Fotografía: Juan Luis Lemus
Stylist: Manuel Delgado
Maquillaje: Pedro Aguirre
Cabello: Fernanda Ortiz
Entrevistal: Aarón Zavaleta
Producción: Juan Pablo Garcia

En entrevistas has dicho que eres una contradicción y que puedes ser muchas cosas al mismo tiempo. ¿Qué parte de Ana Celeste crees que todavía estás descubriendo?

Todas. Yo creo que nunca dejamos de descubrirnos. El ser humano me parece tan complejo de entender en tantos sentidos que no creo que terminemos de conocernos por completo nunca. 

Después de interpretar a Alejandra, ¿qué cambió en la manera en que entiendes el dolor de una persona que vive una presión social tan fuerte?

Creo que todos los seres humanos pasamos por conflictos personales y presiones que tal vez los de afuera no podrían entender, pero hay de situaciones a situaciones. En general, procuro ser lo más consciente posible con las realidades que todos vivimos. Entiendo que a cada quien le ocurren experiencias para su propia evolución. Aun así, no justifico ningún acto, simplemente somos resultado de nuestros entornos y tenemos consecuencias.

Para construir a Alejandra te aislaste durante meses y modificaste incluso tu cuerpo. ¿Qué fue lo más difícil de dejar atrás durante ese proceso?

En el proceso me deprimí mucho, cambié todo de mí, incluso mi forma de verme a mí misma. Más allá de un cambio físico, estaba pasando por un cambio interno muy grande. Para mí era muy importante retratar ese dolor por el que pasaba ella y lo que creía sobre ella misma. Actuamos a partir de lo que creemos, entonces modifiqué mis creencias y mi mente. Lo que más me costó, además de bajar de peso, fue eso: regresar a estar emocionalmente al 100 y quitarme todos los pensamientos, creencias y maneras en las que se sintió en algún momento de su vida.

Has dicho también que te viste reflejada en Alejandra de muchas maneras. ¿Qué descubriste de ti misma que no esperabas encontrar en ella?

Los dolores que compartimos muchas mujeres, las inseguridades, las creencias sobre nosotras mismas y sobre lo que pensamos que piensan los de afuera sobre nosotras y lo que hacemos para agradar a partir de eso. De pronto también me encontré con una Ale divertida y eso también lo exploré. Me encontré de muchas maneras y quise llevarla hacia muchos lugares además del dolor.

La película toca la maternidad desde un lugar incómodo. ¿Qué conversación sobre ser mujer crees que todavía nos cuesta tener sin prejuicios?

Justo esa. Para muchos sigue siendo tabú que una mujer decida no ser madre, y creo también que depende del contexto el acceso a las decisiones que tomamos y a la información. Entonces hay todavía muchos lugares por trabajar con estos temas, pero que todas seamos libres de decidir.

¿Alguna vez has sentido que tu propia vida está siendo medida con ese famoso “checklist” que mencionabas: pareja, matrimonio, hijos, estabilidad?

La verdad tuve la fortuna de crecer distinto. Sí, con todas estas creencias inculcadas por los mayores y con ambientes machistas muy cercanos a mi vida, pero emigré muy chica de mi casa a vivir a la ciudad con mi mamá y mis hermanos. Afortunadamente ya tenían una manera de pensar distinta. De niña tuve mucha responsabilidad, pero también fui construyendo mucha libertad para decidir y aprender a poner límites, y nunca me sentí presionada con estos temas y sigo sin hacerlo. Con dificultades y todo, tuve la oportunidad de soñar y querer otras cosas para mi vida.

En tu carrera has pasado por cine, televisión y música. ¿Qué encuentras en la música que la actuación no puede darte y viceversa?

Cuando estoy actuando puedo vivir muchas realidades, muchas vidas, muchas historias. Puedo ser tantas personas y compartir situaciones con muchos seres y entender, mezclarme, indagar, investigar, y todo lo que hago para crear, para transformarme, incluso destruirme y volverme a construir como una decisión personal de exploración.

Cuando hago música, soy yo en toda la extensión de la palabra, cuento lo que me pasa a mí e igualmente me puedo ver reflejada en muchos. Es mi espacio especial. Cuando tengo jornadas muy cansadas de actriz, mi manera de descansar es escribir canciones. Es algo que disfruto como nada en el mundo. Escucho un beat o una guitarra y me desconecto.

¿Existe una Ana Celeste que aparece cuando estás frente a una cámara y otra que aparece cuando estás sobre un escenario?

¡Sí! Cuando estoy frente a una cámara soy el personaje; cuando estoy en un escenario soy yo en la versión más elevada, segura y a la vez vulnerable de mi ser.

¿Qué tan difícil es mantener esa idea de libertad cuando trabajas dentro de una industria que también tiene expectativas sobre cómo debe comportarse una actriz?

Hace mucho me dejé de preocupar por eso. Creo que nos gusta meter a la gente en cajitas y pensar que deben ser de una sola forma. Yo creo que no y no soy eso. Soy tantas cosas que no podría meterme en una caja y definirme. Soy de la idea de que lo auténtico siempre gana.

Has dicho que eres un alma libre. ¿Qué significa para ti ser libre en esta etapa de tu vida?

Hacer lo que me nace hacer, lo que realmente quiero, ir por ello, ir contra corriente, no juzgarme ni juzgar a los demás, entender que todos tenemos algo que aprender, que no existe la culpa, solo la responsabilidad, que nunca está pasando nada, que nada es tan grave, todo se acaba, todo comienza, que somos más de lo que creemos que somos y que tenemos más propósito en este plano, que hay que divertirse, que no pasa nada si algo no sale o si me equivoco, y que hay que disfrutar la experiencia y vivir presente lo más que se pueda.

Después de una experiencia tan intensa como Un hijo propio, ¿qué tipo de personajes estás buscando ahora? ¿Hay algún territorio que todavía te dé curiosidad explorar?

Sí me gustaría interpretar personajes sobre esa línea de complejidad, contradictorios y difíciles de entender. Me intrigan demasiado todos los temas de salud mental. Me gustaría interpretar personajes cada vez más complejos, sin temerle a lo visceral, lo raro o lo extremo. Me gustaría hacer terror también, ¡pero del que sí da miedo! 

Me gustaría contar alguna historia de Gaspar Noé, de Lars von Trier. Bueno, esos están ya en mi lista de metas.

Y, por supuesto, seguir retratando la realidad que vivimos, lo que pasa en el mundo, lo que sentimos, los conflictos que tenemos, las necesidades, historias que tengan que ver con música, con el barrio, con todos los elementos en los que yo crecí como manera de mostrarle al mundo qué sucede en el mío.

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Mis memorias

La decisión ocurrió en una conversación con su madre. Romina Poza llevaba tiempo sabiendo que quería actuar, pero el deseo convivía con la duda de si realmente sería suficientemente buena. Fue entonces cuando su mamá le dijo: “no dejes que el miedo te limite a alcanzar tu sueño”. Aquellas palabras terminaron por empujarla a hacer algo que había postergado.

“Que ella tuviera todo ahora claro y pudiera expresármelo así fue que me atreví a intentarlo. Con todo y miedo, pero lo intenté y lo estoy logrando. Ahora no me veo de otra forma. Amo con todo lo que soy ser actriz”, cuenta.

El miedo no desapareció; simplemente dejó de ser una razón para detenerse. Su madre, dice, le dio esa “patadita de audacia” que a ella no le dieron y le dejó una idea que todavía conserva: “el miedo jamás debe ser una limitante; al contrario, si te da miedo, hazlo con más ganas”.

Crecer dentro de una familia de actores reconocidos pudo haber convertido la profesión en una comparación permanente. Para Romina ocurrió lo contrario. Los apellidos que la acompañan desde niña no representan una carga ni una competencia que deba superar. Los entiende como parte de una herencia que le permitió acercarse a una profesión que hoy siente completamente propia.

Mi familia nunca fue ni será un peso para mí y mucho menos competencia, al contrario, es un privilegio absoluto”, afirma.

Retos en mi vida

La distancia entre saber que quería ser actriz y convertirse realmente en una se hizo evidente con Isla Brava. La serie la llevó durante tres meses a Canarias, lejos de su entorno habitual, y la enfrentó por primera vez a una vida independiente y a las responsabilidades de un trabajo que hasta entonces había imaginado desde fuera.

“Fue una de las mejores experiencias que he tenido en mi vida. Todo fue mágico para mí. Ahí conocí a mis primeros amigos actores, viví sola por primera vez como adulta, sin límites y con completa responsabilidad de mis actos”, recuerda. También descubrió que su sueño podía regalarle experiencias que no había previsto: “jamás me hubiera imaginado que mi sueño, al que tengo la fortuna de llamar trabajo, me iba a regalar también conocer el mundo de esa forma”.

Después llegaron Vencer la culpa y Tu vida es mi vida, proyectos que le dieron disciplina y oficio. La televisión, explica, no permite detenerse demasiado: “no espera y entonces te toca aprender a resolver y hacerlo con absoluta verdad”. Sus personajes, a los que define como “niñas aspiracionales, que tienen puras cosas bonitas que dejar en los demás”, terminaron siendo parte importante de ese aprendizaje.

Hay otra transformación que le resulta especialmente reveladora. Cuando comienza una escena aparece una Romina que no siempre reconoce fuera del set. “En el momento que gritan acción se me olvida todo y hago lo que tengo que hacer con verdad absoluta y sin juzgarme”, dice. Es, según ella, “la que ya no le da pena nada”. La experiencia le parece “muy loca y muy mágica”.

Esa capacidad de no juzgarse también ha cambiado su relación con el error. Al comienzo de una carrera, equivocarse puede sentirse como algo que no está permitido. Romina ahora entiende que forma parte del oficio: “creo que es imposible lograr ser mejor sin antes equivocarte y conocer lo que no quieres o necesitas para llegar a lo que sí”.

Enfrentando los retos

Para ella, aprender a equivocarse es también una forma de preparación. “Hay espacios diseñados para equivocarse y aprender”, sostiene, y compara el entrenamiento de un actor con un estuche de herramientas que debe crecer con cada proyecto para que, cuando llegue una historia importante, pueda responder con mayor complejidad.

Esa misma búsqueda aparece cuando habla de los personajes que quiere interpretar. No tiene una fórmula precisa para elegirlos. Prefiere que exista una conexión inmediata con la historia, como cuando un libro consigue atraparla. “No hay cosas específicas, pero por ahí dicen que el personaje te elige, no tú al personaje, y me gusta verlo así”, explica.

En El otro padre, esa intuición la llevó hacia María, un personaje completamente opuesto a ella. El reto consistió en no intentar acercarla a su propia personalidad, sino aceptar quién era dentro de la historia. “Entendí que tenía que ceder a cómo estaba escrita. Era perfecta; solo me tocaba hacerla con verdad y sin juzgarla”. La experiencia, además, le permitió jugar en un terreno desconocido: “podía jugar a ser alguien que jamás había sido y me encanta”.

María comparte una relación importante con Bernardo, interpretado por Emilio Osorio. Para construirla, Romina no buscó inventar algo que no estuviera en el guion, sino profundizar lo que ya existía. “No fue tanto descubrir algo nuevo que no estaba escrito, sino sobre el mismo guion poder profundizar lo que ya estaba escrito y complejizar su relación”, explica. El proyecto también significó reencontrarse con Emilio después de varios años y descubrir en él “un gran actor y un gran compañero”.

La historia de El otro padre toca además una idea que Romina considera fundamental: la familia no se define únicamente por la sangre. “Solo la sangre no basta para sellar un lazo”, sostiene. Para ella, cuidar los vínculos es lo que termina construyendo una relación verdadera. Por eso existen “amigos que se vuelven familia y familia de sangre que se convierten en desconocidos”. Pero también reconoce el otro lado de esa posibilidad: “si logras tener a tu sangre con vínculos fuertes y sanos es de las cosas más bonitas que la vida puede dar”.

Fuera de la actuación existen otras inquietudes que todavía esperan su momento. Dibuja, pinta, ha pensado en cantar y confiesa entre risas que le gusta intervenir ropa. Son pequeñas pistas de una personalidad creativa que no parece tener prisa por definirse en una sola disciplina.

La actriz que alguna vez necesitó que alguien le dijera que no dejara que el miedo limitara su sueño ahora trabaja precisamente con aquello que antes podía detenerla. El miedo sigue ahí. También los errores y los personajes que todavía no conoce. La diferencia es que ahora tiene más herramientas para enfrentarlos.

Y cuando escucha “acción”, todo parece acomodarse.

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Contra el mundo

Samantha no pide que el público la quiera. Tampoco intenta justificarse. En Proyecto Final, el personaje entra en escena cargando silencios, inseguridades y una necesidad casi desesperada de ser vista. Para Isa Tena, interpretarla implicó recorrer un territorio incómodo: entender a alguien cuyas decisiones podían resultar difíciles de aceptar sin convertirla en una villana. “Lo más difícil fue encontrar el porqué. Ver toda la psicología detrás de Samantha, todas sus capas y sus matices. Al final entendí que su vulnerabilidad era la clave de sus acciones y de esa necesidad tan profunda de ser vista”.
Samantha no pide que el público la quiera. Tampoco intenta justificarse. En Proyecto Final, el personaje entra en escena cargando silencios, inseguridades y una necesidad casi desesperada de ser vista. Para Isa Tena, interpretarla implicó recorrer un territorio incómodo: entender a alguien cuyas decisiones podían resultar difíciles de aceptar sin convertirla en una villana. “Lo más difícil fue encontrar el porqué. Ver toda la psicología detrás de Samantha, todas sus capas y sus matices. Al final entendí que su vulnerabilidad era la clave de sus acciones y de esa necesidad tan profunda de ser vista”.

Ese proceso terminó modificando la forma en que observa una realidad que suele pasar inadvertida. La serie coloca el bullying lejos de la imagen más evidente de la violencia y lo acerca a comentarios cotidianos, dinámicas de grupo y bromas que terminan dejando cicatrices. Mientras avanzaba el rodaje, Isa descubrió que esas agresiones pueden esconderse donde menos se esperan. “Muchas veces pensamos que el bullying es solamente una agresión física, pero es mucho más que eso. Es algo que puede ser psicológico”. La historia la obligó a hacerse otra pregunta: “Me hizo pensar en los límites a los cuales uno puede llegar para sentirse superior y hasta dónde pueden llevar las acciones disfrazadas de bromas”.

Aunque el público la ha visto crecer frente a las cámaras, ella nunca divide su carrera entre una etapa infantil y otra adulta. La actuación siempre tuvo el mismo peso. Recuerda Mi corazón es tuyo como uno de los proyectos que terminaron de darle forma a esa manera de entender el trabajo. “Desde chiquita aprendí que actuar es mucho más que pararse frente a una cámara y decir un diálogo. Es crear un personaje desde cero, humanizarlo”. Esa idea sigue acompañándola cada vez que recibe un libreto. “Siempre le he tenido un respeto muy grande a este arte”.

Fragmentos de vida

En los años que siguieron llegaron nuevos foros, directores y compañeros de reparto. Isa evita hacer listas de favoritos porque entiende cada producción como parte de un mismo aprendizaje. “Cada persona con la que tengo la oportunidad de compartir en el set ha dejado una huellita en mi corazón y muchas enseñanzas que me llevo por siempre”. Habla de los equipos con gratitud, pero también con la conciencia de que ninguna carrera se construye en solitario.

La relación con el público ha seguido un camino distinto. Las redes sociales acercan, pero también exigen una exposición constante que no siempre está dispuesta a conceder. Comparte fragmentos de su rutina, conversa con quienes la siguen y disfruta esa cercanía, aunque existe una frontera que procura no cruzar. “Todavía estoy aprendiendo sobre el equilibrio porque, aunque agradezco muchísimo el cariño que me da la gente, hay una parte de mí que disfruta mucho su privacidad. No mostrar ciertas partes de mi vida me da paz, siempre voy a apuntar a eso”.

Mi lugar seguro

Quienes la conocen únicamente a través de una pantalla difícilmente alcanzan a ver todo lo que ocurre fuera del encuadre. Ella misma lo reconoce. “Creo que conocen a una Isa que ama actuar y que creció frente a las cámaras, pero hay una parte mucho más humana que sí comparto con mi comunidad… y otra que la gente no conoce porque no la voy a mostrar”. No lo dice con distancia ni con desconfianza. Lo plantea como un límite necesario para conservar un espacio propio en una profesión donde casi todo termina expuesto.

Los personajes que acepta tampoco responden a una estrategia de carrera. Antes de pensar en el tamaño del papel o en la repercusión del proyecto, busca otra cosa. “Desde que leo un guion, si un personaje me obliga a ver una realidad desde otro lugar, sé que es una historia que vale la pena contar”. Esa curiosidad explica por qué no cierra la puerta a ningún género. Hay uno, sin embargo, que aparece de inmediato cuando imagina el futuro: “Me encantaría hacer una comedia romántica. Es lo principal en mi lista. Pero cualquier personaje que esté destinado en mi camino, yo sería la más feliz de darle vida”.

Isa Tena atraviesa un momento en el que el público empieza a descubrir registros distintos a los que la acompañaron durante tantos años. Ella, en cambio, parece medir el tiempo de otra manera. No habla de metas ni de personajes soñados con la urgencia de quien necesita demostrar algo. Prefiere conservar intacta la emoción con la que entra a un foro desde que era niña. Si algún día vuelve a encontrarse con estas páginas, espera reconocerse en cuatro palabras que resume casi en voz baja: “Sensible, agradecida, curiosa… y que me siga emocionando como si fuera la primera vez que entro a un set”

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Fotógrafo: Alex Cordova
Stylist: Ray Aguilera
Beauty: Pedro Aguirre & Monse Reséndiz
RP: Yanko Bridiesca para EmiRec
Director de arte: Juan Pablo Garcia
Entrevista: Aarón Zavaleta

Esencia y despedidas

Hay una imagen que se repite en la vida de Karena Flores: la de un aeropuerto. Aparece cada vez que vuelve a Cancún para visitar a su familia y cada vez que debe regresar a la Ciudad de México para trabajar. Los años no han logrado volver más sencilla esa rutina. “Uno piensa que después de cierto tiempo ya va a ser fácil, pero no. Las despedidas en el aeropuerto nunca se hacen más fáciles por más que se repitan y se repitan. Siempre se te hace un nudo en la garganta”, dice.

Mudarse significó alejarse de su madre, su abuela y su tía, pero también aprender a vivir sola y descubrir quién era fuera de casa. Esa experiencia terminó reforzando una convicción que sigue guiándola: la familia ocupa el centro de todo.

La actuación, en cambio, llegó como una certeza temprana. Desde niña sabía lo que quería hacer, aunque durante mucho tiempo no entendía cómo ese deseo podía convertirse en una profesión. El proceso ocurrió poco a poco, entre talleres, castings y oportunidades que fueron acumulándose hasta formar una carrera. Aun hoy conserva cierta incredulidad. “Siempre me sigue cayendo el veinte. Es muy bonito porque me sigo emocionando de darme cuenta de que me dedico a esto y siempre me sigue pareciendo un sueño hecho realidad”.

Cuando habla de sí misma, aparece una palabra que repite varias veces: esencia. Creció en un entorno donde se le enseñó a confiar en sus capacidades y esa seguridad le ha servido para navegar una industria donde las comparaciones son inevitables. “Dentro de lo posible me he mantenido muy fiel a mí misma. No me permito compararme o dejar que algo me haga dejar de creer en mí”.

La presión de las redes sociales vuelve ese ejercicio más complejo. Ver a otros alcanzar proyectos deseados puede despertar admiración y frustración al mismo tiempo. Karena reconoce esa realidad, pero intenta no quedarse atrapada en ella. “Si ves que alguien está haciendo la película de tus sueños, claro que puedes pensar qué padre por esa persona y al mismo tiempo desear estar ahí. Pero trato de ser consciente de no caer en la comparación. No veo que le vaya bien a alguien más como que me vaya mal a mí”.

El valor de la empatía

Algo parecido descubrió al interpretar a Mora en Isla Brava. El personaje le recordó que detrás de cada decisión existe una historia que rara vez conocemos por completo. “Cuando entiendes que cada persona tiene un trasfondo tan profundo, aprendes a observar, escuchar y comprender antes de juzgar”.

La amabilidad ocupa un lugar central en esa forma de ver el mundo. Flores habla de ella como una responsabilidad cotidiana, especialmente en un medio donde tantas personas trabajan bajo presión constante. “A veces una mirada o un comentario pueden hacer que alguien dude de sí mismo o de su trabajo. Yo valoro muchísimo cuando la gente es amorosa conmigo y eso me inspira a querer ser así cada vez más”.

Esa filosofía también le ha servido para enfrentar los inevitables rechazos de la profesión. Castings que no prosperan, personajes que terminan en otras manos o proyectos que se caen por cuestiones ajenas a ella. “He aprendido a no comprometer mi integridad ni la manera en que me aprecio por los ‘no’ de esta carrera. Hay decepciones que duelen mucho, pero trato de que eso no defina quién soy”.

Cuando se le pregunta qué valora más que el éxito, la respuesta llega sin rodeos. “Lo más valioso es la gente. El éxito es éxito cuando es compartido”. Habla de su familia, de sus amigos y de las personas que la acompañan fuera de los reflectores. Entre ellas está Michael Ronda, su pareja desde hace más de cinco años y hoy su prometido.

Un lugar seguro

Ella recuerda el inicio de la relación con una mezcla de ternura y asombro. “Sí fue como de película. Siento que los dos nos vimos, pero no me refiero a que vimos a una persona entre mucha gente. Nos vimos como seres, como almas. Había algo ahí que los dos sentíamos y fue muy mágico”.

La relación ha sobrevivido a rodajes, viajes y largas temporadas de distancia. Entre proyectos filmados en distintos países, ambos aprendieron a comunicarse y confiar. “Nos conocemos muy bien y sabemos cómo estar presentes aunque no estemos físicamente juntos”.

Cuando define lo que Michael representa en su vida, la respuesta es inmediata. “Es mi lugar seguro. Es la primera persona a la que quiero contarle una buena noticia y también una mala. Es mi mejor amigo”.

Ahora que planean una boda, el futuro aparece menos como una celebración y más como un proyecto compartido. “Queremos ser un equipo. Disfrutar la vida, nuestra familia, nuestros amigos y a la gente que amamos”.

Mientras ese futuro toma forma, Karena Flores sigue entrando a camerinos donde todavía se sorprende de estar viviendo aquello que imaginó desde niña. Y sigue descubriendo que algunas cosas, como las despedidas en el aeropuerto o la emoción de cumplir un sueño, nunca terminan de convertirse en rutina.

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Fotografía: Jorge Ramiréz-Posada
Stylist: Santiago Araico
Asistente de Stylist: Nely López
Maquillaje y Cabello: Pedro Aguirre
RP: PuRe & B
Coordinación editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo Garcia

La paz como límite

Durante la vida, hay etapas en donde el éxito deja de medirse en aplausos, contratos o exposición. Rossana Nájera parece estar parada exactamente en ese lugar. Uno donde la conversación ya no gira alrededor de demostrar, sino de conservar algo mucho más difícil: la paz. La palabra aparece una y otra vez cuando habla de trabajo, relaciones, decisiones personales o del futuro. No como una frase decorativa de autoayuda, sino como una especie de límite íntimo que aprendió a defender tarde, pero con absoluta claridad.

“Mi paz ya no se negocia”, dice. Y detrás de esa frase hay varios años de desgaste, decepciones y aprendizaje acumulado. La actriz reconoce que durante mucho tiempo le costó poner límites. Decir que no. Frenar situaciones donde sentía que los demás comenzaban a invadir demasiado terreno emocional. “Tenía que aprender a decir ‘hasta aquí y de aquí no pasas’, porque si pasas de aquí empiezas a pisarme”. Lo cuenta sin dramatizarse, aunque se percibe el peso de haber llegado a esa conclusión después de varias heridas.

Rossana habla mucho desde un lugar emocionalmente expuesto. No intenta construir una imagen perfecta de sí misma. De hecho, parece interesarle exactamente lo contrario: aceptar las partes incómodas. Su paso reciente por MasterChef Celebrity México terminó revelándole una faceta que, según ella, mucha gente no conocía. La vulnerabilidad. El enojo. La frustración. Verse bajo presión dentro de un reality la obligó a enfrentarse con emociones que normalmente mantenía resguardadas. “Soy súper sensible”, admite. Y aunque hoy las redes sociales permiten una cercanía mucho mayor entre figuras públicas y audiencia, siente que todavía existe una parte de ella que guarda muy para sí misma.

Duelo y equilibrio

Quizá uno de los temas más delicados de la conversación aparece cuando habla sobre la maternidad. No desde la postura de quien ya cerró una herida, sino desde alguien que todavía convive con ella. Rossana reconoce que sigue siendo un proceso en construcción. Un duelo que aparece en momentos inesperados. “Hay momentos en donde veo mujeres embarazadas… que me rompen el corazón porque todavía quisiera estar ahí”. La frase llega sin artificios. Seca. Directa. Pero también explica que, en medio de ese dolor, aprendió a buscar la parte luminosa de lo que no ocurrió. No como resignación forzada, sino como una manera de sobrevivir emocionalmente a las expectativas incumplidas.

Esa conversación inevitablemente la lleva a otro tema: la presión social sobre las mujeres que no encajan en ciertos modelos tradicionales de vida. Rossana habla desde un lugar profundamente consciente de cómo todavía existe una mirada de compasión hacia quienes no tienen pareja, hijos o una “familia propia”. Aunque reconoce que las cosas han cambiado, siente que persiste cierta idea de fracaso alrededor de las mujeres solteras después de cierta edad. “A veces me voltean a ver con cara de ‘ay pobrecita’”, comenta. La frase tiene algo incómodo precisamente porque resulta reconocible.

Sin embargo, lejos de instalarse en el resentimiento, parece haber encontrado otro tipo de equilibrio. Uno que no depende exclusivamente del trabajo. Durante años, explica, tuvo que separar su valor personal del éxito profesional. “No podía poner todo mi valor en el ser actriz”. La frase importa porque viene de alguien cuya vida pública ha estado ligada justamente a la actuación durante décadas. Entender que el reconocimiento no define quién es terminó convirtiéndose en uno de los aprendizajes más importantes de sus procesos terapéuticos.

Aun así, el deseo de seguir creciendo permanece intacto. Rossana no quiere detenerse. Lo que le da miedo no es el fracaso, sino repetirse. Permanecer demasiado tiempo en una zona cómoda. Por eso los personajes emocionalmente complejos siguen siendo lo que más le atrae. Habla de ellos con entusiasmo genuino. Le interesa aquello que la incomoda, lo que la obliga a moverse emocionalmente.

Liberación del personaje

Ese fue precisamente el caso de “Leah”, el personaje de la telenovela Hermanas que describe como uno de los más importantes de su carrera reciente. Leah es manipuladora, caprichosa, cruel por momentos. Una mujer que toma decisiones moralmente cuestionables y que, sin embargo, Rossana decidió abrazar sin miedo a resultar desagradable para el público. “Es increíble no tener que agradar”, dice. Hay algo liberador en esa conclusión. Durante años, especialmente para muchas actrices, parecer simpática o aceptable formaba parte del trabajo invisible. Leah rompió con eso.

Rossana incluso disfruta la reacción de la gente en la calle cuando le dicen que odian al personaje. Porque entiende que ahí ocurrió algo correcto: el juego actoral funcionó. Y cuando habla de Leah, evita juzgarla completamente. Prefiere pensarla como una mujer profundamente inconsciente, marcada por heridas emocionales mal resueltas y por una necesidad constante de atención.

Más allá de la actuación, también hay otros sueños orbitando su vida. Quiere volver al teatro, un espacio que extraña profundamente por la conexión directa con el público. Quiere hacer cine. Quiere publicar un recetario de cocina veracruzana para compartir algo de su tierra con el mundo. Y quiere, eventualmente, crear un refugio para perros callejeros. Son proyectos distintos entre sí, pero todos parecen conectarse desde el cuidado: cuidar la memoria, cuidar las raíces, cuidar a otros seres vivos.

Mientras tanto, vive un cierre emocional importante con Hermanas. Rossana habla del proyecto con un afecto evidente, casi íntimo. “Leah llegó a marcarme profesional, pero también personalmente”. Y quizá ahí está el centro de todo: entender que algunos personajes no solo sirven para contar historias, sino también para descubrir partes de uno mismo que llevaban demasiado tiempo esperando salir.

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Fotografía: Eddy Espinoza
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje: Rosa María García de Misstika Porstyling
Peinado: Erick Moreno
Asistente de cabello: Sonia Terrazas
RP: Jerry ML
Locación: Studio Selinus
Coordinación editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo Garcia

Alejandra interpreta a Paloma, un personaje que es madre, sí, pero también cuerpo, impulso, error. Una figura que incomoda porque no se acomoda. La primera reacción no fue rechazo. Tampoco fascinación inmediata. “Lo primero que me provocó fue curiosidad y luego reto… rechazo nunca”, dice Alejandra Barros. La premisa de madre e hija en tensión por el amor de un hombre le parecía improbable. Después no. Después entendió que lo improbable se repite más de lo que se admite en voz alta.

Construir a Paloma implicaba esquivar el juicio. No de forma ingenua, sino trabajada, conversada, casi negociada entre lecturas, directores y una intuición que va encontrando su propio hilo. “Lo que encontré fue pensar en ella como una mujer, no como una mamá”. El desplazamiento es sutil, pero cambia todo: la historia deja de ser un escándalo y se vuelve experiencia. Antecedentes, decisiones, un matrimonio que no fue elección, y de pronto —tarde, dicen algunos— la aparición de algo que sí mueve por dentro.

Ahí se instala la clave emocional. No en justificar, en comprender el desfase. “La clave emocional de Paloma es verla como mujer, no como madre y entender que lo que no vivió en su juventud… es lo que la hace que quiera vivir esa experiencia después, ya teniendo una hija, siendo madre, estando casada”. El deseo como algo que llega tarde, o que se reconoce tarde. No desaparece, se guarda.

Pero lo que se guarda también empuja. Y cuando sale, no siempre tiene forma digna. “La parte que más me costó habitar en Paloma, fue estarle rogando a un hombre, creándote unas fantasías en la cabeza, que son eso, fantasías. Yo soy mucho más práctica y objetiva. Entonces el estar persiguiendo un hombre… Paloma en eso es súper insistente, entonces pues sí, me costó mucho trabajo y tratar de hacerlo lo más real posible”. Hay algo incómodo en esa insistencia. Algo que cualquiera reconoce, aunque no lo diga en voz alta.

El fondo es más amplio que la anécdota. Tiene que ver con el deseo y con la forma en que se administra socialmente. “Yo creo que las mujeres no dejan de tener deseo al igual que los hombres… el desear a alguien más, yo creo que es intrínseco del ser humano, hombre y mujeres, no nada más las mujeres. Y de repente, sobre todo en la vida familiar latina, como que la mujer cuando es madre, se le deberían de acabar todas las necesidades y gustos y demás, y creo que no debería ser”. La frase abre una conversación que la pantalla ha bordeado durante años, a veces con timidez, a veces de frente.

La polémica aparece, inevitable. Pero no es un fin. “La polémica del planteamiento es inevitable y claro que me interesaba… falta explorar esos temas, pues claro que va a crear curiosidad entre el público, pero que sea de la manera más real del personaje. Cuentas una historia que se parezca lo más a la realidad… entonces es una combinación de las dos”. Interesa el ruido que abre la puerta, no el que se queda a vivir ahí.

Paloma se mueve entre urgencia y carencia. No como categorías separadas, más bien como un circuito. “Me acerco a ella desde las dos, la urgencia y la carencia. Tiene urgencia porque tiene carencia… sentir que ya le queda poco tiempo, que es su última oportunidad de conseguir un amor… y la carencia es porque si ella hubiera tenido un buen amor, no tendría la necesidad de estar buscando esa experiencia”. La última oportunidad no es un dato objetivo, es una sensación. Y las sensaciones mandan.

La incomodidad que genera la historia tiene un origen claro. “Sí, yo creo que incomoda mucho el tema de poner una mamá en búsqueda del amor y compitiendo con la hija… rompe con las expectativas arraigadas de la madre latina abnegada, ella no tiene deseos de nada, más que de cuidar a sus hijos y a sus nietos”. La imagen es conocida. También el gesto de quien la mira y se incomoda. “Lo que te choca checa”, añade, casi como una clave lateral.

Lo que le interesa abrir no es una polémica efímera, sino una conversación más amplia. “Me encantaría que la gente fuera consciente que no nada más las mujeres somos esposas y madres, sino que también somos mujeres, con aspiraciones, deseos, profesionistas, como cualquier hombre… que a una mujer se le antoje volver a tener un amor… les parece como inconcebible y creo que estaría bueno plantearlo”. La palabra “permitir” aparece entre líneas. Permitirse, permitirles.

En la industria percibe un movimiento. No una revolución, pero sí un desplazamiento sostenido. “Yo sí creo que ha cambiado… ahora le han dado más importancia a los papeles de mujeres mayores… el público no nada más quiere ver a jovencitos viviendo el amor… también quieren ver gente de su edad”. La pantalla empieza a parecerse más a quien la mira.

Su interés como actriz no pasa por provocar de forma gratuita. Tampoco por acompañar sin fricción. “Contar historias que ayuden a generar conversaciones o a generar empatía o a simplemente distracción y divertirte… provocar así sin sentido y nada más escandalizar no es mi estilo”. La comedia aparece como una posibilidad cercana, una manera de abrir sin imponer.

El miedo sigue ahí. No desaparece con la experiencia. “Me sigue dando miedo como actriz el no estar a la altura y no crear verdad… siempre hay ese miedito, esa inseguridad de ¿lo estaré haciendo bien?, ¿lo puedo hacer mejor?”. La duda no paraliza, afina.

Y luego lo que se suelta. Lo que ya no sirve. “Hay que desaprender a veces las inseguridades… hay que desaprender también al ego, el ego nos mata… tratar de desaprender los mecanismos de defensa que creamos por miedo y vanidad”. El trabajo no es solo hacia afuera. También es limpieza interna.

Sobre la televisión, la mirada es doble. “Se ha ganado un medio de comunicación espectacular que llega gratis a todos lados… pero también se ha perdido un poco la privacidad, la ética a la hora de generar contenidos”. Más alcance, más responsabilidad. La ecuación no es nueva, pero ahora es más visible.

Lo que viene no es una pausa. “Empiezo otro proyecto a finales de este año y me gustaría hacer algo de teatro… y me gustaría también hacer series y comedia. Me muero de ganas de hacer comedia”. El deseo, otra vez. Moviendo.

Paloma se queda flotando. No como ejemplo, tampoco como advertencia. Más bien como pregunta abierta. Qué pasa cuando una mujer decide no reducirse a un solo papel. Qué se rompe. Qué se revela.

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Los cambios e inicios

Hay algo en Fátima Molina que no busca fijarse. Una especie de desplazamiento constante, como si cada respuesta fuera apenas un punto de paso y no un destino. Habla de sí misma sin la urgencia de definirse por completo. Tal vez porque sabe que esa construcción nunca termina.

Recuerda el inicio en el teatro como una grieta luminosa. Un momento donde empezó a desprenderse. “Creo que un momento clave para mí fue en mis inicios de actuación, haciendo teatro. Recuerdo cómo empecé a despojarme de todo lo que no era verdaderamente yo”. No lo plantea como una revelación abrupta, más bien como un proceso que sigue en curso, como si todavía hubiera capas por quitar.

La idea de identidad, en su voz, no es una línea recta. Es una acumulación de experiencias que se reordenan con el tiempo. “Pienso que uno siempre es el resultado de lo que le ha tocado vivir y muchas veces podemos decidir qué hacer con eso y cómo dirigirnos en el camino”. Hay una conciencia clara de las circunstancias, pero también una insistencia en la elección. Una tensión que no se resuelve, que permanece. Aun así, se nombra desde la gratitud. “Me siento una mujer muy afortunada de poder hacer muchas elecciones valiosas e importantes en mi vida”.

En una industria que durante años ha sostenido moldes precisos, Fátima no habla de ruptura como gesto heroico. Lo suyo parece más íntimo, más cotidiano. “Intento recordarme todo el tiempo que amo ser actriz. Mi satisfacción verdadera está ahí.” No hay declaración frontal contra el sistema, sino una especie de fidelidad interna. Un regreso constante a lo que le importa. “Me gusta saberme diferente. Lo demás es cuestión de perspectivas. Como la vida misma”.

Sentirme libre y plena

Creció, dice, sin demasiadas referencias donde mirarse. Apenas algunas. Pocas, pero suficientes para entender el peso de la representación. “Me gusta saber que hoy también puedo ser la referencia para alguien”. Lo dice sin grandilocuencia, como quien reconoce una responsabilidad que no eligió del todo, pero que abraza. Y entonces enumera lo que implica. Construir identidad, generar pertenencia, romper estereotipos. No como teoría, sino como experiencia vivida.

Cuando habla de la imagen, no hay ornamento. “Sentirme bien. Estar sana. Saberme libre. Y saber que tengo libertad para elegir”. Ahí aparece de nuevo la palabra que atraviesa todo. Elección. Como si verse bien fuera menos un reflejo y más una consecuencia.

Pero el camino no es limpio. Está el rechazo, repetido, casi estructural. El casting como un espacio donde la incertidumbre se vuelve rutina. “Por más que sepamos que es normal, es inevitable sentir”. No romantiza la herida. La reconoce. Y luego, sin dramatizar. “Hay que soltar y continuar”. Como una práctica. Como disciplina emocional.

Ha transitado por cine, series, televisión. Distintos ritmos, distintos lenguajes. Y sin embargo, no establece jerarquías. “Me siento una actriz privilegiada de poderte decir que en cada uno de esos universos he podido sentir muchas satisfacciones”. Lo que aparece no es el formato, sino la experiencia. El cuerpo en escena, respondiendo a lo que ocurre.

Esa búsqueda de verdad, palabra peligrosa en un medio que a veces se queda en la superficie, no se plantea como una conquista, sino como un ejercicio constante. “Hay que hacer trabajo recurrente. Recordarme por qué inicié en esto. Como lo soñaba desde que era una niña”. La raíz funciona como ancla y también como impulso. Desde ahí, dice, puede explorar la infinidad de posibilidades que ofrece la actuación.

Hoy, los personajes que le interesan parecen moverse en los márgenes. Historias que no siempre han tenido espacio. “Tal vez personajes muy poco representados o invisibilizados en nuestro mundo. También personajes que tengan choque de realidad y fantasía.” Antes la urgencia era otra. Actuar, sin importar qué. Ahora hay una curaduría más consciente. Una escucha distinta.

Cuando se le pregunta por la fuerza, no responde con una imagen única. La descompone. La multiplica. “Una mujer fuerte puede ser una mujer resiliente, o una mujer que vive y sobrevive a este mundo donde sigue existiendo la brecha de géneros. Una mujer fuerte puede ser una mujer que saque adelante a su familia. Una mujer fuerte puede ser una mujer que se sabe libre y tiene poder de elección”. La fuerza no es una pose. Es una suma de posibilidades, muchas veces invisibles.

La esperanza…

En sus decisiones también aparece una inclinación por las historias que buscan justicia, incluso cuando esa justicia no es del todo clara. “Porque definitivamente quiero creer en ellas.” Hay una voluntad de sostener la esperanza, de usar la ficción como un espacio donde lo posible todavía se ensaya.

Personajes como Antonia Lazo dejan rastros. Energías que no se quedan del todo en el set. “Yo espero ser valiente igual de rápido que ella”. Lo dice con una ligereza que no cancela el deseo.

Y luego está Julia Pastrana. El cuerpo intervenido, el calor, las horas bajo prostéticos. Una transformación que rebasa lo físico. “La verdad es que por Julia ha valido toda la pena”. La frase se sostiene en algo más profundo. La necesidad de devolverle humanidad a una figura históricamente reducida. “Ella merece que se le reconozca como una persona y como una de las primeras artistas mexicanas internacionales”.

Si mira hacia atrás, hacia sus personajes recientes, no encuentra una narrativa única sobre sí misma. Más bien lo contrario. “Creo que mis últimos personajes no tienen mucho que ver con mi historia personal.” Lo que hay es exploración. Un territorio que se expande mientras se habita. “Muchas veces uno se siente sorprendido por llegar a lugares que tal vez no imaginó, pero la magia de estar en un set, con tus compañeros en escena, tu vestuario, maquillaje, director y todo un equipo te pueden detonar escenarios maravillosos”.

Fátima Molina no parece interesada en fijar una versión definitiva de sí misma. Prefiere moverse. Probar. Equivocarse. Volver. En ese tránsito, algo se va decantando. Una manera de estar en el mundo que no necesita certezas absolutas. Solo la intuición suficiente para seguir eligiendo.

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Fotografía: Alex Córdova
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje y peinado: Geraldine Hercos
Coordinador editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo García

Disciplina compartida

La relación de Daniela Fainus con el fitness comenzó frente a las cámaras, pero con el tiempo encontró su centro en un espacio mucho más tangible: el gimnasio. Hoy su vida gira alrededor de su éxito en redes sociales y de su tiempo en Animal Move, el estudio fundado por su esposo, el entrenador Omar Zamitiz, donde el entrenamiento dejó de ser solo una actividad para convertirse en una forma de vida.

Cuando Daniela llegó al proyecto, el gimnasio ya estaba en marcha. Su participación fue distinta: aportar una mirada nueva dentro de un espacio que ya tenía identidad propia. “El gimnasio ya existía, yo llegué cuando ya estaba funcionando. Él empezó a entrenarme, se convirtió en mi coach y con el tiempo también en mi pareja”, cuenta. Mientras Omar se enfoca en la preparación física y el trabajo con atletas de alto rendimiento, Daniela encontró su lugar dentro del proyecto. “Yo llegué a ponerle ese toque femenino a Animal Move, pero él siempre ha sido un gran líder”.

Más que diseñar rutinas, lo que realmente la mueve es la conexión con las personas que siguen su trabajo. La motivación aparece en mensajes, en historias compartidas y en pequeños cambios que se vuelven visibles con el tiempo. “Me apasiona motivar a la gente. Cuando alguien me escribe y me dice que se levantó para ir al gimnasio después de ver un video mío, eso ya vale muchísimo”, explica. Algo similar ocurre dentro de la aplicación que comparte con Omar, donde los usuarios documentan sus avances. “Vemos sus resultados y los vemos motivados. No solo cambian físicamente: sonríen más, se sienten mejor. Eso a mí me llena el corazón”.

Esa relación con su audiencia —que suma millones de seguidores— se sostiene sobre un principio sencillo: la honestidad. “Siempre he sido súper honesta, orgánica y transparente con mis seguidores. Les cuento todo: lo que hago, lo que uso, lo que me funciona y lo que no”. Con el paso de los años, esa transparencia se transformó en confianza. “Hay muchas chicas que confían en mí”.

Aunque desde fuera pueda parecer que quienes viven del fitness se levantan todos los días con entusiasmo inagotable, Daniela insiste en que la realidad es distinta. Para ella, la clave no está en la motivación constante, sino en el compromiso. “La gente piensa que siempre tenemos ganas de entrenar, pero no es así. Hay días en que no quieres hacerlo. La diferencia es que tienes el compromiso de hacerlo de todos modos”. La recompensa llega al final del entrenamiento.

“Nunca me he arrepentido de ir al gimnasio. Siempre termino con una satisfacción enorme conmigo misma”.

Propósito en movimiento

Ese mismo enfoque se extiende a su estilo de vida. En lugar de reglas estrictas o dietas rígidas, Daniela apuesta por el equilibrio. “No tenemos reglas sagradas. Simplemente estamos acostumbrados a comer saludable la mayor parte del tiempo”. Para ella, la alimentación influye mucho más allá de la apariencia. “La comida se refleja en tu energía, en tu mente, en tu bienestar”.

Cuando alguien se inicia en el ejercicio y se frustra rápido, su recomendación es empezar por el entorno. “Lo primero es encontrar un lugar donde realmente te guste entrenar”. La atmósfera puede marcar la diferencia. “Cuando llegué a Animal Move me gustó todo: la música, la comunidad, la vibra de la gente. Eso hacía que quisiera regresar todos los días”. El resto depende de algo menos inmediato: paciencia y constancia.

Con los años, también ha cambiado la forma en que observa su propio cuerpo. Más que una relación conflictiva, describe un proceso de conocimiento. “Siempre me he hablado bonito y he tenido una relación positiva con mi cuerpo”. Ese vínculo se ha vuelto más consciente con el tiempo. “Aprendí a conocerlo cada vez más, a entender qué necesita y cómo funciona”.

Detrás de todo está una idea que para Daniela pesa más que la estética o la popularidad en redes: la funcionalidad. “Mi motivación nunca ha sido tener más seguidores”. Su objetivo es otro, más simple y a la vez más profundo. “Quiero llegar a una edad mayor y poder abrocharme las agujetas sola, salir a caminar, viajar, moverme sin depender de nadie”. Para ella, ese es el verdadero resultado del entrenamiento: “Tener una vida impecable el mayor tiempo posible”.

En ese camino, Omar Zamitiz ha sido una figura clave. Daniela lo describe como un entrenador exigente y creativo dentro del gimnasio, pero también como alguien que escucha y acompaña. “La gente se le acerca todos los días a pedirle consejo. Es un gran coach, pero también un coach de vida”.

Esa dinámica también ha influido en su propia disciplina. “Él encontró la manera de que el ejercicio me apasionara”. Más que imponer una rutina, transformó la manera en que Daniela mira el entrenamiento. “Logró que yo lo viera como amor por mí misma”.

Y ahí, entre disciplina, comunidad y movimiento, se sostiene el proyecto que ambos comparten: una forma de vida en la que el gimnasio deja de ser un lugar para entrenar y se convierte en un punto de encuentro para construir hábitos que, con el tiempo, cambian mucho más que el cuerpo.

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Fotografía: Joch Lucio
Maquillaje y Peinado: Naim Vázquez
Stylist: Manuel Delgado
Coordinador Editorial: Aaron Zavaleta
Diseño Editorial y producción: Juan Pablo García

Arquitectura del gesto

Julieta Grajales dice que actuar no comienza cuando alguien dice “acción”, sino horas antes, cuando todavía es una mujer sola caminando por la ciudad. Observa manos, posturas, maneras de sentarse en el transporte público. Escucha conversaciones ajenas sin intención de invadir, solo para entender ritmos. En esos trayectos, asegura, es donde realmente empieza a construir.

No piensa en personajes como moldes que se rellenan, sino como presencias que se van insinuando. Primero, cambian su forma de pararse. Luego, la respiración. Después, sin darse cuenta, la voz encuentra otra cadencia. “Cuando me descubro caminando distinto, sé que ya voy tarde”, bromea. Pero en esa frase hay método: dejar que el cuerpo entienda antes que la cabeza.

Habla poco de técnica y mucho de intuición, pero su rutina revela una disciplina rigurosa. Lee en voz alta cada noche, no importa qué. Repite textos para sentir cómo vibran en la boca. Cocina sin música para escuchar el sonido de los utensilios, como si todo fuera entrenamiento sensorial. Necesita vaciar el ruido para poder llenarse de matices.

Huellas invisibles

Julieta reconoce que el set es un lugar extraño: una mezcla de precisión y caos. Hay marcas en el piso, tiempos medidos, luces que dictan dónde colocarse. Y, al mismo tiempo, emociones que no se pueden programar. “La magia pasa cuando alguien se equivoca y nadie corta”, dice. Ese instante donde la escena se vuelve inesperada es el que más atesora.

Sobre la fama, no se detiene demasiado. La asume como una consecuencia lateral del oficio. Le interesa más la energía compartida con el equipo técnico, los silencios cómplices antes de grabar, la mirada del director cuando algo funciona sin necesidad de palabras. “Ahí sabes que estás en el lugar correcto”, comenta.

Cuenta que hay personajes que la acompañan durante semanas después de terminar un proyecto. No en forma de recuerdo, sino como una especie de eco emocional. Por eso necesita rituales para volver a sí misma: caminar sola, ordenar su casa, hablar poco. Recuperar su propio ritmo es tan importante como encontrar el del personaje.

Le atraen las historias que incomodan, las que dejan preguntas abiertas. Cree que el espectador merece espacio para completar lo que no se dice. “Si alguien se queda pensando después, ya pasó algo”, asegura. Ese eco posterior le parece más valioso que cualquier reacción inmediata.

Julieta habla del error con naturalidad. Dice que equivocarse frente a la cámara le ha enseñado más que cualquier escena perfecta. Porque ahí se revela algo auténtico, algo que no estaba planeado. Y en esa grieta aparece la verdad.

Al final, define su carrera no por los papeles que ha interpretado, sino por lo que cada uno le ha dejado en el cuerpo. Pequeñas huellas invisibles que la vuelven más porosa, más atenta, más humana. Actuar, concluye, no es escapar de la realidad, sino aprender a mirarla desde ángulos que antes no existían.

Después de ese aprendizaje corporal, su curiosidad empezó a desplazarse hacia otro territorio: la imagen fija. No como una pausa de la actuación, sino como una extensión. Pintar apareció primero como necesidad privada, una forma de ordenar emociones que no alcanzaban a decirse en escena. En sus autorretratos no busca reproducir rasgos sino registrar estados; figuras que cambian ligeramente de una pieza a otra, como si la identidad fuera un proceso más que una forma estable.

Geografía del ser

En París entendió que mostrar pintura implicaba una exposición distinta. Frente a la cámara siempre hay un margen de mediación —el encuadre, la edición, la distancia—, pero en una sala el espectador comparte el mismo aire que la obra. No hay protección narrativa. La pieza ocurre al mismo tiempo que la mirada. Dice que ahí descubrió otra clase de vértigo: no interpretar, sino permanecer.

No lo vivió como ruptura con la actuación. Más bien como un traslado del mismo método. El cuerpo primero, la explicación después. Si un personaje aparece en la postura, una pintura aparece en la materia. Capas que se corrigen, se cubren y vuelven a emerger. Nada completamente borrado, todo integrado en el resultado final.

Esa convivencia entre resistencia y sensibilidad también la reconoce en experiencias fuera del set. En condiciones extremas —hambre, cansancio, presión— el carácter se vuelve más nítido. Sobrevivir exige afirmarse; crear exige escucharse. Para ella no son fuerzas opuestas. La misma determinación que permite sostenerse en la incomodidad es la que luego permite mirar una emoción sin apartarse.

Por eso habla del amor propio como dos gestos distintos: insistir y mostrarse. En uno hay firmeza, en el otro honestidad. La fortaleza protege el espacio donde la delicadeza puede aparecer.

En sus performances busca algo similar. No seducir ni impresionar, sino atravesar un proceso frente a otros. Le interesa ese momento en que el espectador deja de consumir la imagen y empieza a sentirse implicado. No siempre es cómodo. Tampoco pretende que lo sea. La belleza, dice, no es decoración: es transformación.

Sobre la libertad habla sin grandilocuencia. La describe como una práctica cotidiana que a veces implica quedarse sola, sostener decisiones que no encajan en expectativas ajenas. No lo plantea como gesto rebelde, sino como coherencia. Permanecer en lugares donde no necesita reducirse.

Esa idea aparece también en sus personajes. Evita suavizarlos. Prefiere entender desde dónde aman o se defienden. Cuando la motivación se vuelve clara, el cliché desaparece. No se trata de justificar, sino de comprender. La compasión, en su caso, no es indulgencia sino precisión.

A veces las historias continúan después del proyecto. No como recuerdo concreto, sino como un eco en la manera de reaccionar o de mirar. Para volver a sí misma recurre a acciones simples: ordenar espacios, caminar, bajar el ruido. Recuperar un ritmo propio antes de empezar el siguiente.

Si tuviera que traducir su relación actual con el amor, no hablaría de un color único. Piensa en superficies tornasol: tonos que cambian según la luz, capas trabajadas que permanecen visibles. Nada intacto, todo aprendido. Para ella no hay contradicción en eso; la experiencia no arruina la emoción, la vuelve más consciente.

Tampoco romantiza la herida. La considera material. Algo que, al mirarse de frente, deja de ser ausencia para convertirse en forma. Crear no elimina la fractura, pero le da dirección. Transformar energía suspendida en gesto, voz o pigmento.

Cuando habla del cuerpo, evita decidir si es herramienta o resultado. Prefiere pensarlo como territorio. Lugar donde se registran la memoria, la disciplina y los límites. Cada proyecto lo modifica ligeramente, como si la biografía también fuera física.

Atención compartida

Al pensar en su trayectoria no menciona metas ni conquistas. Habla de apertura: espacios que aparecen cuando el trabajo mantiene una cierta honestidad. Y de miedo, también. No como obstáculo sino como señal de compromiso. Aquello que importa siempre incomoda un poco.

Cuando habla de Marcelo lo hace desde el ritmo más que desde la cercanía. Dice que su presencia ordena el espacio incluso antes de decir una línea. Mientras ella tiende a construir desde la intuición, en él reconoce una precisión tranquila. Trabajar juntos, explica, funciona porque las energías no compiten: una abre y la otra sostiene. En ese equilibrio la escena encuentra estabilidad sin volverse rígida.

Por eso vuelve al principio. A caminar, observar, escuchar. Antes de cualquier escena, antes de cualquier cuadro. La preparación no empieza frente al público, sino en la forma de habitar el mundo. Y actuar —o pintar— termina siendo lo mismo: prestar atención hasta que algo verdadero aparece.

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Talento: Julia Maqueo
Fotografía: Bruno Gómez De la Cueva
RP: Pepe Ayala

¿Qué te motivó a aceptar el papel de Sam en No me sigas, siendo esta tu primera incursión formal en el cine de terror?

Creo que lo que más me motivó a darle vida a Sam viene justamente de que el terror es un género con el que no había estado familiarizada, y me encantó la oportunidad de conocerlo.Yo jamás creí hacer un proyecto de miedo. Una vez que me quedé, tenía muchas preguntas. Pero ya estando en el set, todo fue muy inmersivo, 

Has mencionado que eres muy miedosa pero al mismo tiempo curiosa por el terror. ¿Cómo lidiaste con ese contraste durante el rodaje?

Pues aunque no soy escéptica, llegaba escéptica al set… pero al mismo tiempo me encantaba curiosearlo. Fue muy divertido.

Para preparar a Sam creaste una playlist especial. ¿Qué tipo de música incluía y cómo te ayudó en el proceso?

Fue una playlist bastante versátil, con varios géneros. Metía las canciones que, al escucharlas, me generaban algo siendo Sam. Me ayudó muchísimo, porque la ponía justo en el momento en el que me convertía en ella.

Parte del rodaje ocurrió en locaciones con una energía muy intensa. ¿Cómo influyó ese ambiente en tu interpretación?

Tuvimos un mes y medio de ensayos, llegamos al set con las cosas más claras, de qué decir y qué hacer. Obviamente es un poco más complejo, porque tienes que estar muy atenta a los movimientos. Pero el ensayo realmente nos hizo todo muy sencillo. Creo que todo influyó de una manera muy positiva. Los sets se convirtieron en un personaje, y siempre digo que, más que sentirme en un set, me sentía en una realidad alterna.

Durante la filmación hubo rituales de protección por la carga simbólica de los espacios. ¿Qué opinas del componente espiritual alrededor del proyecto?

Siento que toda la parte energética estuvo muy bien cuidada. Nos protegieron bastante bien, tanto antes como después de la filmación. Aunque en las locaciones, por la carga que ya tenían esos lugares, sí se sentía una energía diferente.

¿Qué reflexión te genera que No me sigas combine redes sociales, fama digital y elementos sobrenaturales?

Más que una reflexión, siento que juntamos tres temas que se integran bastante bien y que hablan de cuestiones importantes, especialmente para esta generación.

Has hablado de la “creación de un alter ego” para Sam. ¿En qué se parece a ti y en qué es completamente diferente?

Sam es muy parecida y al mismo tiempo completamente diferente a mí. Al final, vivimos en una generación que depende por completo de las redes sociales.

Antes de No me sigas participaste en programas como Como dice el dicho y La Rosa de Guadalupe. ¿Qué aprendizajes te dejaron esos proyectos?

Creo que esos y todos los proyectos en los que he participado siempre me han enseñado muchísimo, en muchas ramas de la actuación. Siempre les estaré muy agradecida.

Tras el estreno en el FICM comentaste que no habías asimilado lo vivido hasta llegar a casa. ¿Cómo fue ese momento emocionalmente?

Fue muy divertido y muy nostálgico. Me cayó el veinte estando con mis papás y simplemente me solté a llorar. Me sentí muy agradecida. llegué a mi casa y toqué tierra. Me dije: qué acaba de pasar, todo ha sido muy rápido, todo el proceso fue muy rápido. Fueron muchas emociones, todo me pegó de golpe.

¿Qué tipo de personajes y géneros te gustaría explorar después de haber pasado por el terror?

Me encantaría explorar un poco de todo, pero si tuviera que escoger uno, definitivamente sería acción.

¿Cómo equilibras tu presencia pública en redes sociales con tu vida personal y tu necesidad de privacidad?

Siento que todo es un balance. Intento mostrarme lo más real posible, al final del día todos somos seres humanos, pero claro, siempre siendo muy cuidadosa con lo que comparto.

Si pudieras volver a tus primeros castings, ¿qué consejo le darías a esa versión más joven de ti?

Que esté tranquila. Hay un montón de factores que influyen en quedarte en un proyecto. “Lo estás haciendo bien: sigue por este camino”.

¿Cuál es tu visión a largo plazo como actriz? ¿Hay algo más de la actuación que te gustaría explorar?

Siento que como actores nunca terminamos de explorar y de conocer nuevas ramas en esta profesión tan hermosa. Es un continuo aprendizaje. Me gustaría explorar todo y seguir aprendiendo.

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