Eloy Sebastián viene de ganar en Aguascalientes. Regina Sirvent ya disputa el Chase de Challenge Series. Con el respaldo de APX Ventures, ambos encaran las semanas que decidirán su temporada, con una fecha al frente: el 8 de noviembre, cuando el Autódromo Hermanos Rodríguez reciba la final en la Ciudad de México.

El Chase de NASCAR México entra así en una etapa que vale la pena seguir desde ahora. Antes del cierre capitalino habrá un doble compromiso en Yucatán, y sus resultados cambiarán las condiciones con las que los pilotos llegarán a la última carrera. Para Eloy y Regina, la historia sigue abierta.

Eloy ganó en Aguascalientes y se metió de lleno en la pelea

El triunfo llegó el 27 de septiembre de 2026, en la “Aguascalientes El Gigante de México 170”. Eloy ganó la primera carrera disputada del Chase de la categoría estelar y fue quien encabezó más vueltas durante la competencia, según el reporte oficial de NASCAR México.

El resultado importa por el momento en que ocurrió. Ganar al comenzar la fase decisiva le dio impulso a su aspiración al campeonato y colocó su nombre entre los protagonistas de este cierre. En la clasificación publicada por NASCAR México el 8 de octubre, aparece segundo, con 2051 puntos, a cinco unidades del liderato.

La diferencia deja una pregunta atractiva para las siguientes fechas: ¿podrá sostener ese ritmo y llegar a la capital con posibilidades de coronarse? Su victoria en Aguascalientes ya puso un resultado concreto sobre la mesa. Ahora necesita convertir ese impulso en un cierre consistente.

Para quien lo ha seguido durante el año, el auto 9 llega a estas semanas con una razón adicional para llamar la atención: acaba de demostrar que puede ganar en la etapa en la que se disputa el título.

Regina está en el Chase y busca avanzar

Regina Sirvent también forma parte de la pelea, en su caso dentro de Challenge Series. La piloto del auto 13 consiguió su lugar en el Chase al terminar entre los diez mejores de la temporada regular.

En Aguascalientes finalizó novena. La tabla publicada el 8 de octubre la ubica en esa misma posición del Chase, con 1022 puntos, empatada en unidades con otros dos participantes. Ese dato ayuda a dimensionar lo que viene: hay posiciones cercanas por disputar y cada resultado puede modificar su lugar.

Su objetivo inmediato es escalar en la clasificación. En el comunicado previo a Yucatán, Regina señaló que las dos carreras del fin de semana representarían una exigencia importante y agradeció el apoyo de sus patrocinadores.

Eloy y Regina atraviesan momentos distintos dentro de sus categorías, pero ambos tienen algo concreto en juego. Él busca aprovechar una victoria reciente; ella, avanzar en la fase para la que trabajó durante la temporada regular. Esa diferencia hace interesante seguir sus carreras en paralelo.

Dos días que pueden cambiar el cierre

Antes de pensar en la bandera a cuadros del Hermanos Rodríguez, el calendario marca una parada decisiva: Yucatán, los días 17 y 18 de octubre.

La competencia del sábado repone la fecha que no pudo disputarse por lluvia en Monterrey. El domingo corresponde a la fecha 11. En un solo fin de semana habrá dos oportunidades de sumar, con la clasificación actualizándose entre una jornada y otra. Las fechas y las posiciones de ambos pilotos están recogidas en la información oficial del compromiso en Yucatán.

También es la razón para mirar con cuidado cualquier pronóstico sobre la final. Las posiciones actuales son el punto de partida hacia Yucatán. Será después de ese doble compromiso cuando se conozca con mayor claridad el escenario de cada piloto rumbo a la Ciudad de México.

APX Ventures en una temporada que sigue abierta

El vínculo de APX Ventures con Eloy y Regina cobra interés en este momento deportivo: un triunfo reciente en la categoría estelar y una participación activa en el Chase de Challenge Series permiten seguir a la marca a través de historias que aún están desarrollándose.

Para quienes conocieron a ambos pilotos en nuestra nota “Revolución a 250 km/h”, este es el siguiente capítulo. La conversación ahora pasa por lo que pueden conseguir en las fechas restantes y por la manera en que responderán a la presión del cierre.

El desenlace será en el Hermanos Rodríguez

La final de temporada está anunciada para el 8 de noviembre de 2026, dentro de NASCAR México Series-SpeedFest. El Autódromo Hermanos Rodríguez será sede de la definición de los campeonatos de NASCAR México, Challenge y Trucks.

El programa anunciado por los organizadores también contempla música después de la actividad automovilística, con La Lupita, Jotdog y Azul Violeta entre los participantes. Para quienes quieran asistir con amigos o en pareja, la jornada ofrece un plan que puede continuar después de las carreras.

La cita tiene, además, dos historias a las que seguirles la pista desde hoy. Eloy quiere dar continuidad a lo conseguido en Aguascalientes; Regina busca avanzar dentro del Chase. APX Ventures acompaña ese recorrido hacia un cierre que todavía tiene mucho por decidir.

Antes de asistir, consulta los horarios, las modalidades de entrada y la programación actualizada en los canales oficiales del evento. Y antes de noviembre, mira hacia Yucatán: allí comenzará a definirse con qué posibilidades llegarán ambos a la capital.

Entre trayectos al trabajo, cafés para llevar y escapadas de fin de semana, el auto acumula parte de nuestra rutina. Recuperar ese espacio empieza por mirar qué llevamos dentro y cómo lo cuidamos.

Una chamarra en el asiento trasero, el vaso del café de ayer y un recibo que lleva semanas junto a la palanca. Casi sin darte cuenta, el auto se convierte en una extensión de los pendientes del día.

Ahí escuchas música, conversas, esperas y haces una pausa antes de llegar a casa. Por eso, cuidar el interior del auto también puede hacer más agradable un espacio que utilizas con frecuencia. El primer paso es sencillo: abrir la puerta y observarlo como si fueras a subir por primera vez.

Lo que sube también necesita bajar

Empieza por vaciar los objetos que se han quedado sin una razón concreta. Revisa los compartimentos de las puertas, los portavasos y la cajuela. Conserva los documentos y el equipo necesario, y devuelve a casa las compras, prendas y bolsas que ya cumplieron su función.

Antes de añadir un organizador, decide qué necesitas llevar. Una caja puede servir para reunir algunos básicos en la cajuela, siempre que quede bien sujeta. Si solo oculta objetos que nunca usas, el desorden seguirá viajando contigo.

Los detalles que ves todos los días

Con el espacio despejado, resulta más fácil atender el polvo del tablero, las migas entre los asientos y las marcas alrededor de los portavasos. Trabaja por zonas y consulta las indicaciones de cuidado de los materiales antes de elegir un producto.

Pantallas, tapicerías y superficies interiores pueden requerir cuidados distintos. Comprueba dónde puede utilizarse cada limpiador y sigue las instrucciones del fabricante del vehículo.

Para retirar polvo de las superficies compatibles, una toalla de microfibra limpia puede formar parte del equipo básico. La línea Express Clean de Lidernova incluye este accesorio, además de shampoo para auto, dentro de su catálogo de cuidado automotriz. Puedes consultar su oferta de productos para auto.

Reserva paños diferentes para el interior y el exterior, y mantenlos limpios antes de volver a usarlos.

La cajuela también cuenta

La cajuela suele recibir todo lo que “luego acomodamos”. Hasta que llega el momento de guardar las bolsas del supermercado o salir de viaje y hay que reorganizarla con prisa.

Agrupa lo necesario, retira lo que ya no utilizas y deja espacio para los planes de la semana. Antes de una escapada, esa revisión también ayuda a identificar qué llevas realmente y evita empacar por duplicado.

Un hábito al llegar a casa

Una vez que recuperes el espacio, procura bajar la basura y tus objetos personales al terminar el día. Ese gesto hace más fácil mantenerlo entre limpiezas.

El exterior puede tener su propio momento de cuidado, con productos específicos y adecuados para el acabado del vehículo. El interior, mientras tanto, se beneficia de algo cotidiano: dejarlo listo para el siguiente trayecto.

Tal vez mañana vuelvas a la misma ruta y al mismo tráfico. Al menos, al abrir la puerta, encontrarás un asiento libre, tus cosas en su lugar y espacio para empezar el día.

Entre lo que nos gusta, lo que vemos en redes y lo que imaginamos que alguien más espera, elegir qué ponernos puede convertirse en una negociación. La lencería lleva esa pregunta a un terreno especialmente personal.

Te pruebas algo, te miras al espejo y te gusta. Hasta que aparece una segunda opinión, aunque estés sola: “¿será demasiado?”, “¿qué va a pensar?”, “¿y si mejor elijo otra cosa?”.

A veces basta ese instante para devolver una prenda al cajón. Otras, terminamos comprando algo que se ve increíble en una foto, pero que nunca encontramos ganas de usar.

Elegir lencería también puede ser una manera de reconocer tu estilo personal. El color, el corte y la cobertura hablan de preferencias que merecen espacio, incluso cuando nadie más va a ver lo que llevas puesto.

Las opiniones que entran al probador

Vestirnos ocurre en compañía de muchas referencias: una imagen que guardamos, una pareja, una amiga cuyo gusto admiramos o una idea sobre lo que “nos queda bien” que escuchamos hace años.

La mirada ajena puede inspirar, despertar curiosidad y formar parte del placer de arreglarse. También puede hacer que descartemos algo antes de preguntarnos si realmente nos gusta.

Vale la pena detenerse ahí. ¿Elegiste esa prenda porque disfrutas cómo se ve y cómo se siente? ¿O porque crees que deberías verte de cierta manera? La respuesta puede cambiar según el día. Reconocerla te da más espacio para decidir.

Tu gusto puede tener distintas versiones

Puedes disfrutar el encaje y preferir líneas sencillas al día siguiente. Buscar mayor cobertura para un look y elegir un bralette para otro. Tener ganas de seducir o dedicarle atención a tu ropa interior simplemente porque te gusta.

No hace falta convertir una preferencia en una personalidad permanente. El estilo también admite contradicciones, cambios y descubrimientos.

En ese abanico se encuentra Aylon, una empresa mexicana cuyo catálogo reúne lencería y prendas moldeadoras. Entre sus opciones aparecen bodies de acabado sedoso, bralettes y coordinados con detalles de encaje, distintas propuestas desde las que explorar qué te gusta llevar.

Cómo se ve es parte de la elección

La primera impresión frente al espejo importa. Después viene algo igual de personal: cómo te sientes al usar la prenda. Observa el ajuste, la textura y la cobertura. Revisa la guía de tallas y piensa en la ropa con la que quieres combinarla. Una imagen puede darte una idea; la elección necesita considerar tu rutina y tus preferencias.

Con las prendas moldeadoras, conviene empezar por lo que buscas en un conjunto: determinado acabado bajo la ropa, una sensación de soporte o cierta cobertura. Son decisiones de vestuario que puedes tomar según la ocasión y cambiar cuando quieras.

El placer de elegirlo tú

Vestirte para una cita puede ser divertido. Elegir algo pensando en otra persona también puede formar parte de la complicidad. La pregunta es si tú estás disfrutando esa elección.

Antes de tu próxima compra, prueba imaginar la prenda fuera de la foto, de la tendencia y de cualquier comentario. ¿Te gustaría llevarla? ¿Tiene lugar en tu vida? ¿Te permite sentirte como quieres ese día? Quizá la respuesta sea un body negro, un conjunto con encaje o el básico al que siempre vuelves. Lo interesante es poder reconocer tu gusto en esa decisión. Y que, al mirarte al espejo, tu propia opinión tenga un lugar.

El escote, la caída y el largo del vestido también cuentan al elegir la ropa interior. Conoce cómo integrar una prenda moldeadora de Control Secrets a tu próximo look de invitada.

Tienes el vestido, los zapatos y los accesorios. Incluso sabes cómo vas a peinarte. Pero antes de dar por terminado tu look, hay un detalle que merece su propia prueba frente al espejo: lo que llevarás debajo.

Elegir ropa interior para un vestido de fiesta empieza por observar su diseño. Una espalda descubierta, una tela ligera o una silueta ajustada necesitan soluciones distintas. Las prendas moldeadoras de Control Secrets suman opciones para quienes buscan dar soporte y estilizar la figura al vestirse para una ocasión especial.

Deja que el vestido marque la pauta

Antes de elegir una prenda interior, revisa tres puntos: el escote, la espalda y las aberturas. Estos detalles definen qué tanta cobertura puedes llevar sin que asome por donde no quieres.

Si el vestido tiene tirantes delgados o una espalda baja, comprueba que la ropa interior quede dentro de sus líneas. Cuando hay una abertura en la falda, conviene revisar también qué sucede al caminar y sentarte: el largo de una prenda tipo short puede quedar oculto de pie y hacerse visible en movimiento.

Body, short o panty: encuentra tu combinación

Un body moldeador puede ser una opción cuando buscas cobertura en el torso y el corte del vestido permite ocultarlo. Control Secrets cuenta con modelos tipo body de compresión alta, además de camisetas tipo faja, dentro de su oferta en Liverpool.

Las fajas tipo short o bóxer son una alternativa si prefieres mayor cobertura hacia los muslos. Para vestidos cortos o con aberturas, una faja tipo panty puede facilitar la combinación. La elección depende del modelo específico y de cómo se acomode bajo tu vestido.

El acabado también importa

En telas ligeras o prendas muy ajustadas, revisa cómo se perciben los bordes, las costuras y los cambios de textura. Prueba el conjunto con buena luz y observa el resultado de frente, de perfil y de espaldas.

El color merece la misma atención. Si buscas discreción bajo una tela clara, empieza por probar un tono cercano al de tu piel y verifica el efecto con el vestido puesto.

Haz una prueba antes de la fiesta

Consulta la guía de tallas del modelo y dedica unos minutos a caminar, sentarte y moverte con el look completo. Comprueba que los tirantes se mantengan en su lugar, que los bordes no se enrollen y que te sientas cómoda.

Para integrar Control Secrets a tu próximo look de fiesta, empieza por el vestido y por la cobertura que tú prefieres. El mejor detalle es ese que te permite salir de casa con el conjunto resuelto y dedicarte a disfrutar la celebración.

La moda latinoamericana vuelve a mirar hacia Europa con una propuesta que encuentra en la materia, la artesanía y la luz un nuevo lenguaje de expresión. El próximo 28 de septiembre, Nicteel by Owana Lima presentará en Milán su nueva colección, “Eternally the Light”, como parte de la plataforma GX Fashion Week.

La propuesta de la diseñadora guatemalteca Owana Lima parte de una idea tan esencial como poderosa: la luz como una presencia eterna. El instante en que la claridad transforma el paisaje, revela la materia y convierte cada sombra en una dimensión nueva se convierte en el punto de partida de una colección que explora la tensión entre luminosidad y oscuridad, permanencia y metamorfosis.

En Eternally the Light, la luz no es únicamente una referencia estética: es una metáfora de identidad, evolución y permanencia.

El destello que esculpe la materia

Uno de los grandes protagonistas de esta nueva propuesta es la lana orgánica, reinterpretada mediante un proceso experimental desarrollado especialmente para la colección.

A través de esta técnica, la fibra adquiere una nueva dimensión. Las siluetas escultóricas se transforman en superficies vivas, envolventes y profundamente sensoriales, capaces de atrapar, reflejar y preservar la luz sobre el cuerpo. La lana deja así de ser simplemente un material para convertirse en una herramienta de construcción artística.

Su estructura, volumen y relieve generan composiciones que evocan el movimiento de la luz y, al mismo tiempo, establecen un diálogo esencial entre cuerpo, tierra y tiempo.

Cincelar el instante en la memoria del tiempo

Cada creación de Eternally the Light representa un instante:

• El amanecer que sucede a la oscuridad.
• El fulgor que permanece.
• La energía de aquello que, aun atravesando el tiempo, continúa iluminando.

En manos de Owana Lima, la transformación de la lana orgánica se convierte en una exploración sobre la permanencia. La materia cambia, se transforma y adquiere nuevas formas, pero conserva su esencia.

“La luz no se extingue; se transforma.”

Esta frase resume el espíritu de una colección que entiende la moda como un territorio de investigación, identidad y expresión artística. Y es precisamente en esa transformación donde Nicteel encuentra su nueva belleza.

El eco ancestral que susurra al mañana

La llegada de Nicteel a Milán representa también la evolución de una identidad construida desde Guatemala.

Fundada por Owana Lima, la marca ha desarrollado una propuesta que conecta el diseño contemporáneo con la riqueza artesanal y cultural de su país. El trabajo conjunto con artesanos guatemaltecos constituye uno de los pilares de su lenguaje creativo, incorporando técnicas, materiales y saberes que forman parte de la memoria textil de Guatemala.

La trayectoria de la diseñadora demuestra que tradición y vanguardia no tienen por qué ocupar extremos opuestos:

• Nueva York (2018): En 2018, Owana Lima llevó Nicteel a New York Fashion Week, donde presentó diseños realizados con textiles y elementos elaborados por artesanos guatemaltecos de regiones como Chichicastenango y Sololá, compartiendo escenario con marcas de la talla de Victoria Beckham, Marc Jacobs, Oscar de la Renta y Jason Wu.
• Milán (2023): En 2023 mostró una colección en la Fondazione Stelline, dentro de la programación vinculada a la semana de la moda, exclamando el potencial creativo y la riqueza cultural de Guatemala desde una perspectiva sostenible.
• Guatemala (2024 – 2026): En la Semana de la Moda Guatemala 2024, Vogue México destacó su propuesta 4to elemento, y recientemente, en la edición 2026, presentó Ethereal Distortion, profundizando en texturas orgánicas y construcción escultórica.

Hilar un puente entre la raíz y el cosmos

La trayectoria de Owana Lima se construye desde el encuentro entre formación internacional, identidad latinoamericana y artesanía guatemalteca.

Su formación vinculada al Istituto Marangoni forma parte de una visión que entiende la moda desde una perspectiva global, mientras que sus raíces guatemaltecas determinan el carácter de una marca que ha hecho de la artesanía y la identidad cultural uno de sus principales elementos de diferenciación.

La diseñadora ha sido reconocida con el Galardón de Guatemaltecos Ilustres, el reconocimiento 100 Mujeres Destacadas y el Star for Leadership in Quality Award, además de ser nombrada embajadora de la moda por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Guatemala.

Su filosofía parte de una premisa clara: llevar la riqueza de Guatemala al mundo sin despojarla de su esencia. Por eso, cada colaboración con artesanos representa un puente entre generaciones, una forma de preservar conocimiento y una oportunidad para llevarlo a nuevos territorios creativos.

Donde la penumbra florece en belleza eterna

La presentación de Eternally the Light en Milán representa un nuevo capítulo para Nicteel by Owana Lima. En una ciudad donde la tradición artesanal convive con la experimentación, la arquitectura y el diseño, la propuesta encuentra un escenario natural para expresar su visión.

La colección propone mirar la moda desde otro lugar: no solamente como una sucesión de prendas, sino como una experiencia sensorial donde materia, luz, cuerpo y memoria forman parte de una misma narrativa.

Desde Guatemala hasta Milán, Owana Lima continúa construyendo un lenguaje propio donde la lana se convierte en escultura, la artesanía se transforma en alta moda y la tradición encuentra nuevas formas de existir.

Porque para Nicteel, la luz nunca desaparece. Se transforma. Y en esa transformación nace la belleza.

SOBRE NICTEEL BY OWANA LIMA

Nicteel by Owana Lima es una firma guatemalteca de moda, accesorios y piezas de diseño que fusiona técnicas artesanales, materiales naturales e identidad cultural con una visión contemporánea. La marca ha llevado su propuesta a escenarios internacionales como New York Fashion Week y Milán, y ha sido reconocida por medios especializados por su trabajo en torno a la artesanía guatemalteca y la sostenibilidad.

• Diseñadora: Owana Lima
• País: Guatemala
• Colección: Eternally the Light
• Presentación: 28 de septiembre de 2026
• Ciudad: Milán, Italia
• Plataforma: GX Fashion Week
• Instagram: @nicteelfashiongt

Llega septiembre y con él esa mezcla deliciosa de antojo de pozole y ganas de sacar algo verde, blanco o rojo del clóset. Entre nos, el tricolor se ve increíble siempre que lo lleves como un guiño tuyo y no como uniforme. La clave está en elegir una sola idea y ejecutarla bien. Aquí van tres formas de sumarte a la fiesta, puedes mezclarlas o quedarte con una sola; lo importante es que la lleves con seguridad.

El maquillaje a lo Frida

Si buscas algo lograble y sin gastar de más, empieza por la cara. Un labial rojo mate, unas cejas pobladas y bien peinadas, la piel fresca y luminosa y —si te animas— unas flores en el pelo. Es el homenaje más directo a Frida Kahlo y lo mejor es que funciona sobre cualquier blusa blanca que ya tengas colgada. No necesitas invertir en un outfit nuevo: el rojo en los labios hace todo el trabajo, se ve poderoso en persona y espectacular en las fotos. Un tip: elige un rojo con subtono cálido si tu piel es morena y remátalo con un delineado sencillo para que la mirada también hable.

Una pieza bordada con historia

Aquí va mi consejo con el corazón: invierte en una sola pieza artesanal y deja que se robe el show. Un chaleco bordado, un rebozo o una bolsa tejida levantan al instante un look sencillo de playera y pantalón, y cuentan una historia que ninguna prenda de fábrica puede imitar. Y por favor, cómprala directo con artesanas y artesanos mexicanos, en cooperativas o mercados de la comunidad: pagar el precio justo es darle valor a nuestra gente y a un oficio que carga siglos de técnica. La diferencia se siente en la prenda, en la calidad del hilo y en la intención con la que la portas.

Saca el jersey verde

Y para las que aún traen el corazoncito futbolero, aunque todavía duela un poquito, el Mundial que vivimos en casa nos regaló una alegría que vale la pena revivir. Rescata tu jersey verde de la Selección y llévalo con una falda tableada blanca, lentes de sol y unas arracadas doradas. Así deja de ser ropa de estadio y se convierte en un look con actitud, cómodo y fresco para la noche del Grito. Si quieres subirle el nivel, mete la playera dentro de la falda, suma unos tenis blancos o unas sandalias y listo: gritas “¡Viva México!” sin perder ni una pizca de estilo.

El otoño es cuando las texturas se ponen interesantes. Después de meses de lino y algodón, de pronto todo pide gamuza, encaje, organza. Y aunque suene a mucho, vestirte bien esta temporada no se trata de complicarte, sino de elegir las piezas correctas. Estas seis tendencias son justo eso: fáciles de incorporar, imposibles de arruinar y con ese aire elevado que define el fall. Aquí está todo lo que vas a querer usar, con tres versiones de cada pieza clave.

Cocoa Season
La pieza ancla del otoño es la chamarra tipo barn en gamuza. La silueta utilitaria de siempre, con corte holgado, cuello camisero y bolsillos de parche, pero en ante suave, que es lo que la vuelve especial. El truco no es solo la chamarra, es la paleta: combínala con piezas en tono cocoa, esos cafés profundos que dominan la temporada (espresso, moka, cacao). Un bolso chocolate, unos jeans cafés, cualquier cosa en esa gama la eleva al instante.

Prep Talk
El polo de rayas es el regreso más preppy del otoño y el más fácil de usar. Ese cuello con solapa que asoma bajo un saco o una chamarra le da estructura sin que lo pienses, y las rayas en tonos otoñales como el café, vino o azul, hacen todo el trabajo de color por ti. Póntelo con jeans rectos, mételo en una falda o llévalo de capa bajo la chamarra de gamuza para ese aire old money, pulido pero relajado.

Croc Effect
El grabado cocodrilo es el atajo más rápido para que un accesorio se vea de diseñador sin serlo. Esa textura en relieve le da presencia a cualquier bolso, y este otoño se lleva en tonos ricos: negro clásico, pero también verde y oxblood, que son los que se sienten nuevos. Empieza con un bolso pequeño para probar el terreno o con una billetera a juego, puro carácter en formato mini.

Hands On
Los guantes de piel a la muñeca son el detalle que separa a la que se viste bien de la que se viste increíble. Regresaron con fuerza y funcionan igual como pieza práctica que como statement. Unos guantes negros de napa con un abrigo camel son un look completo por sí solo. La clave está en el largo justo a la muñeca, más moderno que el guante largo. Van con todo y suben el nivel en dos segundos.

Layered Organza
La organza en capas es la forma más elegante de meter transparencia sin sentirte expuesta. Esa tela vaporosa que se mueve con cada paso le da drama a un look por más simple que sea el resto. Una falda de organza sobre un slip, o un vestido traslúcido con algo debajo, se ve etéreo aunque te tome dos minutos armarlo. En negro es sofisticado y nocturno, perfecto para una cena o una boda de otoño.

Soft & Tough
El encaje con piel es el contraste perfecto, lo delicado contra lo rudo, lo romántico contra lo rebelde. La fórmula es sencilla, un top de encaje que se asome bajo una bomber de piel y de pronto tienes un look con intención. Es la manera de usar encaje sin verte cursi y piel sin verte dura. La bomber hace lo pesado, el encaje aporta lo suave, y juntos crean algo más interesante que cualquiera por separado.

La fotografía de dos mujeres encendiendo sus cigarrillos mientras descansan en la parte trasera de un automóvil fue suficiente para que Nicky Zimmermann encontrara el hilo conductor de su nueva colección. Aquella imagen, protagonizada por Kathleen Howell y Jean Robertson durante una de las primeras travesías femeninas por carretera a través de Australia, condensaba el espíritu que buscaba para el otoño de 2026: determinación, libertad y una elegancia que nunca necesitó llamar la atención.

Las referencias continúan con otras figuras que transformaron la historia australiana durante la década de 1920. La escritora Miles Franklin, promotora de nuevas voces femeninas, aparece junto a las primeras selecciones nacionales de críquet integradas exclusivamente por mujeres. No compartían profesión ni origen, pero sí una misma convicción: ocupar espacios que hasta entonces parecían reservados para otros. Esa actitud atraviesa la colección sin convertirse en un disfraz de época.

La pasarela abre con prendas que evocan el lenguaje del uniforme. Monos de líneas limpias, trajes de construcción precisa y referencias deportivas dibujan una silueta práctica, casi austera. Conforme avanza el recorrido, las formas se relajan. La rigidez cede terreno a vestidos de seda, piezas inspiradas en la lencería y tejidos que responden al movimiento del cuerpo con absoluta naturalidad.

El diálogo entre códigos masculinos y femeninos aparece sin estridencias. Los pañuelos de seda estampados con escenas de aviación y deporte abandonan el cuello para convertirse en vestidos y faldas de caída ligera. Los tradicionales uniformes blancos del críquet encuentran continuidad en impecables trajes color crema, mientras una chaqueta vaquera de inspiración aviador comparte protagonismo con un conjunto verde lima que aporta un inesperado punto de frescura.

Las capas construyen buena parte del discurso visual de la temporada. Piel de oveja, terciopelo, seda y tejidos de punto se suceden con una lógica que privilegia la textura antes que el volumen. Camisas de mangas amplias aparecen bajo monos tipo bomber; las prendas escultóricas envuelven vestidos ligeros y generan una sensación permanente de transformación, como si cada conjunto admitiera distintas vidas dependiendo de quién lo lleve puesto.

La fluidez permanece como uno de los rasgos distintivos de ZIMMERMANN. Un vestido cruzado con encaje oscila sobre jeans de pierna ancha; una chamarra bomber de cuero azul tiza adquiere otra dimensión junto a una falda de seda con volantes, mientras el cuero color caoba abraza la silueta sin perder movilidad. Corbatas, pañuelos anudados y volantes en cascada acompañan cada paso, recordando que el diseño termina de cobrar sentido cuando la prenda abandona el perchero y comienza a moverse con quien la viste.

La colección evita el recurso fácil de reproducir la estética de los años veinte. Prefiere recuperar el impulso de aquellas mujeres que eligieron conducir, escribir, competir o explorar cuando hacerlo significaba desafiar las convenciones de su tiempo. Ese gesto, casi un siglo después, sigue encontrando eco en un guardarropa que entiende la sofisticación como una consecuencia natural de la libertad, nunca como un adorno.

La moda siempre ha encontrado escenarios para reinventarse. Algunas veces ocupa museos, otras interviene edificios históricos y, de vez en cuando, decide instalarse alrededor de una mesa. Esa fue la apuesta de Diego Cerón para celebrar veinte años de trayectoria: abandonar el recorrido lineal de una pasarela y construir una velada donde cada elemento formara parte del mismo relato.

Bajo el nombre Couture à Table, el diseñador reunió alta costura, gastronomía y arte drag en Hotel Sureño durante el Mes del Orgullo. La presentación de veinte looks ocurrió entre platillos, iluminación teatral y performances que transformaron el espacio en una puesta en escena donde la ropa convivía con la música, los gestos y la interpretación.

La dirección creativa también encontró inspiración en figuras de la cultura popular. Personajes como María Antonieta, Audrey Hepburn, Frida Kahlo, RuPaul y Taylor Swift sirvieron como punto de partida para construir un espectáculo que evitó la copia y prefirió reinterpretar símbolos reconocibles desde la estética de Cerón. El drag apareció como un lenguaje artístico capaz de dialogar con la confección, ampliando el alcance de cada pieza presentada.

La colección nunca quedó aislada sobre el cuerpo de las modelos. Cada salida respondía a una narrativa que envolvía al espectador y modificaba la manera habitual de observar una prenda. La mesa dejó de ser únicamente un lugar para compartir alimentos; se convirtió en el centro de una historia donde el diseño se descubría desde distintos ángulos, acompañado por una atmósfera cuidadosamente construida.

Celebrar veinte años de carrera podía convertirse en un ejercicio de nostalgia. Diego Cerón eligió otro camino. En lugar de mirar hacia el archivo de su firma, decidió explorar nuevas formas de presentar su trabajo y abrir la conversación sobre el futuro de la moda. Couture à Table habla precisamente de esa inquietud: entender que el lujo contemporáneo también se construye a través de las emociones, la sorpresa y la capacidad de convertir una colección en un recuerdo compartido.

Lejos del desfile tradicional, Cerón demuestra que la alta costura todavía tiene espacio para encontrar formatos distintos. A veces basta con cambiar la pasarela por una mesa para descubrir otra manera de contar una historia.