Entre lo que nos gusta, lo que vemos en redes y lo que imaginamos que alguien más espera, elegir qué ponernos puede convertirse en una negociación. La lencería lleva esa pregunta a un terreno especialmente personal.

Te pruebas algo, te miras al espejo y te gusta. Hasta que aparece una segunda opinión, aunque estés sola: “¿será demasiado?”, “¿qué va a pensar?”, “¿y si mejor elijo otra cosa?”.

A veces basta ese instante para devolver una prenda al cajón. Otras, terminamos comprando algo que se ve increíble en una foto, pero que nunca encontramos ganas de usar.

Elegir lencería también puede ser una manera de reconocer tu estilo personal. El color, el corte y la cobertura hablan de preferencias que merecen espacio, incluso cuando nadie más va a ver lo que llevas puesto.

Las opiniones que entran al probador

Vestirnos ocurre en compañía de muchas referencias: una imagen que guardamos, una pareja, una amiga cuyo gusto admiramos o una idea sobre lo que “nos queda bien” que escuchamos hace años.

La mirada ajena puede inspirar, despertar curiosidad y formar parte del placer de arreglarse. También puede hacer que descartemos algo antes de preguntarnos si realmente nos gusta.

Vale la pena detenerse ahí. ¿Elegiste esa prenda porque disfrutas cómo se ve y cómo se siente? ¿O porque crees que deberías verte de cierta manera? La respuesta puede cambiar según el día. Reconocerla te da más espacio para decidir.

Tu gusto puede tener distintas versiones

Puedes disfrutar el encaje y preferir líneas sencillas al día siguiente. Buscar mayor cobertura para un look y elegir un bralette para otro. Tener ganas de seducir o dedicarle atención a tu ropa interior simplemente porque te gusta.

No hace falta convertir una preferencia en una personalidad permanente. El estilo también admite contradicciones, cambios y descubrimientos.

En ese abanico se encuentra Aylon, una empresa mexicana cuyo catálogo reúne lencería y prendas moldeadoras. Entre sus opciones aparecen bodies de acabado sedoso, bralettes y coordinados con detalles de encaje, distintas propuestas desde las que explorar qué te gusta llevar.

Cómo se ve es parte de la elección

La primera impresión frente al espejo importa. Después viene algo igual de personal: cómo te sientes al usar la prenda. Observa el ajuste, la textura y la cobertura. Revisa la guía de tallas y piensa en la ropa con la que quieres combinarla. Una imagen puede darte una idea; la elección necesita considerar tu rutina y tus preferencias.

Con las prendas moldeadoras, conviene empezar por lo que buscas en un conjunto: determinado acabado bajo la ropa, una sensación de soporte o cierta cobertura. Son decisiones de vestuario que puedes tomar según la ocasión y cambiar cuando quieras.

El placer de elegirlo tú

Vestirte para una cita puede ser divertido. Elegir algo pensando en otra persona también puede formar parte de la complicidad. La pregunta es si tú estás disfrutando esa elección.

Antes de tu próxima compra, prueba imaginar la prenda fuera de la foto, de la tendencia y de cualquier comentario. ¿Te gustaría llevarla? ¿Tiene lugar en tu vida? ¿Te permite sentirte como quieres ese día? Quizá la respuesta sea un body negro, un conjunto con encaje o el básico al que siempre vuelves. Lo interesante es poder reconocer tu gusto en esa decisión. Y que, al mirarte al espejo, tu propia opinión tenga un lugar.

El escote, la caída y el largo del vestido también cuentan al elegir la ropa interior. Conoce cómo integrar una prenda moldeadora de Control Secrets a tu próximo look de invitada.

Tienes el vestido, los zapatos y los accesorios. Incluso sabes cómo vas a peinarte. Pero antes de dar por terminado tu look, hay un detalle que merece su propia prueba frente al espejo: lo que llevarás debajo.

Elegir ropa interior para un vestido de fiesta empieza por observar su diseño. Una espalda descubierta, una tela ligera o una silueta ajustada necesitan soluciones distintas. Las prendas moldeadoras de Control Secrets suman opciones para quienes buscan dar soporte y estilizar la figura al vestirse para una ocasión especial.

Deja que el vestido marque la pauta

Antes de elegir una prenda interior, revisa tres puntos: el escote, la espalda y las aberturas. Estos detalles definen qué tanta cobertura puedes llevar sin que asome por donde no quieres.

Si el vestido tiene tirantes delgados o una espalda baja, comprueba que la ropa interior quede dentro de sus líneas. Cuando hay una abertura en la falda, conviene revisar también qué sucede al caminar y sentarte: el largo de una prenda tipo short puede quedar oculto de pie y hacerse visible en movimiento.

Body, short o panty: encuentra tu combinación

Un body moldeador puede ser una opción cuando buscas cobertura en el torso y el corte del vestido permite ocultarlo. Control Secrets cuenta con modelos tipo body de compresión alta, además de camisetas tipo faja, dentro de su oferta en Liverpool.

Las fajas tipo short o bóxer son una alternativa si prefieres mayor cobertura hacia los muslos. Para vestidos cortos o con aberturas, una faja tipo panty puede facilitar la combinación. La elección depende del modelo específico y de cómo se acomode bajo tu vestido.

El acabado también importa

En telas ligeras o prendas muy ajustadas, revisa cómo se perciben los bordes, las costuras y los cambios de textura. Prueba el conjunto con buena luz y observa el resultado de frente, de perfil y de espaldas.

El color merece la misma atención. Si buscas discreción bajo una tela clara, empieza por probar un tono cercano al de tu piel y verifica el efecto con el vestido puesto.

Haz una prueba antes de la fiesta

Consulta la guía de tallas del modelo y dedica unos minutos a caminar, sentarte y moverte con el look completo. Comprueba que los tirantes se mantengan en su lugar, que los bordes no se enrollen y que te sientas cómoda.

Para integrar Control Secrets a tu próximo look de fiesta, empieza por el vestido y por la cobertura que tú prefieres. El mejor detalle es ese que te permite salir de casa con el conjunto resuelto y dedicarte a disfrutar la celebración.

La moda latinoamericana vuelve a mirar hacia Europa con una propuesta que encuentra en la materia, la artesanía y la luz un nuevo lenguaje de expresión. El próximo 28 de septiembre, Nicteel by Owana Lima presentará en Milán su nueva colección, “Eternally the Light”, como parte de la plataforma GX Fashion Week.

La propuesta de la diseñadora guatemalteca Owana Lima parte de una idea tan esencial como poderosa: la luz como una presencia eterna. El instante en que la claridad transforma el paisaje, revela la materia y convierte cada sombra en una dimensión nueva se convierte en el punto de partida de una colección que explora la tensión entre luminosidad y oscuridad, permanencia y metamorfosis.

En Eternally the Light, la luz no es únicamente una referencia estética: es una metáfora de identidad, evolución y permanencia.

El destello que esculpe la materia

Uno de los grandes protagonistas de esta nueva propuesta es la lana orgánica, reinterpretada mediante un proceso experimental desarrollado especialmente para la colección.

A través de esta técnica, la fibra adquiere una nueva dimensión. Las siluetas escultóricas se transforman en superficies vivas, envolventes y profundamente sensoriales, capaces de atrapar, reflejar y preservar la luz sobre el cuerpo. La lana deja así de ser simplemente un material para convertirse en una herramienta de construcción artística.

Su estructura, volumen y relieve generan composiciones que evocan el movimiento de la luz y, al mismo tiempo, establecen un diálogo esencial entre cuerpo, tierra y tiempo.

Cincelar el instante en la memoria del tiempo

Cada creación de Eternally the Light representa un instante:

• El amanecer que sucede a la oscuridad.
• El fulgor que permanece.
• La energía de aquello que, aun atravesando el tiempo, continúa iluminando.

En manos de Owana Lima, la transformación de la lana orgánica se convierte en una exploración sobre la permanencia. La materia cambia, se transforma y adquiere nuevas formas, pero conserva su esencia.

“La luz no se extingue; se transforma.”

Esta frase resume el espíritu de una colección que entiende la moda como un territorio de investigación, identidad y expresión artística. Y es precisamente en esa transformación donde Nicteel encuentra su nueva belleza.

El eco ancestral que susurra al mañana

La llegada de Nicteel a Milán representa también la evolución de una identidad construida desde Guatemala.

Fundada por Owana Lima, la marca ha desarrollado una propuesta que conecta el diseño contemporáneo con la riqueza artesanal y cultural de su país. El trabajo conjunto con artesanos guatemaltecos constituye uno de los pilares de su lenguaje creativo, incorporando técnicas, materiales y saberes que forman parte de la memoria textil de Guatemala.

La trayectoria de la diseñadora demuestra que tradición y vanguardia no tienen por qué ocupar extremos opuestos:

• Nueva York (2018): En 2018, Owana Lima llevó Nicteel a New York Fashion Week, donde presentó diseños realizados con textiles y elementos elaborados por artesanos guatemaltecos de regiones como Chichicastenango y Sololá, compartiendo escenario con marcas de la talla de Victoria Beckham, Marc Jacobs, Oscar de la Renta y Jason Wu.
• Milán (2023): En 2023 mostró una colección en la Fondazione Stelline, dentro de la programación vinculada a la semana de la moda, exclamando el potencial creativo y la riqueza cultural de Guatemala desde una perspectiva sostenible.
• Guatemala (2024 – 2026): En la Semana de la Moda Guatemala 2024, Vogue México destacó su propuesta 4to elemento, y recientemente, en la edición 2026, presentó Ethereal Distortion, profundizando en texturas orgánicas y construcción escultórica.

Hilar un puente entre la raíz y el cosmos

La trayectoria de Owana Lima se construye desde el encuentro entre formación internacional, identidad latinoamericana y artesanía guatemalteca.

Su formación vinculada al Istituto Marangoni forma parte de una visión que entiende la moda desde una perspectiva global, mientras que sus raíces guatemaltecas determinan el carácter de una marca que ha hecho de la artesanía y la identidad cultural uno de sus principales elementos de diferenciación.

La diseñadora ha sido reconocida con el Galardón de Guatemaltecos Ilustres, el reconocimiento 100 Mujeres Destacadas y el Star for Leadership in Quality Award, además de ser nombrada embajadora de la moda por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Guatemala.

Su filosofía parte de una premisa clara: llevar la riqueza de Guatemala al mundo sin despojarla de su esencia. Por eso, cada colaboración con artesanos representa un puente entre generaciones, una forma de preservar conocimiento y una oportunidad para llevarlo a nuevos territorios creativos.

Donde la penumbra florece en belleza eterna

La presentación de Eternally the Light en Milán representa un nuevo capítulo para Nicteel by Owana Lima. En una ciudad donde la tradición artesanal convive con la experimentación, la arquitectura y el diseño, la propuesta encuentra un escenario natural para expresar su visión.

La colección propone mirar la moda desde otro lugar: no solamente como una sucesión de prendas, sino como una experiencia sensorial donde materia, luz, cuerpo y memoria forman parte de una misma narrativa.

Desde Guatemala hasta Milán, Owana Lima continúa construyendo un lenguaje propio donde la lana se convierte en escultura, la artesanía se transforma en alta moda y la tradición encuentra nuevas formas de existir.

Porque para Nicteel, la luz nunca desaparece. Se transforma. Y en esa transformación nace la belleza.

SOBRE NICTEEL BY OWANA LIMA

Nicteel by Owana Lima es una firma guatemalteca de moda, accesorios y piezas de diseño que fusiona técnicas artesanales, materiales naturales e identidad cultural con una visión contemporánea. La marca ha llevado su propuesta a escenarios internacionales como New York Fashion Week y Milán, y ha sido reconocida por medios especializados por su trabajo en torno a la artesanía guatemalteca y la sostenibilidad.

• Diseñadora: Owana Lima
• País: Guatemala
• Colección: Eternally the Light
• Presentación: 28 de septiembre de 2026
• Ciudad: Milán, Italia
• Plataforma: GX Fashion Week
• Instagram: @nicteelfashiongt

Llega septiembre y con él esa mezcla deliciosa de antojo de pozole y ganas de sacar algo verde, blanco o rojo del clóset. Entre nos, el tricolor se ve increíble siempre que lo lleves como un guiño tuyo y no como uniforme. La clave está en elegir una sola idea y ejecutarla bien. Aquí van tres formas de sumarte a la fiesta, puedes mezclarlas o quedarte con una sola; lo importante es que la lleves con seguridad.

El maquillaje a lo Frida

Si buscas algo lograble y sin gastar de más, empieza por la cara. Un labial rojo mate, unas cejas pobladas y bien peinadas, la piel fresca y luminosa y —si te animas— unas flores en el pelo. Es el homenaje más directo a Frida Kahlo y lo mejor es que funciona sobre cualquier blusa blanca que ya tengas colgada. No necesitas invertir en un outfit nuevo: el rojo en los labios hace todo el trabajo, se ve poderoso en persona y espectacular en las fotos. Un tip: elige un rojo con subtono cálido si tu piel es morena y remátalo con un delineado sencillo para que la mirada también hable.

Una pieza bordada con historia

Aquí va mi consejo con el corazón: invierte en una sola pieza artesanal y deja que se robe el show. Un chaleco bordado, un rebozo o una bolsa tejida levantan al instante un look sencillo de playera y pantalón, y cuentan una historia que ninguna prenda de fábrica puede imitar. Y por favor, cómprala directo con artesanas y artesanos mexicanos, en cooperativas o mercados de la comunidad: pagar el precio justo es darle valor a nuestra gente y a un oficio que carga siglos de técnica. La diferencia se siente en la prenda, en la calidad del hilo y en la intención con la que la portas.

Saca el jersey verde

Y para las que aún traen el corazoncito futbolero, aunque todavía duela un poquito, el Mundial que vivimos en casa nos regaló una alegría que vale la pena revivir. Rescata tu jersey verde de la Selección y llévalo con una falda tableada blanca, lentes de sol y unas arracadas doradas. Así deja de ser ropa de estadio y se convierte en un look con actitud, cómodo y fresco para la noche del Grito. Si quieres subirle el nivel, mete la playera dentro de la falda, suma unos tenis blancos o unas sandalias y listo: gritas “¡Viva México!” sin perder ni una pizca de estilo.

El otoño es cuando las texturas se ponen interesantes. Después de meses de lino y algodón, de pronto todo pide gamuza, encaje, organza. Y aunque suene a mucho, vestirte bien esta temporada no se trata de complicarte, sino de elegir las piezas correctas. Estas seis tendencias son justo eso: fáciles de incorporar, imposibles de arruinar y con ese aire elevado que define el fall. Aquí está todo lo que vas a querer usar, con tres versiones de cada pieza clave.

Cocoa Season
La pieza ancla del otoño es la chamarra tipo barn en gamuza. La silueta utilitaria de siempre, con corte holgado, cuello camisero y bolsillos de parche, pero en ante suave, que es lo que la vuelve especial. El truco no es solo la chamarra, es la paleta: combínala con piezas en tono cocoa, esos cafés profundos que dominan la temporada (espresso, moka, cacao). Un bolso chocolate, unos jeans cafés, cualquier cosa en esa gama la eleva al instante.

Prep Talk
El polo de rayas es el regreso más preppy del otoño y el más fácil de usar. Ese cuello con solapa que asoma bajo un saco o una chamarra le da estructura sin que lo pienses, y las rayas en tonos otoñales como el café, vino o azul, hacen todo el trabajo de color por ti. Póntelo con jeans rectos, mételo en una falda o llévalo de capa bajo la chamarra de gamuza para ese aire old money, pulido pero relajado.

Croc Effect
El grabado cocodrilo es el atajo más rápido para que un accesorio se vea de diseñador sin serlo. Esa textura en relieve le da presencia a cualquier bolso, y este otoño se lleva en tonos ricos: negro clásico, pero también verde y oxblood, que son los que se sienten nuevos. Empieza con un bolso pequeño para probar el terreno o con una billetera a juego, puro carácter en formato mini.

Hands On
Los guantes de piel a la muñeca son el detalle que separa a la que se viste bien de la que se viste increíble. Regresaron con fuerza y funcionan igual como pieza práctica que como statement. Unos guantes negros de napa con un abrigo camel son un look completo por sí solo. La clave está en el largo justo a la muñeca, más moderno que el guante largo. Van con todo y suben el nivel en dos segundos.

Layered Organza
La organza en capas es la forma más elegante de meter transparencia sin sentirte expuesta. Esa tela vaporosa que se mueve con cada paso le da drama a un look por más simple que sea el resto. Una falda de organza sobre un slip, o un vestido traslúcido con algo debajo, se ve etéreo aunque te tome dos minutos armarlo. En negro es sofisticado y nocturno, perfecto para una cena o una boda de otoño.

Soft & Tough
El encaje con piel es el contraste perfecto, lo delicado contra lo rudo, lo romántico contra lo rebelde. La fórmula es sencilla, un top de encaje que se asome bajo una bomber de piel y de pronto tienes un look con intención. Es la manera de usar encaje sin verte cursi y piel sin verte dura. La bomber hace lo pesado, el encaje aporta lo suave, y juntos crean algo más interesante que cualquiera por separado.

La fotografía de dos mujeres encendiendo sus cigarrillos mientras descansan en la parte trasera de un automóvil fue suficiente para que Nicky Zimmermann encontrara el hilo conductor de su nueva colección. Aquella imagen, protagonizada por Kathleen Howell y Jean Robertson durante una de las primeras travesías femeninas por carretera a través de Australia, condensaba el espíritu que buscaba para el otoño de 2026: determinación, libertad y una elegancia que nunca necesitó llamar la atención.

Las referencias continúan con otras figuras que transformaron la historia australiana durante la década de 1920. La escritora Miles Franklin, promotora de nuevas voces femeninas, aparece junto a las primeras selecciones nacionales de críquet integradas exclusivamente por mujeres. No compartían profesión ni origen, pero sí una misma convicción: ocupar espacios que hasta entonces parecían reservados para otros. Esa actitud atraviesa la colección sin convertirse en un disfraz de época.

La pasarela abre con prendas que evocan el lenguaje del uniforme. Monos de líneas limpias, trajes de construcción precisa y referencias deportivas dibujan una silueta práctica, casi austera. Conforme avanza el recorrido, las formas se relajan. La rigidez cede terreno a vestidos de seda, piezas inspiradas en la lencería y tejidos que responden al movimiento del cuerpo con absoluta naturalidad.

El diálogo entre códigos masculinos y femeninos aparece sin estridencias. Los pañuelos de seda estampados con escenas de aviación y deporte abandonan el cuello para convertirse en vestidos y faldas de caída ligera. Los tradicionales uniformes blancos del críquet encuentran continuidad en impecables trajes color crema, mientras una chaqueta vaquera de inspiración aviador comparte protagonismo con un conjunto verde lima que aporta un inesperado punto de frescura.

Las capas construyen buena parte del discurso visual de la temporada. Piel de oveja, terciopelo, seda y tejidos de punto se suceden con una lógica que privilegia la textura antes que el volumen. Camisas de mangas amplias aparecen bajo monos tipo bomber; las prendas escultóricas envuelven vestidos ligeros y generan una sensación permanente de transformación, como si cada conjunto admitiera distintas vidas dependiendo de quién lo lleve puesto.

La fluidez permanece como uno de los rasgos distintivos de ZIMMERMANN. Un vestido cruzado con encaje oscila sobre jeans de pierna ancha; una chamarra bomber de cuero azul tiza adquiere otra dimensión junto a una falda de seda con volantes, mientras el cuero color caoba abraza la silueta sin perder movilidad. Corbatas, pañuelos anudados y volantes en cascada acompañan cada paso, recordando que el diseño termina de cobrar sentido cuando la prenda abandona el perchero y comienza a moverse con quien la viste.

La colección evita el recurso fácil de reproducir la estética de los años veinte. Prefiere recuperar el impulso de aquellas mujeres que eligieron conducir, escribir, competir o explorar cuando hacerlo significaba desafiar las convenciones de su tiempo. Ese gesto, casi un siglo después, sigue encontrando eco en un guardarropa que entiende la sofisticación como una consecuencia natural de la libertad, nunca como un adorno.

La moda siempre ha encontrado escenarios para reinventarse. Algunas veces ocupa museos, otras interviene edificios históricos y, de vez en cuando, decide instalarse alrededor de una mesa. Esa fue la apuesta de Diego Cerón para celebrar veinte años de trayectoria: abandonar el recorrido lineal de una pasarela y construir una velada donde cada elemento formara parte del mismo relato.

Bajo el nombre Couture à Table, el diseñador reunió alta costura, gastronomía y arte drag en Hotel Sureño durante el Mes del Orgullo. La presentación de veinte looks ocurrió entre platillos, iluminación teatral y performances que transformaron el espacio en una puesta en escena donde la ropa convivía con la música, los gestos y la interpretación.

La dirección creativa también encontró inspiración en figuras de la cultura popular. Personajes como María Antonieta, Audrey Hepburn, Frida Kahlo, RuPaul y Taylor Swift sirvieron como punto de partida para construir un espectáculo que evitó la copia y prefirió reinterpretar símbolos reconocibles desde la estética de Cerón. El drag apareció como un lenguaje artístico capaz de dialogar con la confección, ampliando el alcance de cada pieza presentada.

La colección nunca quedó aislada sobre el cuerpo de las modelos. Cada salida respondía a una narrativa que envolvía al espectador y modificaba la manera habitual de observar una prenda. La mesa dejó de ser únicamente un lugar para compartir alimentos; se convirtió en el centro de una historia donde el diseño se descubría desde distintos ángulos, acompañado por una atmósfera cuidadosamente construida.

Celebrar veinte años de carrera podía convertirse en un ejercicio de nostalgia. Diego Cerón eligió otro camino. En lugar de mirar hacia el archivo de su firma, decidió explorar nuevas formas de presentar su trabajo y abrir la conversación sobre el futuro de la moda. Couture à Table habla precisamente de esa inquietud: entender que el lujo contemporáneo también se construye a través de las emociones, la sorpresa y la capacidad de convertir una colección en un recuerdo compartido.

Lejos del desfile tradicional, Cerón demuestra que la alta costura todavía tiene espacio para encontrar formatos distintos. A veces basta con cambiar la pasarela por una mesa para descubrir otra manera de contar una historia.

Hay una imagen con la que conviene empezar, porque contiene casi todo lo demás. Una oficina en Los Ángeles, hace algunos años. Código de vestimenta formal. Maritza Cárdenas lo cumple de la cintura para arriba y lo reta de la cintura para abajo: lleva huaraches de colores, todos los días, debajo de la ropa de trabajo. Es la única mexicana de la empresa. Y no los usa por comodidad ni por descuido, sino por algo más parecido a una declaración. “Yo iba orgullosa”, cuenta.

Para mí era algo muy mío, que me representa mucho, algo que ellos no tenían”.

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Sus compañeras empezaron a preguntarle de dónde eran. Le decían que habían visto unos parecidos en sus vacaciones en Puerto Vallarta. Hasta que una le soltó la frase que tardaría años en convertirse en realidad: pero, ¿por qué están tan bonitos? Deberías venderlos. Ahí, sin saberlo todavía, ya estaba Cayucas: un objeto que viene de un lugar muy específico, puesto en un contexto que no es el suyo, y que precisamente por eso, llama la atención. La marca que Maritza construiría después no inventó nada de eso. Solo le puso nombre a una costumbre que ella ya tenía, la de llevar su origen a todos lados.

Una oficina en Los Ángeles

Maritza creció en Los Ángeles, en una familia originaria de Sahuayo, Michoacán. Cuenta que regresaba dos veces al año y que su abuelo tenía un taller de sombreros al fondo de la casa, uno de esos que en Sahuayo son parte del paisaje doméstico, donde el oficio y la vida familiar ocupan el mismo patio.

Conviene entender el lugar, en Sahuayo más de la mitad de la población trabaja en esta industria. Si en cualquier mercado de México preguntas de dónde vienen los huaraches que se venden, lo más probable es que te respondan que de ahí. “Cuando vas al pueblo —digo, ya es ciudad, porque hay McDonald’s— ves a las señoras tejiendo y los talleres al fondo de las casas”.

Pero, esto es lo interesante, Maritza no adoptó el huarache de niña. Hubo un paréntesis y no fue casual. Su mamá murió cuando ella tenía catorce años, y durante la adolescencia la moda dejó de importarle: lo único que ocupaba su cabeza, dice, era sobrevivir. El reencuentro llegó ya en sus veintes, cuando, en sus palabras, volvió a saber quién era. Una tía le regaló un par de huaraches hechos por un artesano que había ganado un concurso de artesanías en Michoacán, y prendió de golpe. Volver al huarache fue, de algún modo, volver a sí misma.

Mientras viví en Los Ángeles yo no tenía calcetines, porque lo único que usaba eran mis huaraches”.

Cada vez que volvía a Sahuayo se traía más pares. Los usó en la playa, en citas, en la oficina. El clima de California ayudaba, pero el gesto era otro: era una manera de no soltar Sahuayo mientras vivía en otra parte. Cuando después se mudó a Nueva York y llegó el frío, ese gesto se volvió un problema práctico, “con los pies helados”, y, sin querer, una pregunta de diseño: ¿cómo se lleva un huarache a una vida que ya no siempre se presta para él?

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De Los Ángeles a Sahuayo

Antes de vender un solo par, Maritza tenía clarísimo el modelo que no quería seguir. Había visto marcas fundadas por extranjeros que producían en Sahuayo, a veces con los mismos artesanos, y vendían afuera. Los artesanos se lo contaban: son foráneos, no entienden cómo se trabaja y a veces llegan a exigir.

No quería ser alguien que solamente toma de mi pueblo, se enriquece y vende”.

Así que hizo algo poco habitual para quien quiere lanzar una marca: se fue a Sahuayo a escuchar. Se metió a las casas y a los talleres con dos preguntas, qué les gusta de esta industria y qué no, y se quedó con las respuestas.

Lo que salió no era solo un asunto de salarios. Era la falta de algo más de fondo. “Mi meta grande es que un chavo que esté en la prepa diga: oye, aquí hay una carrera. Como diseñador, como cualquier cosa. Una carrera real, porque no existe”. Y de ahí sale su frase más filosa, la que resume su postura entera sobre un tema que en México está a flor de piel:

Veo que otras marcas se enfocan mucho en el ‘pobrecitos artesanos’ y a mí me choca. Porque digo: ¿qué pobrecitos?”.

No es indiferencia, es lo contrario. Lo que le molesta es el tono de rescate, esa manera de hablar de quien produce como si necesitara ser salvado. Incluso tiene pensada una campaña donde las personas del taller muestren su día, no como beneficiarios de nada, sino como lo que son, artesanos.

Antes del éxito

El primer intento se llamó Morenita Mía. La idea era empezar por el taller, montar uno propio, resolver ahí los problemas que había detectado, crecer desde ese punto. La pregunta obvia la frenó: ¿con qué dinero? Se quedó atorada. El nombre le gustaba pero no se sentía marca —no era Vans, no era Toms— y los modelos eran tradicionales, muy amarillos, muy del huarache de siempre. Gustaban, pero algo faltaba. La cerró.

Entre el comienzo de todo y el lanzamiento de Cayucas pasaron siete años. Es el dato que Maritza pone sobre la mesa cada vez que alguien confunde su historia con un éxito repentino. “Hay gente que uno ve en línea y dice ay, luego luego el éxito, y dices qué bueno, pero, ¿cómo le hizo? Y no. Esto ya es práctica y lo que he aprendido de tanto tiempo”.

Cuando por fin reinició, lo hizo con dinero de una salida: seis años en una empresa de telefonía, una startup que terminó vendiéndose, y su parte de esa venta convertida en capital semilla. El nuevo nombre le costó meses. Su primera opción, Vayas (a donde vayas), ya estaba registrada, y quería uno que sonara a marca, que significara algo y que se pudiera decir en cualquier idioma. Tuvo post-its por todo el cuarto hasta que apareció Cayucas.

Cómo se diseña

Aquí hay una distinción que Maritza corrige apenas puede, y que sostiene toda la marca. La lectura fácil es que Cayucas moderniza el huarache. Ella dice que no.

Hay gente que se molesta con eso. Yo estoy tomando lo tradicional y diciendo que lo puedes usar. Sí, cambiándole la forma, no ‘elevándolo’, pero agregando elementos para que uno lo incluya en su día a día”.

El proceso no se toca. El tejido es el mismo, el ensamble es el mismo, las manos son las mismas. Lo que cambia es el vocabulario de alrededor.

Para entender cómo se diseña dentro de esa regla hay que saber cómo se compra. Los talleres de Sahuayo trabajan con catálogo, el artesano ofrece los modelos que domina y el cliente escoge de ahí. Es un sistema que protege el oficio y que limita cuánto puede desviarse cualquiera. Maritza empezó dentro de esas reglas y luego se puso a intervenirlas, modelo por modelo, con su amiga Jenny, en un fin de semana en la Ciudad de México en el que la primera colección todavía “no parecían primos”.

Intervenir sin romper

La primera decisión no fue un modelo sino un común denominador, la suela negra en casi toda la línea. Al principio sonó a herejía, “Isabel me dijo: ¿todas? ¿Cómo que negras, Mari? Es que el negro no se ve”, y hoy es la firma de la marca. Aterriza el zapato, le da un piso parejo y deja que el tejido y el color se lleven la mirada. Es lo que hace que un huarache, un objeto que uno asocia con lo veraniego, de pronto se vea terminado, como para llevarlo a la oficina.

Sobre esa base, la colección se abre en abanico, de la sandalia al mocasín, con nombres de mujer y de hombre, y cada modelo apunta a un momento distinto del día. Alma, el modelo más vendido de la marca, es una sandalia verde tejida en tiras sobre la suela negra, el modelo que mejor traduce la idea de un huarache hecho en Sahuayo y pensado para todas partes. Lucía es la sandalia de diario, de trenzas finas en tonos crema, pensada para no quitártela en todo el verano. Para el fin de semana está Inés, un mule plano de tejido en verde y crema. Y el Cruz, un mule negro total para hombre, es el básico que se pone sin pensar.

Los tacones son donde el oficio se pone a prueba. Marisol, “the city mule”, lleva un tejido de tablero en blanco y negro sobre un tacón de bloque, una combinación de damero y altura que no es común de ver en un huarache. Isela, pensada para tardes de galería, lleva ese mismo tacón bajo un tejido negro calado, más vestidor. Levantar un huarache tejido a un tacón sin que pierda estructura es, técnicamente, de lo más difícil de la línea.

Y para ellos, la marca reinterpreta el mocasín clásico. El Noa, “the timeless original”, en piel tostada con el tejido tradicional a la vista; el Tomás, café con agujeta, para el camino largo a casa; y el Elena, un mocasín negro de ciudad. Son el ancla tradicional de la colección, el punto de partida sobre el que todo lo demás juega.

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El color no es accesorio. Maritza estudió la paleta por temporada, y de ahí salió el verde que terminó agotándose primero, un tono que no es el amarillo del huarache de siempre ni pretende serlo, sino que conversa con lo que la gente ya trae puesto.

La piel llegó por consejo del taller, y aquí Maritza cede el criterio a quien sabe. Cuando propuso su paleta, le respondieron con una preferencia técnica, que prefieren la piel curtida al vegetal antes que la pintada, por cómo envejece. La curtida al vegetal se ablanda con el uso y se va marcando con el tiempo, de manera que cada par termina contando la vida de quien lo trae, lo contrario del zapato desechable de temporada. Algunos tonos, como el beige, sí van pintados a mano. “Quiero recalcar la experiencia de Calzado Trova. Ellos son los que escogen la piel”, nos comenta.

El modelo más bonito, sin embargo, salió de un no. Para los tejidos complicados hay que ir con la maestra tejedora. Dulce vive en Jiquilpan, muy cerca de Sahuayo, y es originaria de Santa Bárbara, Jalisco, de donde proviene la mayoría de las personas que tejen la colección. Maritza llegó a su casa con la imagen de un cruzado que había visto en otro tipo de calzado. Dulce lo intentó y le dijo que no se podía, que al tejerlo la pieza no cerraba completa. Se quedaron un rato moviéndolo, a ver qué quedaba. Y lo que quedó, un cruzado que ninguna de las dos había planeado, hoy es parte de la colección.

Salió como un error. Sabíamos que lo era. Y al final dijimos: este es”.

Es, de hecho, la mejor definición de lo que la marca dice de sí misma. En su propia comunicación, Cayucas lo pone en tres líneas. No reemplazar la tradición. No reinventarla. Celebrarla.

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Crecer juntos

Cayucas produce con Calzado Trova, sus principales socios artesanos, con más de diez años haciendo huaraches en Sahuayo. Maritza los nombra cada vez que puede, y la mecánica de precios la cuenta sin rodeos. Se empieza por muestra, el taller pone su precio, ella lo paga; luego el taller da precio por volumen, y también lo paga. “Yo nunca les he dicho hay que regatear o cóbrenme menos”.

Lo notable es lo que viene después, porque en vez de presumir influencia, admite que no la tiene. Le preocupan los talleres que no ofrecen prestaciones, pero con 150 pares en su primera orden, la colección entera, sabe que no está en posición de exigirle nada a nadie. “Yo soy una clienta tan pequeña que no tengo el derecho de irles a decir vayan y aseguren a todos”. Su plan es al revés del discurso habitual, crecer lo suficiente para volverse un cliente que pese, y desde ahí empujar. Mientras tanto, hace lo que sí puede, pagar lo que le piden y poner el nombre del taller en todos lados.

Y hay un primer brote de la carrera que soñaba en aquellas entrevistas. Cuando le preguntó a Dulce qué le gustaría hacer, la respuesta fue que le pagaran por diseñar. “Qué genial poder decir ‘Dulce, ya no eres solo tejedora, también eres diseñadora’”.

Su consejo para cualquier marca que quiera trabajar con artesanos cabe en una línea, y es la misma lógica de todo lo anterior.

Tienes que tomarte el tiempo de conocerlos. No como trabajadores, sino como personas”.

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Dar la cara

Cayucas se financió en Kickstarter, con 128 personas y 17,865 dólares sobre una meta de 15,000. Pero el dinero, dice, era la mitad del punto. “Lo busqué como validación. Si no hay comunidad que crea en Cayucas, no voy a existir”.

Lo difícil fue lo otro, ponerse ella al frente. Maritza describe a la marca casi como un personaje, “es mi alter ego, es una girl”, y le costó pasar de detrás de esa figura a la primera línea. “¿Cómo me voy a subir yo, si no soy como las chavas, no soy influencer? Soy yo”. Temía parecer que rogaba.

Contar la historia y ser vulnerable, decir qué quiero hacer con este proyecto. Fue lo más difícil”.

El mes de la campaña coincidió con todo lo demás. Había dejado su trabajo, se había salido del departamento que compartía, vivía en casa de su novio. “Estaba homeless”, dice, y ríe. Faltando unos mil quinientos dólares para la meta, mandó un correo a su lista y le llegó una donación de mil dólares de un hombre con el que había trabajado años atrás y con quien no hablaba desde entonces. “Ni un huarache le mandé, porque no los tenía. Dije: la gente en realidad cree en mí”.

Hasta su papá cedió. De niño le hicieron burla en la escuela por usar huaraches, y le había dicho a su hija que no quería volver a verlos. Después del lanzamiento le dijo otra cosa. “Sí le estás echando ganas. Sí te he visto”.

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La gente lleva Sahuayo

La primera colección se agotó en minutos. Detrás hubo un caos de bodegas y sobreventa, pero el saldo es claro. Sumando la campaña de fondeo, cerca de doscientas personas tienen ya un par de Cayucas, y la reorden está pedida. Lo que sigue no son modelos nuevos sino colores, un vino tinto, un café, tonos de otoño. Maritza prefiere sostener los estilos doce meses o más antes de moverlos. Pero la parte que más la mueve no es la logística. Es lo que pasa cuando alguien abre la caja, y ahí vuelve el hilo del principio, ahora dicho de frente.

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Quiero que los abran y digan: voy a llevar mi cultura puesta todos los días. Pensar que estás llevando tu cultura a momentos tan modernos, al café. Qué bonito, la mezcla de los dos”.

Es la misma idea de aquella oficina de Los Ángeles, cerrada en círculo, el gesto de cargar el lugar de donde vienes a todos los lugares a los que vas. Solo que ahora no es una costumbre privada, sino algo que le empaqueta a doscientas personas más. Cuando ve a una desconocida en TikTok probándose sus huaraches frente al espejo, lo que reconoce es eso. “Wow, la gente lleva Sahuayo”.

La ambición de fondo es que Cayucas sea la marca mexicana de huaraches, la respuesta obligada cuando alguien pregunte por una. Lo cual vuelve más honesta la frase con la que cierra, viniendo de quien acaba de vender todo su inventario. “Yo siempre digo: vayan y compren en los mercados. Me gustaría que la gente conozca que Cayucas existe, pero que también vayan al puestito. Yo los voy a seguir comprando”. Tiene sentido, si uno lo piensa. Una marca que nació de no querer soltar el origen difícilmente iba a pedirte que soltaras el tuyo.

Cayucas se hace a mano en colaboración con Calzado Trova, sus principales socios artesanos en Sahuayo, Michoacán, y las tejedoras originarias de Santa Bárbara, Jalisco, encabezadas por la maestra tejedora Dulce.

Apuesta por el estilismo inteligente: las piezas clave que transforman prendas básicas en atuendos de alto impacto sin comprometer tu presupuesto.

Asistir a un concierto o festival se ha convertido en una oportunidad para experimentar con la moda y expresar un estilo propio. Sin embargo, armar un atuendo icónico para la ocasión no exige renovar todo el guardarropa ni realizar grandes inversiones. La verdadera clave de la estética de festival reside en la dirección de arte de los accesorios: piezas estratégicas capaces de transformar prendas sencillas —como unos jeans clásicos o una camiseta básica— en una propuesta memorable.

El secreto para lograr un look de impacto sin gastar de más está en saber equilibrar la funcionalidad con la tendencia, eligiendo elementos de máxima presencia visual que puedan reutilizarse en múltiples ocasiones.

LOS ACCESORIOS CLAVE 
Piezas estratégicas para transformar tu atuendo:
• Joyería superpuesta (Layering): combinación de cadenas de distintas alturas 
  y texturas metálicas sobre camisetas neutras.
• Cinturones de declaración: diseños con hebillas de impacto o detalles vaqueros 
  que estructuran la silueta.
• Pañuelos y bandanas: accesorios versátiles para el cuello, el cabello 
  o anudados a un bolso casual.
• Lentes de sol con personalidad: armazones retro o de tonos llamativos 
  que definen el rostro.

La física del impacto visual

En un concierto, la comodidad es innegociable, pero el carácter del atuendo lo determinan las capas superiores. La superposición de collares, pulseras gruesas o anillos de inspiración artesanal crea una sensación de riqueza visual sin alterar la practicidad de la vestimenta base.

Optar por bolsos estilo crossbody en materiales sintéticos estructurados o acabados metálicos cumple una doble función: mantiene las pertenencias seguras mientras funciona como un elemento central del estilismo. Asimismo, sumar capas ligeras como chaquetas con tachuelas o kimonos fluidos permite jugar con las proporciones y las texturas a lo largo del evento.

Estilo inteligente y reutilizable

Elevar un atuendo de concierto sin exceder el presupuesto consiste en invertir en accesorios versátiles en lugar de prendas de una sola puesta. Al seleccionar piezas con personalidad que complementen el fondo de armario diario, se logra una propuesta fresca, funcional y en tendencia sin gastos innecesarios.