Las siluetas relajadas, los colores contenidos y una nueva atención al detalle están cambiando la manera de vestir junto al agua. En 2026, el traje de baño masculino deja de ser una prenda secundaria para convertirse en parte del estilo completo.

El largo se relaja (pero no desaparece la estructura)

Durante varios años, los extremos dominaron la conversación: shorts muy cortos o modelos excesivamente amplios. Para 2026, el equilibrio parece ganar terreno.

Los trajes de baño masculinos empiezan a estabilizarse en largos medios, con cortes que llegan aproximadamente a medio muslo o ligeramente arriba de la rodilla. El objetivo ya no es llamar la atención desde la silueta, sino construir una proporción más natural y fácil de llevar. La comodidad sigue siendo importante, pero aparece acompañada por una idea más cuidada de diseño.

Menos estampado tropical, más color pensado

Si hubo una estética dominante durante años fue la del estampado vacacional evidente. Para 2026, el lenguaje cambia.

Empiezan a aparecer:

• tonos arena y piedra
• verdes profundos
• azul profundo
• vino oscuro
• café chocolate
• combinaciones monocromáticas

Eso no significa que desaparezcan los estampados, pero sí que se vuelven más contenidos: rayas suaves, referencias gráficas discretas y texturas visuales que funcionan también fuera de la playa. La idea es simple: que el traje de baño pueda convivir con una camisa abierta o una sobrecamisa sin sentirse fuera de lugar.

La influencia del tailoring llega a la playa

Otro cambio importante está en los materiales. Para 2026 se observa una preferencia por telas con más presencia visual: acabados ligeramente mate, tejidos con apariencia técnica menos brillante y superficies que generan profundidad sin depender del estampado. El resultado es una estética más tranquila y más fácil de integrar al resto del guardarropa de verano.

El regreso del look completo

El traje de baño deja de pensarse solo. Ya no se trata únicamente de qué usar para entrar al agua, sino de cómo construir una imagen coherente durante todo el día.

Más que una tendencia puntual, el cambio parece responder a una idea más amplia del vestir masculino. Es decir, menos exageración, menos piezas hechas solo para una ocasión y más intención.

El traje de baño ya no busca destacar por exceso, sino por cómo se integra naturalmente al estilo personal.

Durante años, hablar de seguridad privada significaba pensar en presencia física y reacción. Hoy, empresas, corporativos y espacios comerciales están empezando a mirar el tema desde otro lugar: prevención, operación y adaptación.

Durante mucho tiempo, la seguridad se entendió como una respuesta. Algo que se activaba cuando aparecía un problema. Hoy el enfoque está cambiando.

En entornos corporativos, comerciales e industriales, la conversación empieza mucho antes: cómo se controla el acceso, cómo se organiza la operación diaria, cómo circula la información y cómo se detectan riesgos antes de que se conviertan en incidentes. La seguridad dejó de ser una capa adicional para convertirse en parte del funcionamiento cotidiano.

Del guardia al ecosistema de protección

Uno de los cambios más visibles es que el modelo tradicional de vigilancia ya no opera de forma aislada. Actualmente, muchas empresas buscan esquemas integrales que combinan presencia física, procesos operativos, comunicación y protocolos claros para responder a distintas necesidades.

La lógica ya no es únicamente proteger espacios, sino generar continuidad y reducir vulnerabilidades. Dentro de este contexto aparecen empresas especializadas en seguridad patrimonial y operación preventiva, como SIGMA SEG, una empresa mexicana enfocada en servicios de seguridad privada y protección patrimonial con esquemas adaptables a distintos tipos de operación.

Lo que hoy esperan las empresas

La conversación también cambió desde el lado del cliente.

Actualmente se busca:

• procesos claros
• capacidad de adaptación
• comunicación eficiente
• cobertura alineada al tipo de operación
• personal preparado para distintos escenarios

Más que una presencia visible, lo que se espera es confianza operativa.

Seguridad como parte de la experiencia

Quizá uno de los cambios menos evidentes es que una buena estrategia de seguridad casi nunca se nota. Está en la entrada que funciona sin fricción, en los procesos que fluyen, en la capacidad de anticipar escenarios y mantener continuidad.

Cuando está bien integrada, deja de sentirse como control y empieza a percibirse como tranquilidad. Ese cambio de perspectiva probablemente explica por qué la seguridad ya no se piensa únicamente como protección, sino como parte de la experiencia de quienes habitan un espacio.

Esculturas monumentales, espacios sensoriales y un recorrido diseñado para habitar el imaginario de una de las artistas más importantes del surrealismo. Laberinto Mágico propone una nueva forma de acercarse a la obra de Leonora Carrington.

Las exposiciones inmersivas suelen moverse entre dos extremos: convertirse en espectáculo tecnológico o funcionar como una extensión respetuosa del trabajo artístico. Laberinto Mágico apuesta por el segundo camino. La experiencia toma como punto de partida el universo visual y simbólico de Leonora Carrington para construir un recorrido donde el visitante no solo observa, sino que avanza entre espacios inspirados en su imaginario.

Más que trasladar pinturas a una pantalla, el proyecto utiliza escala, iluminación y atmósferas para generar una lectura espacial de su obra.

Por qué Leonora Carrington sigue siendo una artista tan vigente

Hablar de Leonora Carrington es hablar de una figura que nunca terminó de encajar del todo dentro de las categorías tradicionales del surrealismo. Nacida en Inglaterra y establecida en México durante gran parte de su vida, desarrolló una obra atravesada por símbolos, animales, rituales, transformaciones y personajes que parecen existir entre el sueño y la memoria.

Su trabajo nunca buscó explicar el mundo, más bien propuso nuevas formas de recorrerlo. Por eso una experiencia como Laberinto Mágico tiene sentido, porque su obra siempre tuvo algo de territorio por explorar.

El recorrido: esculturas, espacios envolventes y una nueva manera de mirar

Uno de los elementos más interesantes del proyecto es que evita convertir la obra en simple escenografía. El recorrido integra piezas monumentales y recursos espaciales que permiten acercarse al lenguaje visual de Carrington desde otra escala. La experiencia está pensada para que el visitante se mueva entre distintas atmósferas y construya una relación más directa con el universo de la artista.

En lugar de explicar cada símbolo, el recorrido deja espacio para interpretar.

Más allá de la experiencia inmersiva

En los últimos años, el formato inmersivo ha crecido enormemente, pero también ha abierto una pregunta: ¿cómo acercar nuevos públicos al arte sin simplificarlo?

Laberinto Mágico parece responder desde la experiencia y no desde la sobreexplicación. Para quienes ya conocen la obra de Leonora Carrington, funciona como una oportunidad para verla desde otra perspectiva. Para quienes llegan por primera vez, puede ser una puerta de entrada a una artista cuya influencia sigue creciendo dentro y fuera de México.

Fotógrafo: Alex Salinas
Stylist: Rodrigo Alcántara
RP: Pepe Ayala

Hay otra forma de silencio: la saturación. Todo suena, pero nada se queda. En ese terreno, Sebastián Rulli lo nombra sin rodeos: “Hoy no compites solo contra otras historias, compites contra la distracción permanente. Todo dura segundos. Por eso creo que el reto es lograr que la gente conecte emocionalmente rápido… porque cuando una historia toca algo verdadero, el algoritmo ya no importa tanto”.

Esa presión entra al cuerpo del actor. Ajusta el pulso. Cambia el aire de una escena. “Sí cambia el ritmo interno. Antes podías cocinar más lento ciertas emociones; hoy tienes que entrar más rápido al conflicto sin perder verdad. Pero al final lo importante sigue siendo lo mismo: que el personaje se sienta humano”. La velocidad obliga a que la profundidad aparezca antes.

Adaptarse también implica afinar la escucha. “Escuchar más. Entender cómo cambia el público, cómo consumen historias hoy. Y también aprender a no actuar desde la comodidad. Cuando uno cree que ya entendió todo, empieza a repetirse”. Hay una vigilancia constante contra la inercia.

Cuatro años lejos de la telenovela dejan una pausa distinta. “Regresé más tranquilo, disfrutando más el proceso… pero también confirmé cosas que siempre estuvieron en mí: la disciplina, la pasión y el amor por contar historias”. No hay ruptura; hay ajuste fino.

La presión cambia de forma con el tiempo. “Creo que de entender que el éxito no te puede definir todo el tiempo. Antes uno vive queriendo demostrar. Hoy disfruto mucho más construir, compartir y llegar al set con ganas de pasarla bien haciendo lo que amo”. La ambición se recoloca.

En un mapa global que mira hacia Corea del Sur, el melodrama latino encuentra su lugar desde lo que ya tiene. “Han entendido muy bien cómo renovar las emociones sin perder identidad. Cuidan mucho la estética, los ritmos y los detalles emocionales. Pero el melodrama latino tiene algo muy poderoso: pasión, intensidad y verdad emocional. Cuando lo hacemos bien, conecta en cualquier parte del mundo”.

El amor sigue siendo materia prima, sobre todo en sus zonas menos cómodas. “Las imperfectas. Las que se contradicen. Las que incomodan. Creo que hoy la gente conecta más con personajes humanos que con relaciones perfectas”. Ahí aparece Renato, de su reciente proyecto llamado Mi Rival, atravesado por tensiones que no se resuelven fácil. “Renato no ama desde el cliché; ama desde las heridas, desde el miedo, desde la culpa. Ahí es donde el personaje se vuelve distinto”.

Hay algo que se extraña en el ritmo actual: los silencios. “Antes había más espacio para mirar, respirar, dejar que una escena madurara. Hoy todo corre más rápido, pero sigo creyendo mucho en el poder de una mirada bien puesta”. La mirada sostiene lo que el montaje acelera.

Cada trabajo se asume con una idea clara. “Creo que es respeto. Respeto por el público, por el equipo y por la oportunidad de seguir haciendo lo que amo”. La repetición se convierte en compromiso.

En pantalla, la seguridad es parte del oficio. El proceso sigue abierto. “Muchísimas. Sigo aprendiendo a soltar el control, a vivir más el presente y a escucharme más a mí mismo”. No hay punto fijo, hay recorrido.

El arquetipo del protagonista clásico se expande. “No me peleo con ella, pero tampoco quiero quedarme ahí. Lo bonito es sorprenderte a ti mismo y que el público descubra nuevas capas tuyas”. La identidad se mueve.

Interpretar a un charro abre otra relación con el país. “Hay algo muy profundo en esa conexión con la tierra, los caballos y las raíces. Renato me acercó a una parte muy auténtica de México”. La tradición aparece desde la experiencia.

En medio de la velocidad, queda una certeza. “La verdad. Cuando una escena está hecha desde la emoción real, el público lo siente aunque no pueda explicarlo”. Eso permanece.

También hay límites claros. “Una historia donde no encuentre verdad o humanidad en el personaje. Hoy necesito sentir que lo que cuento tiene algo que decir”.

El momento actual se siente en equilibrio. “En una etapa muy plena. Con más calma, más conciencia y más ganas de disfrutar el camino… sin dejar de exigirme”. La exigencia sigue, con otro peso.

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Fotografía: Eddy Espinoza
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje: Rosa María García de Misstika Porstyling
Peinado: Erick Moreno
Asistente de cabello: Sonia Terrazas
RP: Jerry ML
Locación: Studio Selinus
Coordinación editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo Garcia

Alejandra interpreta a Paloma, un personaje que es madre, sí, pero también cuerpo, impulso, error. Una figura que incomoda porque no se acomoda. La primera reacción no fue rechazo. Tampoco fascinación inmediata. “Lo primero que me provocó fue curiosidad y luego reto… rechazo nunca”, dice Alejandra Barros. La premisa de madre e hija en tensión por el amor de un hombre le parecía improbable. Después no. Después entendió que lo improbable se repite más de lo que se admite en voz alta.

Construir a Paloma implicaba esquivar el juicio. No de forma ingenua, sino trabajada, conversada, casi negociada entre lecturas, directores y una intuición que va encontrando su propio hilo. “Lo que encontré fue pensar en ella como una mujer, no como una mamá”. El desplazamiento es sutil, pero cambia todo: la historia deja de ser un escándalo y se vuelve experiencia. Antecedentes, decisiones, un matrimonio que no fue elección, y de pronto —tarde, dicen algunos— la aparición de algo que sí mueve por dentro.

Ahí se instala la clave emocional. No en justificar, en comprender el desfase. “La clave emocional de Paloma es verla como mujer, no como madre y entender que lo que no vivió en su juventud… es lo que la hace que quiera vivir esa experiencia después, ya teniendo una hija, siendo madre, estando casada”. El deseo como algo que llega tarde, o que se reconoce tarde. No desaparece, se guarda.

Pero lo que se guarda también empuja. Y cuando sale, no siempre tiene forma digna. “La parte que más me costó habitar en Paloma, fue estarle rogando a un hombre, creándote unas fantasías en la cabeza, que son eso, fantasías. Yo soy mucho más práctica y objetiva. Entonces el estar persiguiendo un hombre… Paloma en eso es súper insistente, entonces pues sí, me costó mucho trabajo y tratar de hacerlo lo más real posible”. Hay algo incómodo en esa insistencia. Algo que cualquiera reconoce, aunque no lo diga en voz alta.

El fondo es más amplio que la anécdota. Tiene que ver con el deseo y con la forma en que se administra socialmente. “Yo creo que las mujeres no dejan de tener deseo al igual que los hombres… el desear a alguien más, yo creo que es intrínseco del ser humano, hombre y mujeres, no nada más las mujeres. Y de repente, sobre todo en la vida familiar latina, como que la mujer cuando es madre, se le deberían de acabar todas las necesidades y gustos y demás, y creo que no debería ser”. La frase abre una conversación que la pantalla ha bordeado durante años, a veces con timidez, a veces de frente.

La polémica aparece, inevitable. Pero no es un fin. “La polémica del planteamiento es inevitable y claro que me interesaba… falta explorar esos temas, pues claro que va a crear curiosidad entre el público, pero que sea de la manera más real del personaje. Cuentas una historia que se parezca lo más a la realidad… entonces es una combinación de las dos”. Interesa el ruido que abre la puerta, no el que se queda a vivir ahí.

Paloma se mueve entre urgencia y carencia. No como categorías separadas, más bien como un circuito. “Me acerco a ella desde las dos, la urgencia y la carencia. Tiene urgencia porque tiene carencia… sentir que ya le queda poco tiempo, que es su última oportunidad de conseguir un amor… y la carencia es porque si ella hubiera tenido un buen amor, no tendría la necesidad de estar buscando esa experiencia”. La última oportunidad no es un dato objetivo, es una sensación. Y las sensaciones mandan.

La incomodidad que genera la historia tiene un origen claro. “Sí, yo creo que incomoda mucho el tema de poner una mamá en búsqueda del amor y compitiendo con la hija… rompe con las expectativas arraigadas de la madre latina abnegada, ella no tiene deseos de nada, más que de cuidar a sus hijos y a sus nietos”. La imagen es conocida. También el gesto de quien la mira y se incomoda. “Lo que te choca checa”, añade, casi como una clave lateral.

Lo que le interesa abrir no es una polémica efímera, sino una conversación más amplia. “Me encantaría que la gente fuera consciente que no nada más las mujeres somos esposas y madres, sino que también somos mujeres, con aspiraciones, deseos, profesionistas, como cualquier hombre… que a una mujer se le antoje volver a tener un amor… les parece como inconcebible y creo que estaría bueno plantearlo”. La palabra “permitir” aparece entre líneas. Permitirse, permitirles.

En la industria percibe un movimiento. No una revolución, pero sí un desplazamiento sostenido. “Yo sí creo que ha cambiado… ahora le han dado más importancia a los papeles de mujeres mayores… el público no nada más quiere ver a jovencitos viviendo el amor… también quieren ver gente de su edad”. La pantalla empieza a parecerse más a quien la mira.

Su interés como actriz no pasa por provocar de forma gratuita. Tampoco por acompañar sin fricción. “Contar historias que ayuden a generar conversaciones o a generar empatía o a simplemente distracción y divertirte… provocar así sin sentido y nada más escandalizar no es mi estilo”. La comedia aparece como una posibilidad cercana, una manera de abrir sin imponer.

El miedo sigue ahí. No desaparece con la experiencia. “Me sigue dando miedo como actriz el no estar a la altura y no crear verdad… siempre hay ese miedito, esa inseguridad de ¿lo estaré haciendo bien?, ¿lo puedo hacer mejor?”. La duda no paraliza, afina.

Y luego lo que se suelta. Lo que ya no sirve. “Hay que desaprender a veces las inseguridades… hay que desaprender también al ego, el ego nos mata… tratar de desaprender los mecanismos de defensa que creamos por miedo y vanidad”. El trabajo no es solo hacia afuera. También es limpieza interna.

Sobre la televisión, la mirada es doble. “Se ha ganado un medio de comunicación espectacular que llega gratis a todos lados… pero también se ha perdido un poco la privacidad, la ética a la hora de generar contenidos”. Más alcance, más responsabilidad. La ecuación no es nueva, pero ahora es más visible.

Lo que viene no es una pausa. “Empiezo otro proyecto a finales de este año y me gustaría hacer algo de teatro… y me gustaría también hacer series y comedia. Me muero de ganas de hacer comedia”. El deseo, otra vez. Moviendo.

Paloma se queda flotando. No como ejemplo, tampoco como advertencia. Más bien como pregunta abierta. Qué pasa cuando una mujer decide no reducirse a un solo papel. Qué se rompe. Qué se revela.

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En la búsqueda de un estilo de vida saludable, solemos poner toda nuestra atención en los ingredientes: orgánicos, libres de pesticidas o de proximidad. Sin embargo, existe un actor silencioso en la cocina que puede potenciar o arruinar esos esfuerzos: el menaje. La evolución de la tecnología culinaria ha llevado a marcas como Red Stone a desarrollar superficies que no solo facilitan la técnica, sino que garantizan que el alimento mantenga su pureza original.

El adiós al PFOA y la era de la cerámica

Durante décadas, el teflón convencional fue el rey de las cocinas, pero su degradación a altas temperaturas despertó alertas sanitarias. La respuesta de la ingeniería moderna ha sido el recubrimiento cerámico de alta duración. Al utilizar capas de cerámica (como las de 5 capas que vemos en las líneas premium actuales), se logra una antiadherencia real sin necesidad de químicos tóxicos.

Cocinar en una superficie ecológica y libre de PFOA no es solo una tendencia “verde”; es una medida de seguridad alimentaria. Estos materiales permiten cocinar con un mínimo de grasa, respetando el sabor auténtico del ingrediente y evitando que partículas metálicas o plásticas terminen en el plato.

Acero inoxidable: el estándar del profesional en casa

Para quienes buscan durabilidad y una distribución de calor perfecta, el acero inoxidable sigue siendo la elección predilecta de los chefs. Una batería de cocina de este material no es solo una compra, es una inversión patrimonial. Su capacidad para calentar de forma uniforme evita los “puntos calientes” que queman la comida, permitiendo cocciones lentas que conservan mejor los nutrientes.

Además de su funcionalidad, hay un factor estético innegable. El diseño ergonómico y los acabados metálicos o de colores (como los tonos rosados, menta o negros que han renovado el mercado) han transformado los utensilios de simples herramientas en elementos de diseño que invitan a pasar más tiempo en la cocina.

El arte de organizar y servir

El bienestar en la cocina también pasa por el orden y la presentación. La tendencia actual apunta hacia recipientes y bowls que sean lo suficientemente resistentes para la preparación, pero estéticamente sofisticados para llegar a la mesa. Los materiales ligeros pero duraderos permiten una transición fluida del fuego al servicio, reduciendo el desperdicio y mejorando la logística del hogar moderno.

En definitiva, elevar la calidad de lo que comemos empieza por revisar con qué estamos cocinando. Elegir herramientas que combinen durabilidad garantizada, seguridad química y un diseño funcional es el primer paso para transformar el acto cotidiano de cocinar en una verdadera experiencia de cuidado personal.

Herencia y hospitalidad

Esta casona histórica, situada en el primer Pueblo Mágico de México, ofrece una experiencia de inmersión total en el pasado señorial, reinterpretada bajo los estándares de la hospitalidad contemporánea más exigente. Atravesar el umbral de Casa Huamantla es realizar un viaje cronológico. La propiedad conserva la esencia de su construcción original, con muros que resguardan siglos de anécdotas y patios internos que invitan a la contemplación.

Cada rincón ha sido restaurado con un respeto absoluto por su herencia, integrando mobiliario de época y piezas de arte que dialogan con la estructura colonial. El resultado es una atmósfera de exclusividad orgánica, donde el lujo se manifiesta en el detalle, el silencio y la autenticidad.

La propuesta de Casa Huamantla trasciende el alojamiento convencional. Sus habitaciones, diseñadas individualmente, son refugios de serenidad que combinan textiles artesanales locales con amenidades de alta gama. La luz natural, filtrada por los ventanales históricos, baña espacios donde la altura de los techos y la calidez de la madera crean un entorno de bienestar absoluto.

Sabor y tradición

Por su parte, la gastronomía juega un papel central en la experiencia. El restaurante de la casa rinde homenaje a la riqueza culinaria de Tlaxcala, utilizando ingredientes de la región para elevar recetas tradicionales a la categoría de alta cocina. Es, en esencia, un tributo al terruño servido en una mesa donde la vajilla y el entorno compiten en belleza.

Ubicada estratégicamente frente a la Parroquia de San Luis Obispo, la casa permite a sus huéspedes ser testigos privilegiados de las tradiciones más emblemáticas de la región, como “La Noche que Nadie Duerme” y el arte de las alfombras de aserrín. Casa Huamantla no es solo un lugar donde pernoctar, es el epicentro desde el cual se descubre la magia de un pueblo que celebra su identidad con orgullo.

Para el viajero que busca profundidad en sus travesías y una conexión genuina con el patrimonio mexicano, Casa Huamantla representa el nuevo estándar del turismo de autor: un espacio donde el tiempo se detiene para permitir el disfrute de lo extraordinario.

Autonomía bajo medida

La idea de libertad, cuando se traslada a la experiencia de las mujeres, deja de ser un concepto abstracto para convertirse en un indicador medible. No basta con la posibilidad de elegir; importa, sobre todo, bajo qué condiciones se elige. En ese cruce entre decisión y estructura se encuentra una de las tensiones centrales de la agenda de igualdad contemporánea.

Datos de ONU Mujeres y la Comisión Económica para América Latina y el Caribe coinciden en un punto clave: las mujeres en América Latina dedican entre dos y tres veces más tiempo que los hombres al trabajo doméstico y de cuidados no remunerado. Esta distribución desigual del tiempo impacta directamente en su autonomía económica, limitando su acceso al empleo formal, la generación de ingresos propios y, en consecuencia, su margen real de decisión.

La evidencia es consistente. El Banco Mundial, a través de estudios como Women, Business and the Law, ha documentado que la participación laboral femenina aumenta significativamente en contextos donde existen políticas de cuidado accesibles y sistemas de apoyo institucional. La implicación es clara: lo que comúnmente se interpreta como una “elección personal” está, en muchos casos, condicionado por la disponibilidad de recursos y servicios.

En México, las cifras refuerzan esta lectura. De acuerdo con el Instituto Nacional de Estadística y Geografía, la participación económica de las mujeres se mantiene alrededor del 45%, frente a más del 70% en hombres. Paralelamente, la carga de trabajo no remunerado recae de forma desproporcionada en ellas, configurando un escenario donde la libertad de elegir se encuentra, de facto, restringida.

Estructura de libertad

A nivel cultural, la presión no es menor. Investigaciones en psicología social, como las desarrolladas por Shelley Correll, han demostrado que las mujeres enfrentan penalizaciones cuando sus decisiones se alejan de los mandatos tradicionales, particularmente en torno a la maternidad y el desarrollo profesional. Este fenómeno, conocido como motherhood penalty, no solo afecta ingresos y oportunidades laborales, sino también la percepción social de legitimidad en sus elecciones.

Frente a este panorama, la solución no puede reducirse a una narrativa de empoderamiento individual. La evidencia apunta a intervenciones concretas. La ampliación de sistemas públicos de cuidado, la implementación de licencias parentales equitativas, la flexibilización laboral con perspectiva de género y la redistribución del trabajo doméstico son medidas que han demostrado efectos directos en la autonomía femenina. Organismos como la Organización Internacional del Trabajo subrayan que invertir en infraestructura de cuidados no solo reduce brechas de género, sino que también impulsa el crecimiento económico.

Sin embargo, junto a las políticas públicas, existe un componente cultural que no puede ignorarse. La transformación de los mandatos de género, la normalización de trayectorias diversas y la legitimación social de decisiones fuera de lo tradicional son condiciones necesarias para que la libertad deje de ser una excepción.

En este sentido, la libertad femenina no es un punto de llegada, sino un sistema en construcción. Un equilibrio entre condiciones estructurales y agencia individual. La posibilidad de elegir, entonces, no depende únicamente de la voluntad, sino de la capacidad colectiva de sostener entornos donde esa elección sea, verdaderamente, viable.

Oficio en movimiento

Hay marcas que construyen imagen. Otras, producto. Perugia trabaja en ese punto donde ambas cosas se sostienen sin estorbarse. Y eso, en calzado, no es común.

Fundada hace más de 30 años, la marca comenzó con una escala mínima, producción casi artesanal y distribución local, antes de desplazarse al Bajío y asentarse en León, Guanajuato, donde el oficio zapatero se hereda.

Ese origen sigue presente pues la marca produce en piel, con una lógica industrial que no cancela el detalle: dos colecciones al año, decenas de modelos, un ritmo constante que responde tanto a tendencia como a capacidad técnica.

Lo interesante es cómo ese conocimiento se traduce en diseño. Perugia no juega a la espectacularidad. Su terreno está en la silueta funcional: tacones, plataformas, flats, sneakers que parten de una base reconocible pero incorporan variaciones suficientes para no caer en lo genérico. Desde sus primeras líneas hasta sus desarrollos más recientes, hay una intención clara de vestir el movimiento cotidiano, no la pasarela.

Diseño en estructura

En ese sentido, la marca ha sabido moverse entre dos registros: el comercial y el autoral. Por un lado, un portafolio amplio que responde a distintas ocasiones de uso; por otro, ejercicios más puntuales como colaboraciones con figuras como Camila Sodi que funcionan como laboratorio creativo dentro de una industria que rara vez arriesga desde lo local.

El crecimiento tampoco ha sido improvisado. Perugia ha desarrollado un modelo híbrido entre tiendas propias y franquicias, con presencia en distintas ciudades del país y una expansión constante en puntos de venta. A nivel productivo, su escala es significativa: más de un millón de pares al año, exportación a mercados como Estados Unidos y América Latina, y una infraestructura que respalda esa operación.

Pero más allá de cifras, lo que define a Perugia hoy es una intención de ajuste. No de reinvención total, sino de edición. La marca ha ido depurando su lenguaje para alinearse con una mujer que ya no construye su estilo desde la validación externa, sino desde la funcionalidad y la coherencia. El zapato deja de ser un acento decorativo y se convierte en una extensión del ritmo diario.

Ahí es donde entra su valor real, entender que el diseño no necesita imponerse para existir. Que la estética puede ser silenciosa sin perder carácter. Y que, en un mercado saturado de ruido visual, construir desde la estructura sigue siendo una de las decisiones más contemporáneas.

Refugio en el Cumaru

Llegué un viernes al atardecer, cuando la selva estaba en ese tono verde oscuro que solo existe justo antes de que oscurezca. El camino hasta la villa fue una caminata a través del bosque, cada paso más alejado del mundo que dejé atrás. One&Only Mandarina está ubicado en los acantilados de la Riviera Nayarit, rodeado de bosque tropical tan denso que casi olvidas que estás en un resort.

Mi Treehouse con vista panorámica al océano estaba completamente tallada en madera de Cumaru local. Pisos, paredes, techo. Todo eso que tocas en una habitación normal, aquí era una caricia de naturaleza. La decoración refleja las texturas, la artesanía y los colores de la cultura mexicana: objetos especialmente diseñados y textiles elaborados por artesanos locales que convierten cada rincón en una conversación entre lujo y tradición. La primera noche me quedé en la terraza hasta que el océano se volvió invisible, solo escuchándolo. Fue el tipo de silencio que duele porque te das cuenta de cuánto ruido carga normalmente en los oídos.

Donde la comida es un acto de presencia

La primera mañana desperté con hambre de algo que no sabía que existía. Bajé a Alma cuando el sol apenas estaba subiendo. Pedí los Mexican Benedictine: huevos pochados, guacamole, salsa chipotle holandesa, english muffins… Un desayuno, pero elevado. Y después, porque siempre necesito algo dulce, el Tiramisu Toast. Mientras tanto, un café vegano, con café molido, leche casera de coco, almendras y vainilla, que sabía como si alguien hubiera tardado años en perfeccionar esa combinación exacta.

Por la tarde, cuando el calor se volvía insoportable, bajé al Club de playa The Jetty. Encontré pies descalzos en la arena, océano a la vista. Pedí el Ceviche San Pancho con la pesca del día, limón, aceite de oliva, pepino, jitomate y cebolla; llegó frío, perfecto, con ese sabor que solo tiene el mar cuando alguien sabe qué hacer con él. Después, la Tlayuda de Pulpo Zarandeado con frijoles negros, queso cheddar blanco, nopales, cebolla morada… Es el tipo de comida que comes sentada viendo el horizonte, donde cada sabor tiene una conversación con el siguiente.

Pero fue por la noche, en The Treetop, donde todo cambió. Pedí el Círculo de Vida—tequila blanco, tortillas, mango, papaya, lima—y después la Senda del Jaguar—mezcal, piña, limón, agave—. Cada sorbo era más intenso y sorprendente que el anterior. Estaba suspendida en los árboles, bebiendo cosas con nombres que sonaban a rituales, viendo las luces del océano abajo. Fue la clase de noche que te recuerda por qué algunas personas deciden viajar solas.

Lo que pasa cuando te detienes

El segundo día caminé sin rumbo por los senderos que recorren la propiedad. Pasé junto a acantilados donde el océano se ve desde arriba, por entre árboles tan altos que olvidas que existe el cielo. Pero Mandarina ofrece experiencias que van más allá de caminar. El avistamiento de ballenas fue surrealista: estar en una lancha viendo cómo estas criaturas enormes emergen del océano, tan cerca que puedes escuchar el sonido del agua escurriendo por su piel. Es el tipo de momento que te recalibra.

Pero lo que realmente cambió algo fue la sesión con Linda Mariscal, la curandera de Mandarina. No sé exactamente qué hizo, energía, intuición o conocimiento ancestral, pero salí sintiéndome como si alguien hubiera reorganizado las cosas que llevaba desordenadas. Linda tiene ese don de sanadora que no se puede explicar, solo se siente.

Por último, la piscina para adultos de Carao, que está suspendida en la ladera de la montaña, como si el arquitecto hubiera decidido que los huéspedes también merecían flotar en el aire. Pasé una tarde entera ahí, viendo cómo el océano se desplegaba abajo, el cielo arriba, y nada más. Otros estaban en la misma quietud. El atardecer llegó y nadie se movió. Es el tipo de lugar donde compartir el silencio se siente como algo sagrado.

Me llevé de Mandarina cosas que no entran en una foto. La sensación de la madera de Cumaru bajo los pies cada mañana. El sabor exacto de esos platos. La forma en que el silencio suena cuando finalmente lo escuchas. El lujo aquí no es sobre la perfección. Es madera y arte local, chefs que cocinan como si importara, gente que recuerda exactamente cómo tomas el café.