proyectos distintos entre sí, pero todos parecen conectarse desde el cuidado: cuidar la memoria, cuidar las raíces, cuidar a otros seres vivos.

Mientras tanto, vive un cierre emocional importante con Hermanas. Rossana habla del proyecto con un afecto evidente, casi íntimo. “Leah llegó a marcarme profesional, pero también personalmente”. Y quizá ahí está el centro de todo: entender que algunos personajes no solo sirven para contar historias, sino también para descubrir partes de uno mismo que llevaban demasiado tiempo esperando salir.

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Fotografía: Eddy Espinoza
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje: Rosa María García de Misstika Porstyling
Peinado: Erick Moreno
Asistente de cabello: Sonia Terrazas
RP: Jerry ML
Locación: Studio Selinus
Coordinación editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo Garcia

Alejandra interpreta a Paloma, un personaje que es madre, sí, pero también cuerpo, impulso, error. Una figura que incomoda porque no se acomoda. La primera reacción no fue rechazo. Tampoco fascinación inmediata. “Lo primero que me provocó fue curiosidad y luego reto… rechazo nunca”, dice Alejandra Barros. La premisa de madre e hija en tensión por el amor de un hombre le parecía improbable. Después no. Después entendió que lo improbable se repite más de lo que se admite en voz alta.

Construir a Paloma implicaba esquivar el juicio. No de forma ingenua, sino trabajada, conversada, casi negociada entre lecturas, directores y una intuición que va encontrando su propio hilo. “Lo que encontré fue pensar en ella como una mujer, no como una mamá”. El desplazamiento es sutil, pero cambia todo: la historia deja de ser un escándalo y se vuelve experiencia. Antecedentes, decisiones, un matrimonio que no fue elección, y de pronto —tarde, dicen algunos— la aparición de algo que sí mueve por dentro.

Ahí se instala la clave emocional. No en justificar, en comprender el desfase. “La clave emocional de Paloma es verla como mujer, no como madre y entender que lo que no vivió en su juventud… es lo que la hace que quiera vivir esa experiencia después, ya teniendo una hija, siendo madre, estando casada”. El deseo como algo que llega tarde, o que se reconoce tarde. No desaparece, se guarda.

Pero lo que se guarda también empuja. Y cuando sale, no siempre tiene forma digna. “La parte que más me costó habitar en Paloma, fue estarle rogando a un hombre, creándote unas fantasías en la cabeza, que son eso, fantasías. Yo soy mucho más práctica y objetiva. Entonces el estar persiguiendo un hombre… Paloma en eso es súper insistente, entonces pues sí, me costó mucho trabajo y tratar de hacerlo lo más real posible”. Hay algo incómodo en esa insistencia. Algo que cualquiera reconoce, aunque no lo diga en voz alta.

El fondo es más amplio que la anécdota. Tiene que ver con el deseo y con la forma en que se administra socialmente. “Yo creo que las mujeres no dejan de tener deseo al igual que los hombres… el desear a alguien más, yo creo que es intrínseco del ser humano, hombre y mujeres, no nada más las mujeres. Y de repente, sobre todo en la vida familiar latina, como que la mujer cuando es madre, se le deberían de acabar todas las necesidades y gustos y demás, y creo que no debería ser”. La frase abre una conversación que la pantalla ha bordeado durante años, a veces con timidez, a veces de frente.

La polémica aparece, inevitable. Pero no es un fin. “La polémica del planteamiento es inevitable y claro que me interesaba… falta explorar esos temas, pues claro que va a crear curiosidad entre el público, pero que sea de la manera más real del personaje. Cuentas una historia que se parezca lo más a la realidad… entonces es una combinación de las dos”. Interesa el ruido que abre la puerta, no el que se queda a vivir ahí.

Paloma se mueve entre urgencia y carencia. No como categorías separadas, más bien como un circuito. “Me acerco a ella desde las dos, la urgencia y la carencia. Tiene urgencia porque tiene carencia… sentir que ya le queda poco tiempo, que es su última oportunidad de conseguir un amor… y la carencia es porque si ella hubiera tenido un buen amor, no tendría la necesidad de estar buscando esa experiencia”. La última oportunidad no es un dato objetivo, es una sensación. Y las sensaciones mandan.

La incomodidad que genera la historia tiene un origen claro. “Sí, yo creo que incomoda mucho el tema de poner una mamá en búsqueda del amor y compitiendo con la hija… rompe con las expectativas arraigadas de la madre latina abnegada, ella no tiene deseos de nada, más que de cuidar a sus hijos y a sus nietos”. La imagen es conocida. También el gesto de quien la mira y se incomoda. “Lo que te choca checa”, añade, casi como una clave lateral.

Lo que le interesa abrir no es una polémica efímera, sino una conversación más amplia. “Me encantaría que la gente fuera consciente que no nada más las mujeres somos esposas y madres, sino que también somos mujeres, con aspiraciones, deseos, profesionistas, como cualquier hombre… que a una mujer se le antoje volver a tener un amor… les parece como inconcebible y creo que estaría bueno plantearlo”. La palabra “permitir” aparece entre líneas. Permitirse, permitirles.

En la industria percibe un movimiento. No una revolución, pero sí un desplazamiento sostenido. “Yo sí creo que ha cambiado… ahora le han dado más importancia a los papeles de mujeres mayores… el público no nada más quiere ver a jovencitos viviendo el amor… también quieren ver gente de su edad”. La pantalla empieza a parecerse más a quien la mira.

Su interés como actriz no pasa por provocar de forma gratuita. Tampoco por acompañar sin fricción. “Contar historias que ayuden a generar conversaciones o a generar empatía o a simplemente distracción y divertirte… provocar así sin sentido y nada más escandalizar no es mi estilo”. La comedia aparece como una posibilidad cercana, una manera de abrir sin imponer.

El miedo sigue ahí. No desaparece con la experiencia. “Me sigue dando miedo como actriz el no estar a la altura y no crear verdad… siempre hay ese miedito, esa inseguridad de ¿lo estaré haciendo bien?, ¿lo puedo hacer mejor?”. La duda no paraliza, afina.

Y luego lo que se suelta. Lo que ya no sirve. “Hay que desaprender a veces las inseguridades… hay que desaprender también al ego, el ego nos mata… tratar de desaprender los mecanismos de defensa que creamos por miedo y vanidad”. El trabajo no es solo hacia afuera. También es limpieza interna.

Sobre la televisión, la mirada es doble. “Se ha ganado un medio de comunicación espectacular que llega gratis a todos lados… pero también se ha perdido un poco la privacidad, la ética a la hora de generar contenidos”. Más alcance, más responsabilidad. La ecuación no es nueva, pero ahora es más visible.

Lo que viene no es una pausa. “Empiezo otro proyecto a finales de este año y me gustaría hacer algo de teatro… y me gustaría también hacer series y comedia. Me muero de ganas de hacer comedia”. El deseo, otra vez. Moviendo.

Paloma se queda flotando. No como ejemplo, tampoco como advertencia. Más bien como pregunta abierta. Qué pasa cuando una mujer decide no reducirse a un solo papel. Qué se rompe. Qué se revela.

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Los cambios e inicios

Hay algo en Fátima Molina que no busca fijarse. Una especie de desplazamiento constante, como si cada respuesta fuera apenas un punto de paso y no un destino. Habla de sí misma sin la urgencia de definirse por completo. Tal vez porque sabe que esa construcción nunca termina.

Recuerda el inicio en el teatro como una grieta luminosa. Un momento donde empezó a desprenderse. “Creo que un momento clave para mí fue en mis inicios de actuación, haciendo teatro. Recuerdo cómo empecé a despojarme de todo lo que no era verdaderamente yo”. No lo plantea como una revelación abrupta, más bien como un proceso que sigue en curso, como si todavía hubiera capas por quitar.

La idea de identidad, en su voz, no es una línea recta. Es una acumulación de experiencias que se reordenan con el tiempo. “Pienso que uno siempre es el resultado de lo que le ha tocado vivir y muchas veces podemos decidir qué hacer con eso y cómo dirigirnos en el camino”. Hay una conciencia clara de las circunstancias, pero también una insistencia en la elección. Una tensión que no se resuelve, que permanece. Aun así, se nombra desde la gratitud. “Me siento una mujer muy afortunada de poder hacer muchas elecciones valiosas e importantes en mi vida”.

En una industria que durante años ha sostenido moldes precisos, Fátima no habla de ruptura como gesto heroico. Lo suyo parece más íntimo, más cotidiano. “Intento recordarme todo el tiempo que amo ser actriz. Mi satisfacción verdadera está ahí.” No hay declaración frontal contra el sistema, sino una especie de fidelidad interna. Un regreso constante a lo que le importa. “Me gusta saberme diferente. Lo demás es cuestión de perspectivas. Como la vida misma”.

Sentirme libre y plena

Creció, dice, sin demasiadas referencias donde mirarse. Apenas algunas. Pocas, pero suficientes para entender el peso de la representación. “Me gusta saber que hoy también puedo ser la referencia para alguien”. Lo dice sin grandilocuencia, como quien reconoce una responsabilidad que no eligió del todo, pero que abraza. Y entonces enumera lo que implica. Construir identidad, generar pertenencia, romper estereotipos. No como teoría, sino como experiencia vivida.

Cuando habla de la imagen, no hay ornamento. “Sentirme bien. Estar sana. Saberme libre. Y saber que tengo libertad para elegir”. Ahí aparece de nuevo la palabra que atraviesa todo. Elección. Como si verse bien fuera menos un reflejo y más una consecuencia.

Pero el camino no es limpio. Está el rechazo, repetido, casi estructural. El casting como un espacio donde la incertidumbre se vuelve rutina. “Por más que sepamos que es normal, es inevitable sentir”. No romantiza la herida. La reconoce. Y luego, sin dramatizar. “Hay que soltar y continuar”. Como una práctica. Como disciplina emocional.

Ha transitado por cine, series, televisión. Distintos ritmos, distintos lenguajes. Y sin embargo, no establece jerarquías. “Me siento una actriz privilegiada de poderte decir que en cada uno de esos universos he podido sentir muchas satisfacciones”. Lo que aparece no es el formato, sino la experiencia. El cuerpo en escena, respondiendo a lo que ocurre.

Esa búsqueda de verdad, palabra peligrosa en un medio que a veces se queda en la superficie, no se plantea como una conquista, sino como un ejercicio constante. “Hay que hacer trabajo recurrente. Recordarme por qué inicié en esto. Como lo soñaba desde que era una niña”. La raíz funciona como ancla y también como impulso. Desde ahí, dice, puede explorar la infinidad de posibilidades que ofrece la actuación.

Hoy, los personajes que le interesan parecen moverse en los márgenes. Historias que no siempre han tenido espacio. “Tal vez personajes muy poco representados o invisibilizados en nuestro mundo. También personajes que tengan choque de realidad y fantasía.” Antes la urgencia era otra. Actuar, sin importar qué. Ahora hay una curaduría más consciente. Una escucha distinta.

Cuando se le pregunta por la fuerza, no responde con una imagen única. La descompone. La multiplica. “Una mujer fuerte puede ser una mujer resiliente, o una mujer que vive y sobrevive a este mundo donde sigue existiendo la brecha de géneros. Una mujer fuerte puede ser una mujer que saque adelante a su familia. Una mujer fuerte puede ser una mujer que se sabe libre y tiene poder de elección”. La fuerza no es una pose. Es una suma de posibilidades, muchas veces invisibles.

La esperanza…

En sus decisiones también aparece una inclinación por las historias que buscan justicia, incluso cuando esa justicia no es del todo clara. “Porque definitivamente quiero creer en ellas.” Hay una voluntad de sostener la esperanza, de usar la ficción como un espacio donde lo posible todavía se ensaya.

Personajes como Antonia Lazo dejan rastros. Energías que no se quedan del todo en el set. “Yo espero ser valiente igual de rápido que ella”. Lo dice con una ligereza que no cancela el deseo.

Y luego está Julia Pastrana. El cuerpo intervenido, el calor, las horas bajo prostéticos. Una transformación que rebasa lo físico. “La verdad es que por Julia ha valido toda la pena”. La frase se sostiene en algo más profundo. La necesidad de devolverle humanidad a una figura históricamente reducida. “Ella merece que se le reconozca como una persona y como una de las primeras artistas mexicanas internacionales”.

Si mira hacia atrás, hacia sus personajes recientes, no encuentra una narrativa única sobre sí misma. Más bien lo contrario. “Creo que mis últimos personajes no tienen mucho que ver con mi historia personal.” Lo que hay es exploración. Un territorio que se expande mientras se habita. “Muchas veces uno se siente sorprendido por llegar a lugares que tal vez no imaginó, pero la magia de estar en un set, con tus compañeros en escena, tu vestuario, maquillaje, director y todo un equipo te pueden detonar escenarios maravillosos”.

Fátima Molina no parece interesada en fijar una versión definitiva de sí misma. Prefiere moverse. Probar. Equivocarse. Volver. En ese tránsito, algo se va decantando. Una manera de estar en el mundo que no necesita certezas absolutas. Solo la intuición suficiente para seguir eligiendo.

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Fotografía: Alex Córdova
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje y peinado: Geraldine Hercos
Coordinador editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo García

Disciplina compartida

La relación de Daniela Fainus con el fitness comenzó frente a las cámaras, pero con el tiempo encontró su centro en un espacio mucho más tangible: el gimnasio. Hoy su vida gira alrededor de su éxito en redes sociales y de su tiempo en Animal Move, el estudio fundado por su esposo, el entrenador Omar Zamitiz, donde el entrenamiento dejó de ser solo una actividad para convertirse en una forma de vida.

Cuando Daniela llegó al proyecto, el gimnasio ya estaba en marcha. Su participación fue distinta: aportar una mirada nueva dentro de un espacio que ya tenía identidad propia. “El gimnasio ya existía, yo llegué cuando ya estaba funcionando. Él empezó a entrenarme, se convirtió en mi coach y con el tiempo también en mi pareja”, cuenta. Mientras Omar se enfoca en la preparación física y el trabajo con atletas de alto rendimiento, Daniela encontró su lugar dentro del proyecto. “Yo llegué a ponerle ese toque femenino a Animal Move, pero él siempre ha sido un gran líder”.

Más que diseñar rutinas, lo que realmente la mueve es la conexión con las personas que siguen su trabajo. La motivación aparece en mensajes, en historias compartidas y en pequeños cambios que se vuelven visibles con el tiempo. “Me apasiona motivar a la gente. Cuando alguien me escribe y me dice que se levantó para ir al gimnasio después de ver un video mío, eso ya vale muchísimo”, explica. Algo similar ocurre dentro de la aplicación que comparte con Omar, donde los usuarios documentan sus avances. “Vemos sus resultados y los vemos motivados. No solo cambian físicamente: sonríen más, se sienten mejor. Eso a mí me llena el corazón”.

Esa relación con su audiencia —que suma millones de seguidores— se sostiene sobre un principio sencillo: la honestidad. “Siempre he sido súper honesta, orgánica y transparente con mis seguidores. Les cuento todo: lo que hago, lo que uso, lo que me funciona y lo que no”. Con el paso de los años, esa transparencia se transformó en confianza. “Hay muchas chicas que confían en mí”.

Aunque desde fuera pueda parecer que quienes viven del fitness se levantan todos los días con entusiasmo inagotable, Daniela insiste en que la realidad es distinta. Para ella, la clave no está en la motivación constante, sino en el compromiso. “La gente piensa que siempre tenemos ganas de entrenar, pero no es así. Hay días en que no quieres hacerlo. La diferencia es que tienes el compromiso de hacerlo de todos modos”. La recompensa llega al final del entrenamiento.

“Nunca me he arrepentido de ir al gimnasio. Siempre termino con una satisfacción enorme conmigo misma”.

Propósito en movimiento

Ese mismo enfoque se extiende a su estilo de vida. En lugar de reglas estrictas o dietas rígidas, Daniela apuesta por el equilibrio. “No tenemos reglas sagradas. Simplemente estamos acostumbrados a comer saludable la mayor parte del tiempo”. Para ella, la alimentación influye mucho más allá de la apariencia. “La comida se refleja en tu energía, en tu mente, en tu bienestar”.

Cuando alguien se inicia en el ejercicio y se frustra rápido, su recomendación es empezar por el entorno. “Lo primero es encontrar un lugar donde realmente te guste entrenar”. La atmósfera puede marcar la diferencia. “Cuando llegué a Animal Move me gustó todo: la música, la comunidad, la vibra de la gente. Eso hacía que quisiera regresar todos los días”. El resto depende de algo menos inmediato: paciencia y constancia.

Con los años, también ha cambiado la forma en que observa su propio cuerpo. Más que una relación conflictiva, describe un proceso de conocimiento. “Siempre me he hablado bonito y he tenido una relación positiva con mi cuerpo”. Ese vínculo se ha vuelto más consciente con el tiempo. “Aprendí a conocerlo cada vez más, a entender qué necesita y cómo funciona”.

Detrás de todo está una idea que para Daniela pesa más que la estética o la popularidad en redes: la funcionalidad. “Mi motivación nunca ha sido tener más seguidores”. Su objetivo es otro, más simple y a la vez más profundo. “Quiero llegar a una edad mayor y poder abrocharme las agujetas sola, salir a caminar, viajar, moverme sin depender de nadie”. Para ella, ese es el verdadero resultado del entrenamiento: “Tener una vida impecable el mayor tiempo posible”.

En ese camino, Omar Zamitiz ha sido una figura clave. Daniela lo describe como un entrenador exigente y creativo dentro del gimnasio, pero también como alguien que escucha y acompaña. “La gente se le acerca todos los días a pedirle consejo. Es un gran coach, pero también un coach de vida”.

Esa dinámica también ha influido en su propia disciplina. “Él encontró la manera de que el ejercicio me apasionara”. Más que imponer una rutina, transformó la manera en que Daniela mira el entrenamiento. “Logró que yo lo viera como amor por mí misma”.

Y ahí, entre disciplina, comunidad y movimiento, se sostiene el proyecto que ambos comparten: una forma de vida en la que el gimnasio deja de ser un lugar para entrenar y se convierte en un punto de encuentro para construir hábitos que, con el tiempo, cambian mucho más que el cuerpo.

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Fotografía: Joch Lucio
Maquillaje y Peinado: Naim Vázquez
Stylist: Manuel Delgado
Coordinador Editorial: Aaron Zavaleta
Diseño Editorial y producción: Juan Pablo García

Arquitectura del gesto

Julieta Grajales dice que actuar no comienza cuando alguien dice “acción”, sino horas antes, cuando todavía es una mujer sola caminando por la ciudad. Observa manos, posturas, maneras de sentarse en el transporte público. Escucha conversaciones ajenas sin intención de invadir, solo para entender ritmos. En esos trayectos, asegura, es donde realmente empieza a construir.

No piensa en personajes como moldes que se rellenan, sino como presencias que se van insinuando. Primero, cambian su forma de pararse. Luego, la respiración. Después, sin darse cuenta, la voz encuentra otra cadencia. “Cuando me descubro caminando distinto, sé que ya voy tarde”, bromea. Pero en esa frase hay método: dejar que el cuerpo entienda antes que la cabeza.

Habla poco de técnica y mucho de intuición, pero su rutina revela una disciplina rigurosa. Lee en voz alta cada noche, no importa qué. Repite textos para sentir cómo vibran en la boca. Cocina sin música para escuchar el sonido de los utensilios, como si todo fuera entrenamiento sensorial. Necesita vaciar el ruido para poder llenarse de matices.

Huellas invisibles

Julieta reconoce que el set es un lugar extraño: una mezcla de precisión y caos. Hay marcas en el piso, tiempos medidos, luces que dictan dónde colocarse. Y, al mismo tiempo, emociones que no se pueden programar. “La magia pasa cuando alguien se equivoca y nadie corta”, dice. Ese instante donde la escena se vuelve inesperada es el que más atesora.

Sobre la fama, no se detiene demasiado. La asume como una consecuencia lateral del oficio. Le interesa más la energía compartida con el equipo técnico, los silencios cómplices antes de grabar, la mirada del director cuando algo funciona sin necesidad de palabras. “Ahí sabes que estás en el lugar correcto”, comenta.

Cuenta que hay personajes que la acompañan durante semanas después de terminar un proyecto. No en forma de recuerdo, sino como una especie de eco emocional. Por eso necesita rituales para volver a sí misma: caminar sola, ordenar su casa, hablar poco. Recuperar su propio ritmo es tan importante como encontrar el del personaje.

Le atraen las historias que incomodan, las que dejan preguntas abiertas. Cree que el espectador merece espacio para completar lo que no se dice. “Si alguien se queda pensando después, ya pasó algo”, asegura. Ese eco posterior le parece más valioso que cualquier reacción inmediata.

Julieta habla del error con naturalidad. Dice que equivocarse frente a la cámara le ha enseñado más que cualquier escena perfecta. Porque ahí se revela algo auténtico, algo que no estaba planeado. Y en esa grieta aparece la verdad.

Al final, define su carrera no por los papeles que ha interpretado, sino por lo que cada uno le ha dejado en el cuerpo. Pequeñas huellas invisibles que la vuelven más porosa, más atenta, más humana. Actuar, concluye, no es escapar de la realidad, sino aprender a mirarla desde ángulos que antes no existían.

Después de ese aprendizaje corporal, su curiosidad empezó a desplazarse hacia otro territorio: la imagen fija. No como una pausa de la actuación, sino como una extensión. Pintar apareció primero como necesidad privada, una forma de ordenar emociones que no alcanzaban a decirse en escena. En sus autorretratos no busca reproducir rasgos sino registrar estados; figuras que cambian ligeramente de una pieza a otra, como si la identidad fuera un proceso más que una forma estable.

Geografía del ser

En París entendió que mostrar pintura implicaba una exposición distinta. Frente a la cámara siempre hay un margen de mediación —el encuadre, la edición, la distancia—, pero en una sala el espectador comparte el mismo aire que la obra. No hay protección narrativa. La pieza ocurre al mismo tiempo que la mirada. Dice que ahí descubrió otra clase de vértigo: no interpretar, sino permanecer.

No lo vivió como ruptura con la actuación. Más bien como un traslado del mismo método. El cuerpo primero, la explicación después. Si un personaje aparece en la postura, una pintura aparece en la materia. Capas que se corrigen, se cubren y vuelven a emerger. Nada completamente borrado, todo integrado en el resultado final.

Esa convivencia entre resistencia y sensibilidad también la reconoce en experiencias fuera del set. En condiciones extremas —hambre, cansancio, presión— el carácter se vuelve más nítido. Sobrevivir exige afirmarse; crear exige escucharse. Para ella no son fuerzas opuestas. La misma determinación que permite sostenerse en la incomodidad es la que luego permite mirar una emoción sin apartarse.

Por eso habla del amor propio como dos gestos distintos: insistir y mostrarse. En uno hay firmeza, en el otro honestidad. La fortaleza protege el espacio donde la delicadeza puede aparecer.

En sus performances busca algo similar. No seducir ni impresionar, sino atravesar un proceso frente a otros. Le interesa ese momento en que el espectador deja de consumir la imagen y empieza a sentirse implicado. No siempre es cómodo. Tampoco pretende que lo sea. La belleza, dice, no es decoración: es transformación.

Sobre la libertad habla sin grandilocuencia. La describe como una práctica cotidiana que a veces implica quedarse sola, sostener decisiones que no encajan en expectativas ajenas. No lo plantea como gesto rebelde, sino como coherencia. Permanecer en lugares donde no necesita reducirse.

Esa idea aparece también en sus personajes. Evita suavizarlos. Prefiere entender desde dónde aman o se defienden. Cuando la motivación se vuelve clara, el cliché desaparece. No se trata de justificar, sino de comprender. La compasión, en su caso, no es indulgencia sino precisión.

A veces las historias continúan después del proyecto. No como recuerdo concreto, sino como un eco en la manera de reaccionar o de mirar. Para volver a sí misma recurre a acciones simples: ordenar espacios, caminar, bajar el ruido. Recuperar un ritmo propio antes de empezar el siguiente.

Si tuviera que traducir su relación actual con el amor, no hablaría de un color único. Piensa en superficies tornasol: tonos que cambian según la luz, capas trabajadas que permanecen visibles. Nada intacto, todo aprendido. Para ella no hay contradicción en eso; la experiencia no arruina la emoción, la vuelve más consciente.

Tampoco romantiza la herida. La considera material. Algo que, al mirarse de frente, deja de ser ausencia para convertirse en forma. Crear no elimina la fractura, pero le da dirección. Transformar energía suspendida en gesto, voz o pigmento.

Cuando habla del cuerpo, evita decidir si es herramienta o resultado. Prefiere pensarlo como territorio. Lugar donde se registran la memoria, la disciplina y los límites. Cada proyecto lo modifica ligeramente, como si la biografía también fuera física.

Atención compartida

Al pensar en su trayectoria no menciona metas ni conquistas. Habla de apertura: espacios que aparecen cuando el trabajo mantiene una cierta honestidad. Y de miedo, también. No como obstáculo sino como señal de compromiso. Aquello que importa siempre incomoda un poco.

Cuando habla de Marcelo lo hace desde el ritmo más que desde la cercanía. Dice que su presencia ordena el espacio incluso antes de decir una línea. Mientras ella tiende a construir desde la intuición, en él reconoce una precisión tranquila. Trabajar juntos, explica, funciona porque las energías no compiten: una abre y la otra sostiene. En ese equilibrio la escena encuentra estabilidad sin volverse rígida.

Por eso vuelve al principio. A caminar, observar, escuchar. Antes de cualquier escena, antes de cualquier cuadro. La preparación no empieza frente al público, sino en la forma de habitar el mundo. Y actuar —o pintar— termina siendo lo mismo: prestar atención hasta que algo verdadero aparece.

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Talento: Julia Maqueo
Fotografía: Bruno Gómez De la Cueva
RP: Pepe Ayala

¿Qué te motivó a aceptar el papel de Sam en No me sigas, siendo esta tu primera incursión formal en el cine de terror?

Creo que lo que más me motivó a darle vida a Sam viene justamente de que el terror es un género con el que no había estado familiarizada, y me encantó la oportunidad de conocerlo.Yo jamás creí hacer un proyecto de miedo. Una vez que me quedé, tenía muchas preguntas. Pero ya estando en el set, todo fue muy inmersivo, 

Has mencionado que eres muy miedosa pero al mismo tiempo curiosa por el terror. ¿Cómo lidiaste con ese contraste durante el rodaje?

Pues aunque no soy escéptica, llegaba escéptica al set… pero al mismo tiempo me encantaba curiosearlo. Fue muy divertido.

Para preparar a Sam creaste una playlist especial. ¿Qué tipo de música incluía y cómo te ayudó en el proceso?

Fue una playlist bastante versátil, con varios géneros. Metía las canciones que, al escucharlas, me generaban algo siendo Sam. Me ayudó muchísimo, porque la ponía justo en el momento en el que me convertía en ella.

Parte del rodaje ocurrió en locaciones con una energía muy intensa. ¿Cómo influyó ese ambiente en tu interpretación?

Tuvimos un mes y medio de ensayos, llegamos al set con las cosas más claras, de qué decir y qué hacer. Obviamente es un poco más complejo, porque tienes que estar muy atenta a los movimientos. Pero el ensayo realmente nos hizo todo muy sencillo. Creo que todo influyó de una manera muy positiva. Los sets se convirtieron en un personaje, y siempre digo que, más que sentirme en un set, me sentía en una realidad alterna.

Durante la filmación hubo rituales de protección por la carga simbólica de los espacios. ¿Qué opinas del componente espiritual alrededor del proyecto?

Siento que toda la parte energética estuvo muy bien cuidada. Nos protegieron bastante bien, tanto antes como después de la filmación. Aunque en las locaciones, por la carga que ya tenían esos lugares, sí se sentía una energía diferente.

¿Qué reflexión te genera que No me sigas combine redes sociales, fama digital y elementos sobrenaturales?

Más que una reflexión, siento que juntamos tres temas que se integran bastante bien y que hablan de cuestiones importantes, especialmente para esta generación.

Has hablado de la “creación de un alter ego” para Sam. ¿En qué se parece a ti y en qué es completamente diferente?

Sam es muy parecida y al mismo tiempo completamente diferente a mí. Al final, vivimos en una generación que depende por completo de las redes sociales.

Antes de No me sigas participaste en programas como Como dice el dicho y La Rosa de Guadalupe. ¿Qué aprendizajes te dejaron esos proyectos?

Creo que esos y todos los proyectos en los que he participado siempre me han enseñado muchísimo, en muchas ramas de la actuación. Siempre les estaré muy agradecida.

Tras el estreno en el FICM comentaste que no habías asimilado lo vivido hasta llegar a casa. ¿Cómo fue ese momento emocionalmente?

Fue muy divertido y muy nostálgico. Me cayó el veinte estando con mis papás y simplemente me solté a llorar. Me sentí muy agradecida. llegué a mi casa y toqué tierra. Me dije: qué acaba de pasar, todo ha sido muy rápido, todo el proceso fue muy rápido. Fueron muchas emociones, todo me pegó de golpe.

¿Qué tipo de personajes y géneros te gustaría explorar después de haber pasado por el terror?

Me encantaría explorar un poco de todo, pero si tuviera que escoger uno, definitivamente sería acción.

¿Cómo equilibras tu presencia pública en redes sociales con tu vida personal y tu necesidad de privacidad?

Siento que todo es un balance. Intento mostrarme lo más real posible, al final del día todos somos seres humanos, pero claro, siempre siendo muy cuidadosa con lo que comparto.

Si pudieras volver a tus primeros castings, ¿qué consejo le darías a esa versión más joven de ti?

Que esté tranquila. Hay un montón de factores que influyen en quedarte en un proyecto. “Lo estás haciendo bien: sigue por este camino”.

¿Cuál es tu visión a largo plazo como actriz? ¿Hay algo más de la actuación que te gustaría explorar?

Siento que como actores nunca terminamos de explorar y de conocer nuevas ramas en esta profesión tan hermosa. Es un continuo aprendizaje. Me gustaría explorar todo y seguir aprendiendo.

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Fotografía: Rafa Salsas
Asistente de foto: Gael Peloso
Styling: Santiago Araico
Muah: Geraldine Hercos
RP: Irma García
Locación: Ex Fábrica de Harina
Entrevista: Aarón Zavaleta

El Amor Nació en Avándaro

En el festival de Avándaro apareció una silueta frágil y decidida que atravesaba la multitud entre lonas, cables y ecos: Chela Lora, una joven cuyo destino se entrelazaría para siempre con el rock mexicano. Aquel día de 1971, esa joven fue testigo del inicio de una leyenda. Décadas después, su voz suave pero firme aún conserva el brillo de aquella historia compartida.

Viajamos unos meses atrás. “Me invitaron a una fiesta, y vi a un chico de melena larga, era Alex. Desde el momento en que lo vi, me enamoré”. Un rato después, subió al escenario de esa tocada y dijo: “Buenas noches, nosotros somos Three Souls in My Mind”. En ese momento, Chela hizo match con el recuerdo de haber visto varios posters de la banda pagados en postes y paredes de la ciudad; una banda en ascenso que ya empezaba a ocupar un espacio pequeño en la escena.

La Travesía de 1971

Chela guardaría esa imagen por varios meses en sus pensamientos, la de un Alex joven, rockero, ávido de dominar los escenarios y expresar su juventud a través del rock. Pero no fue hasta el mítico y recordado festival de Avándaro, en el año 71, cuando Chela tuvo la oportunidad de volver a encontrarse con el que era su nueva estrella.

Cuando se acercaba el día del festival, ella y su hermana —con un bebé de apenas dos meses— emprendieron una travesía improvisada hacia Avándaro. “Decidimos ir. Cargamos con pañalera, esterilizador de mamilas y nos fuimos…”, cuenta. Para mala fortuna, llegaron cuando ya no había hospedaje y terminaron durmiendo en una banca. Pero la emoción y juventud pudo más que el cansancio y el riesgo. Además, Chela tenía algo entre manos: animarse a saludar a Alex en persona en algún momento oportuno.

El Saludo Cerca del Escenario

Cuando estaban armando el montaje, Chela le dijo a su hermana que iba a ir a buscar a Alex. La gente a las orillas estaba acampando, el entorno cargaba las pilas para un hecho musical histórico que hasta la fecha sigue siendo un referente de lo que fueron esos primeros años festivaleros en nuestro país. Así, Chela fue abriéndose camino hasta encontrar a Alex, quien estaba charlando con sus amigos cerca del escenario. Ella narra que él estaba recargado en el tubo de una carpa y vio ese momento perfecto para acercase y saludarlo. Alex, amablemente e interesado, comenzó a platicar con ella, dándose cuenta que aquella chica era toda una fan de su proyecto musical. Además, la invitó a subir un rato al escenario, mientras hacían pruebas de sonido.

Para ese momento, la euforia del público crecía y Chela decidió volver con su hermana, sin embargo, había cumplido su cometido, el de conocer en persona y platicar con Alex Lora. Así fue como transcurrió aquel evento, callejero, rebelde, contestatario, un símbolo de libertad y juventud que incluso haría vibrar al gobierno, pues fue un motivo masivo para que el rock quedara prácticamente prohibido de manera pública durante algunos años. Y también, fue el inicio de una gran historia de amor.

De Novia a Productora

Tiempo después, hubo llamadas, encuentros, complicidades nacientes, hasta que “Comenzamos a salir y nos hicimos novios, nos conocimos en 1971 y nos casamos en 1980”, relata. En ese trayecto, Chela se fue convirtiendo, sin proponérselo, en el apoyo más cercano de Alex. “Empecé a ayudarle a vender boletos, a organizar, a coordinar algunas cosas, y sin darme cuenta me convertí en su manager. También empezamos a rentar equipo, a enlonar, rentar baños, y a organizar conciertos… dignificamos el Rock & Roll”, nos platica con orgullo, sobre un contexto donde los festivales no tenían lo que hoy en día ofrecen al público, pues en aquel momento los organizadores no consideraban la seguridad de los asistentes, solo rentaban un terreno, montaban un escenario y era todo lo que había.

Chela nunca fue la voz principal ni la guitarrista, pero sí el alma de producción. Tomaba decisiones frente a escenarios precarios, promotores desorganizados y conciertos que se sostenían a pulso. “Empezamos a hacer conciertos como La mujer rockanrolera o La guitarra de platino y a la fecha lo seguimos haciendo”, recapitula.

La Consolidación de El TRI

El paso de Three Souls in My Mind a El TRI fue, para ella, una evolución natural. “El compositor, el líder y todo ha sido Alex siempre. Con ese cambio la música fluyó más, el disco El Tri pegó sin que lo esperáramos”, cuenta. Aquel lanzamiento fue un parteaguas: cuando llenaron la Plaza de Toros Acho en Perú, se dieron cuenta que el trabajo se había consumado a un nivel masivo. Con ello comenzaron giras internacionales y su nombre cruzó fronteras. “En el mismo 1986 fuimos a Estados Unidos y de ahí empezamos a salir a otros lugares”, recuerda con una sonrisa. La trimanía era todo un fenómeno, las rolas en el radio sonaban y en los espacios públicos los fanáticos se aglutinaron pidiendo un autógrafo, un abrazo y para conocer a la banda del momento.

Detrás del escenario, ella hacía fuerte a la estructura. “Me correspondió ser el complemento de Alex. respaldarlo en sus grabaciones, videos, coordinación de eventos. Mucha gente hizo carrera en Producciones Lora”. Lo que empezó como un gesto afectivo se volvió una empresa sólida, una infraestructura para el rock mexicano.

El Rock es Resistencia

Cuando hablamos con ella sobre la evolución que el rock ha tenido a lo largo de las décadas, nos explica: “El rock and roll ha ido cambiando, ha tenido muchas fusiones. Pero Alex, como pionero, nunca perdió su línea. Nosotros hemos visto pasar todos los formatos, de vinilos, el CD y hasta lo que es ahora. Además veo que se ha creado un camino para que las nuevas generaciones puedan hacer su música. El rock and roll es auténtico, el TRI se convirtió en la bandera de la gente joven. Desde sus inicios, Alex en sus canciones y sus letras le dio a los jóvenes una identidad, una manera de desahogo y una forma de rebeldía y libertad. Siempre por el buen camino, la gente le dice a Alex: ‘gracias a ti hice mi carrera’, ‘gracias a ti no me suicidé’, ‘gracias a ti conocí a mi novia’. Sus canciones han sido una guía, y ha creado conciencia, y eso es el rock and roll”. Para Chela, el rock ha sido actitud, autenticidad y resistencia.

Al referirse al presente, su tono se vuelve más personal: “Le doy gracias a Dios que nos hayamos encontrado. Nos identificamos plenamente. Somos almas gemelas”. Después de décadas de complicidades, no oculta la emoción. “Nadie imagina el tipo de esposo que es Alejandro, es respetuoso, cariñoso, todo el tiempo me dice que me veo bien”. Y es así, durante la sesión de fotos para esta portada de WM, se nota esa armonía y química de un matrimonio que además son un gran equipo. Durante 45 años de matrimonio, Chela y Alex Lora caminaron tomados de la mano, construyendo día a día una alianza creativa y personal que trascendió los límites del escenario.

Arquitecta Discreta

Imagínenla allí, en primer plano, con mirada firme: Chela Lora, arquitecta discreta del TRI, la compañera tenaz que ha sido testigo y personaje para el rock mexicano. En esta conversación, logramos capturar su palabra, rescatar la emoción entre líneas y hacer visible el corazón que latió detrás de una de las bandas más icónicas del país.

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Fotografía: Rafa Salsas
Asistente de foto: Benjamín Vázquez
Estilismo: Santiago Araico
Muah: Bere de la Rosa & Jorge Beltrán
RP: Roberto Meza para Jerry ML
Coordinación: Juan Pablo Garcia
Entrevista: Aarón Zavaleta

De Miss a conductora

Marie Claire Harp sabe lo que significa abrirse camino en un medio tan competitivo como el de la televisión. Su historia comenzó en Venezuela, en el escenario del Miss Venezuela, donde descubrió que aquel certamen no era solo un concurso, sino un trampolín para su futuro. “Cuando tuve la oportunidad de participar en ese concurso, allí fue donde se me empezaron a abrir puertas en la televisión. Me dieron la oportunidad de empezar en varios foros y de cubrir a conductoras que se habían ido o estaban ausentes. Yo siempre estaba como en el turno al bat, preparándome”, recuerda.

Aunque se formó como abogada, su verdadera pasión la fue construyendo de manera autodidacta en los medios de comunicación. Inició en 2013 en el Canal Y, pero dos años después dio un salto trascendental al integrarse a Venevisión, el canal más importante de su país, donde condujo Portadas, el programa número uno de espectáculos en Venezuela. “Ahí me hice un nombre, me di a conocer de una manera muy bonita. También tuve la oportunidad de ser parte de las Chicas Polar, que en Venezuela es como el compendio de mujeres más exitosas del país”, comparte con orgullo.

La llegada de la pandemia fue un punto de inflexión. La soledad y la lejanía de su familia la impulsaron a mudarse a México. “Cuando llegó el COVID yo tenía en mente venirme porque aquí estaba mi familia. Me empezó a pegar esa lejanía, y ahí fue donde decidí dar el paso”. Su primer acercamiento fue en Bandamax, donde descubrió la riqueza de la música regional mexicana. Esa experiencia, dice, la ayudó a integrarse y conectar más con la cultura mexicana.

El gran escaparate llegó con Las Estrellas bailan en Hoy y posteriormente con La Casa de los Famosos, reality en el que encontró una plataforma para mostrar su carisma y resiliencia. “Yo dije: lo tengo que hacer porque es la excusa perfecta para darme a conocer en México. A pesar de que no duré mucho dentro del reality, aprendí que las personas tienen algo muy valioso dentro de sus cuatro paredes que no es bueno mostrar tan explícito. Eso lo valoro mucho”.

El reto se transformó en oportunidad cuando asumió el rol de Host Digital del programa, papel que mantuvo durante tres temporadas consecutivas. “Es una cosa increíble porque debe ser la primera vez que alguien logra permanecer las tres temporadas. En el mundo de las redes sociales es complicado y, sin embargo, he tenido una aceptación muy bonita. Estoy asumiendo el rol con entereza, responsabilidad y calma, sin tomarme las cosas a pecho”.

Brillar más allá de la pantalla

Con más de 2.6 millones de seguidores en Instagram, además de comunidades sólidas en TikTok y YouTube, Harp ha sabido construir un vínculo cercano con su público. “Soy de las pocas personas que recibe poco hate porque no tengo miedo de bloquear comentarios negativos. Me gusta limpiar ese espacio que es mío y de las personas que deciden seguirme”. Esa autenticidad, asegura, es lo que la conecta con quienes la siguen día a día.

Su historia personal también ha estado marcada por resiliencia. Durante su adolescencia fue víctima de bullying, principalmente por su estatura y complexión. “Se burlaban de que era muy flaca, pero gracias a eso entré a Miss Venezuela y moldeé mi cuerpo como quise. Lo que parecían defectos se convirtieron en fortalezas. Crecí con una madre psicóloga que me enseñó a quererme y valorarme”. Hoy, esas heridas del pasado son las que fortalecen su discurso de aceptación y seguridad.

Más allá del trabajo, Marie Claire cuida su salud física y emocional a través del ejercicio, al que considera su vía de escape. “El gimnasio es importantísimo para mí. Tanto así que armé uno completo en mi casa, porque me bajoneaba si no podía entrenar. Ahora lo hago para cuidar mi salud física y emocional”. También confiesa que no se castiga ni se juzga de más: prefiere ser objetiva y amable consigo misma.

Definirse no le resulta fácil, pero lo hace con contundencia: “Soy una mujer imparable, abierta al crecimiento profesional. Estoy en una evolución constante, abrazando y trabajando en lo que venga”. Entre sus sueños, destaca conducir programas de concursos que puedan cambiar vidas, así como explorar más su lado filantrópico. “Me gustaría que me recordaran como una mujer cercana, auténtica, que llevó su personalidad a la televisión y que siempre transmitió alegría”.

La venezolana que encontró en México un nuevo hogar no solo busca brillar frente a las cámaras, sino dejar huella en la vida de las personas. “Quiero marcar la diferencia con cercanía, con autenticidad y con proyectos que impacten positivamente en la gente”, asegura. Su camino es una muestra de que la disciplina, la resiliencia y la pasión son capaces de transformar obstáculos en oportunidades.

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Nacida para Crear

Desde niña, Melissa Navarro parecía tener una cámara en las manos. “Mi mamá tenía como las grabadoras antiguas y yo siempre la tomaba para grabar a los perritos”, recuerda con ternura. Lo que en un principio era un juego casero se transformó, con el tiempo, en una vocación: contar historias, conectar con audiencias y construir una comunidad sólida desde la autenticidad.

Su primera incursión en redes fue a través de YouTube, con bromas familiares y vlogs, aunque reconoce que al inicio fue difícil. “No sabía a quién le hablaba, me daba mucha vergüenza tomar la cámara… mi público eran mis tías”, cuenta entre risas. Pero poco a poco, la constancia le dio seguridad: “La confianza en mí me dio muchísimo”.

Eventualmente, dio el salto a TikTok, entendiendo que las plataformas evolucionan y con ellas, los creadores deben hacerlo también. “Vi que TikTok era una plataforma que estaban impulsando mucho porque te daba mucha exposición. Al principio fue difícil, pero creo que supe hacerla”, dice con seguridad. Hoy, su presencia en esa red es sólida y cercana.

Tijuana, su ciudad natal, es el origen de todo. “Tijuana es mi centro, ahí nací, crecí, estudié. De ahí soy yo”, afirma. Sin embargo, la distancia con los grandes centros de producción comenzó a ser una barrera, especialmente para acceder a oportunidades laborales. “Me desmotivaba mucho estar lejos. A veces me invitaban a eventos y luego se arrepentían porque sabían que estaba en Tijuana”, comparte. Con decisión, empacó sus sueños y se mudó sola a la Ciudad de México, enfrentando uno de los retos más grandes de su vida.

“Me daba miedo decirle a mi papá que quería irme. En CDMX no tenía familia, no tenía amigos, no tenía a nadie. Fue un cambio del 100%”, confiesa. Aprender a vivir sola, hacerse cargo del hogar, cocinar, lavar… cada tarea se convirtió en un paso de crecimiento personal. “No me arrepiento. Fue difícil, pero clave”

Más que Fans, Familia

Aunque planeaba quedarse solo seis meses, la ciudad la conquistó. “Empecé a hacer amigos, a avanzar. Me gustó. Rentamos por un año y aquí sigo”. Ese “nosotros” incluye a su mejor amigo, quien se convirtió en su red de apoyo emocional y compañía.

En 2024, su esfuerzo fue reconocido con los SocialTeen Awards, donde fue la más votada en su categoría. “A veces no me la creo. Siempre digo que tengo el mejor fandom del mundo. Son leales, me siguen desde hace años, conocen todo de mí, hasta lo que tengo en el refri”, dice riendo. Su relación con ellos es excepcionalmente cercana. “Ellos saben dónde está cada vaso de mi casa, cada documento importante. Es una conexión muy bonita”.

Esa cercanía ha sido uno de los pilares de su éxito. “Cuando empecé en TikTok, hacía transmisiones de hasta ocho horas diarias. Hoy ya no puedo tanto, pero sigo ahí. La constancia y la transparencia son clave”, afirma. Para su audiencia, no es solo una influencer: es una amiga, una hermana, una presencia constante.

La Siguiente Escena

Estudió Ciencias de la Comunicación con la idea de ser conductora, pero descubrió otras pasiones. “La edición no me gustaba, pero terminé amándola. También aprendí fotografía, expresión oral, producción… todo lo que estudié me sirve hoy”. Su formación le ha permitido destacarse como host en eventos como el de Revlon, y asegura que sin esa base no habría sabido “plantarse” frente a una audiencia.

Aunque disfruta estar frente a la cámara, confiesa que la actuación la llama profundamente. “Nunca estudié actuación, pero mando castings. Me gusta mucho. Me veo como actriz en el futuro, es una de mis metas”, revela. En 10 años, se imagina con una familia grande —“quiero tener cuatro hijos”—, viviendo en otras ciudades, actuando, creando contenido y siendo feliz. “No me gusta planear todo, pero sí visualizar lo que quiero. La vida siempre sorprende”.

Uno de sus sueños actuales es la música. “Quiero lanzar mi primera canción y ver qué tal. No digo que voy a ser cantante, pero tengo esa espinita. Tal vez es algo que necesito sacar para saber si es lo mío o no”.

Cuando se siente desmotivada, echa un vistazo al pasado para recordarse lo lejos que ha llegado. “A veces volteo para atrás y me doy cuenta de todo lo que he crecido. Mudarte sola, empezar de cero… ha sido un sacrificio, pero valió la pena”.

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Fotografía: Juan Luis Lemus
Fotografía: Juan Luis Lemus
Asistente de foto: Juan López Azpiri
Estilismo: Santiago Araico
Muah: Geraldine Hercos
Entrevista: Aarón Zavaleta

De Barcelona a México: una historia de raíces y reinvención

Mariazel nació en Barcelona, España, pero su historia personal y profesional se entrelaza profundamente con México, país al que llegó cuando tenía apenas cinco años. Su vida y carrera son un testimonio de perseverancia, autenticidad y pasión por el arte y la comunicación. Con una trayectoria que abarca desde la actuación y la conducción, hasta el periodismo deportivo y los negocios, Mariazel ha sabido reinventarse sin perder de vista su esencia.

Desde pequeña, Mariazel mostró una fuerte inclinación por las artes escénicas. Su primer acercamiento al teatro ocurrió a los siete años, cuando participó en una versión de Caperucita Roja junto a Manuel “El Loco” Valdés. Ese momento no solo marcaría el inicio de su camino en el espectáculo, sino también un vínculo emocional con su madre, con quien compartía el gusto por el teatro.

“Empecé a hacer teatro muy chiquita, y hasta el día de hoy no he dejado de hacerlo. Me parece el formato más puro y real del arte escénico”, comparte. A lo largo de su carrera, ha participado en más de 50 obras teatrales, como Los monólogos de la vagina, 222 y La obra que sale mal, entre muchas otras.

Su formación profesional fue sólida y enfocada en la actuación. Estudió en el Centro de Educación Artística (CEA) de Televisa, luego en el Centro de Formación Actoral (CEFAT) de TV Azteca, y más tarde se especializó en interpretación cinematográfica en Barcelona. Sin embargo, la vida la llevó por caminos inesperados: “Aunque mi base es la actuación, la vida me fue llevando hacia la conducción, y le debo muchísimo a esa parte de mi carrera. Me permitió estar en muchos lugares, conocer a personas maravillosas y desarrollar otro lado de mí”.

El antes y después de Me Caigo de Risa

La conducción le abrió paso a proyectos como Más Deporte, Estadio Total, Cuéntamelo Ya, Hoy, Faisy Nights y por supuesto, Me Caigo de Risa, programa que considera un parteaguas en su carrera. “Me Caigo de Risa fue un antes y un después. Es un programa que no solo conectó con el público, sino que también me regaló amistades entrañables, como la que tengo con Faisy”, confiesa.

Al respecto de Faisy, con quien comparte portada esta edición, ella confiesa que es alguien a quien considera parte de su familia. “Todos lo queremos mucho, no solo a él, a su hija y a su mujer también. Es un ser humano muy sensible, muy generoso. Me gusta mucho compartir con él, porque es alguien que suma muchísimo a mi vida y que me hace ser mejor en muchos sentidos, que me reta todo el tiempo, entonces soy muy afortunada de poder hacer tantos proyectos con mi querido Faisy”.

Una voz femenina en el periodismo deportivo

Por otra parte, la pasión del futbol también ha sido una constante en la vida de Mariazel. En su hogar, el deporte era parte de la cotidianidad, y eso la llevó a encontrar una oportunidad única: formar parte de la cobertura deportiva de grandes eventos internacionales como Juegos Olímpicos y Copas del Mundo. Con más de una década colaborando en TUDN, Mariazel se ha posicionado como una de las voces femeninas más queridas en el mundo del periodismo deportivo. “Me encanta el deporte, crecí viéndolo en casa. Siempre tuvimos ese vínculo como familia. Para mí, poder trabajar en algo que amo es un privilegio”, expresa con orgullo.

Más allá del entretenimiento, Mariazel ha cultivado una faceta poco conocida por el público: la del emprendimiento. Junto a su esposo, el actor Adrián Rubio, ha incursionado en diversos negocios que van desde una marca de ropa con licencias deportivas, hasta una concesionaria de motos y una casa productora. “Siempre tratamos de aprovechar los buenos momentos laborales para invertir y emprender. Nos gusta crear, construir algo juntos”, dice.

Actualmente, también están desarrollando un podcast en pareja que se lanzará en redes sociales, donde compartirán reflexiones y anécdotas sobre la familia, la vida en pareja y sus experiencias profesionales. “Nos encanta trabajar juntos, aunque no siempre ha sido así. Hoy lo disfrutamos mucho”, cuenta entre risas.

Si hay un aspecto de su vida que Mariazel cuida con celo, es su vida familiar. Con casi 20 años de relación con Adrián Rubio, y dos hijos —una adolescente y un bebé de un año—, la actriz y conductora encuentra su mayor realización en el hogar.

“Lo que me hace más feliz es mi familia. Estoy viviendo una etapa muy linda, muy intensa y muy retadora. Ser mamá de dos en etapas tan distintas me tiene con el corazón lleno y también con mucho aprendizaje”, comparte con honestidad. Para ella, su papel como madre es el más desafiante, pero también el más enriquecedor: “Siento que aprendo algo nuevo todos los días con mis hijos. Me hacen mejor persona”.

Mariazel no se detiene. Está en plena grabación de la serie Chócalas Compayito junto a Omar Fierro y el famoso personaje de TUDN, y ya se contempla la onceava temporada de Me Caigo de Risa. Además, está involucrada en nuevos proyectos digitales que le permiten conectar con nuevas audiencias.

“Me emociona mucho lo que viene. Tengo la fortuna de poder elegir los proyectos en los que estoy y de rodearme de gente con la que conecto. No me interesa hacer cosas solo por hacerlas, me gusta estar donde realmente sumo y aprendo”, afirma con convicción. A sus más de 20 años de carrera, Mariazel se define por su autenticidad y por una constante búsqueda de equilibrio entre lo profesional y lo personal. Ha sabido adaptarse a los cambios de la industria, reinventarse y mantenerse vigente sin perder su esencia.

En un medio donde la imagen puede pesar más que el talento, ella ha logrado construir una carrera sólida, basada en el trabajo constante, la versatilidad y el corazón que le pone a cada paso. “Creo que la clave es estar en paz contigo misma, saber quién eres y qué te mueve. El resto se acomoda solo”, concluye.

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