Hoy, el mundo del diseño se tiñe de una melancolía profunda. Valentino Garavani, el legendario modisto italiano que fundó una de las casas de moda más icónicas del planeta, ha fallecido. Con su partida, se cierra uno de los capítulos más brillantes y glamurosos de la historia de la vestimenta contemporánea.

El Arquitecto del “Rojo Valentino”

Valentino no solo diseñaba vestidos, construía sueños en seda y encaje. Su mayor legado, además de su técnica impecable, fue el Rojo Valentino, una tonalidad vibrante y magnética que descubrió durante un viaje a la ópera en Barcelona en su juventud y que se convirtió en su firma personal. Para el diseñador, ninguna mujer pasaba desapercibida bajo ese color.

Una vida dedicada a la belleza

Nacido en Voghera en 1932, Valentino se formó en París antes de regresar a Roma para abrir su propia casa en 1960. Durante décadas, fue el favorito de las mujeres más elegantes del mundo: desde Jackie Kennedy, quien eligió un diseño suyo para su boda con Aristóteles Onassis, hasta estrellas de la era dorada de Hollywood y las alfombras rojas actuales.

Su visión siempre fue clara: realzar la belleza femenina sin concesiones. Sus desfiles en Roma y París eran eventos sociales de primer nivel, donde la sofisticación técnica se encontraba con un sentido del espectáculo que solo él sabía orquestar.

El fin de una dinastía

Acompañado siempre por su socio de vida y negocios, Giancarlo Giammetti, Valentino construyó un imperio que sobrevivió al paso de las tendencias fugaces. Aunque se retiró oficialmente de las pasarelas en 2008 con un desfile histórico en el Museo del Louvre, su influencia permaneció intacta a través de los años, inspirando a generaciones de directores creativos.

“Yo sé lo que quieren las mujeres. Quieren ser hermosas.” — Valentino Garavani.

Un legado que trasciende

Hoy recordamos a Valentino no solo como un creador, sino como el hombre que defendió la elegancia clásica en un mundo cada vez más casual. Su ausencia marca el final de la era de los grandes “emperadores” de la moda, pero su archivo —ese universo de bordados, tul y perfección— vivirá por siempre en cada prenda que lleve su nombre.

Dos compañías con una gran herencia en diseño crearon un verdadero híbrido que empuja los límites perceptuales del diseño y que combina los mundos de la moda y la tecnología. Estamos hablando de la speaker bag Balenciaga | Bang & Olufsen.

Siempre a la vanguardia

En julio, la subversiva casa de moda parisina presentó su más reciente colección de alta costura, en donde un peculiar accesorio resaltó durante el show: una bolsa que portaban los modelos la cual reproducía la música que se percibía en el desfile.

Una colaboración única

Esta bolsa también funciona como una bocina portable y se trata de una colaboración entre Balenciaga y la compañía de equipos de audio Bang & Olufsen, las cuales forman parte de una producción exclusiva y limitada de 20 elementos, donde cada pieza fue esculpida a partir de un solo bloque de aluminio puro.

Herencia en diseño

El proceso de creación de estos accesorios comenzó en la fábrica 5 de Bang & Olufsen en Struer, Dina- marca, donde se les dio su peculiar forma que permite una continua fluidez de la manija a la base, para luego lucir su acabado perlado, anodizado y pulido a mano que hoy podemos ver en la pasarela e internet, mostrando así la impecable atención al detalle de dos marcas con herencias muy ricas en diseño.

Speaker bag

El frente de la speaker bag luce la característica apariencia de las bocinas, un patrón perfecto de orificios meticulosamente dispuestos para asegurar la mejor calidad de sonido sin comprometer su elegancia, la cual también ofrece una batería con una vida de hasta 18 horas y conectividad multipuntos.

Detalles exclusivos

En la parte posterior de la bolsa, una puerta se abre para revelar un considerable compartimento envuelto en piel de cordero italiano característico de Balenciaga y que fue colocado manualmente.

Terminado con un set de controles debajo de la manija, los logos de Balenciaga y Bang & Olufsen se encuentran grabados por láser en la parte superior de cada uno de estos accesorios.

Miku Silvanto, Jefe de diseño de Bang & Olufsen comentó al respecto de esta colaboración:

La alta costura es personalizada, exclusiva, creadora de cultura y arte, manufacturada por artesanos altamente calificados. De nuestra fábrica de aluminio al taller de Balenciaga, a un producto sumamente notable. Tienes que verlo, escucharlo y sentirlo”.

Después de sobrevivir al bombardeo atómico de Hiroshima cuando era niño, Miyake recurrió a la ropa como una forma moderna y optimista de creatividad y revivió el uso de pliegues para crear ropa vestible, de flujo libre y unisex.

Issey Miyake, uno de los principales diseñadores de moda de finales del siglo XX, falleció a los 84 años

Miyake fue el líder de un diverso grupo de diseñadores japoneses que cambiaron la cara de la alta costura y el streetwear en las últimas cuatro décadas y quien ayudó a hacer de la moda contemporánea un elemento básico de los institutos de vestuario y retrospectivas en museos.

1980

En la década de los ochenta, el trabajo de Miyake actuó como un antídoto pictórico y usable para un mundo global de la moda y el entretenimiento que estaba dominado por los excesos permanentes de hombreras, colores estridentes y cabello grande.

El maestro de los pliegues

Miyake se hizo de renombre como el maestro de los pliegues, reviviendo un arte perdido perfeccionado por Mariano Fortuny, en seda, en la década de 1930, especialmente en su vestido de 1994 Flying Saucer, el cual se exhibió en la exposición del 150 aniversario del Museo Metropolitano Moda y Duración en 2020.

Miyake, que no se preocupaba por el costo y la impracticidad de la alta costura, llevó este lado de su trabajo a la calle en 1993 con su colección Pleats Please, donde el poliéster tratado térmicamente se utilizó para crear prenda genuinamente unisex, plisados permanentemente y de una fluídez única.

Piezas icónicas

Miyake llamó la atención también cuando Steve Jobs usó un cuello de tortuga oscuro de poliéster-algodón, una pieza de ropa que se convirtió en un identificador de la mayor empresa de tecnología del mundo, así como el logotipo de Apple.

El diseñador que sobrevivió la bomba atómica

Miyake nació en Hiroshima, Japón, en 1938. Sobrevivió a la bomba atómica lanzada por la Fuerza Aérea de los Estados Unidos en la ciudad mientras estaba en la escuela el 6 de agosto de 1945, pero su madre murió tres años después por radiación.

En 2009, Miyake, quien durante mucho tiempo había sido reacio a ser etiquetado como “el diseñador que sobrevivió a la bomba atómica”, escribió un poderoso artículo de opinión sobre su experiencia para el New York Times y en la que alentó al entonces presidente estadounidense Barack Obama a visitar la ciudad para demostrar su compromiso con la eliminación de las armas nucleares.

Cuando cierro los ojos, todavía veo cosas que nadie debería experimentar: una luz roja brillante, la nube negra poco después, gente corriendo en todas direcciones tratando desesperadamente de escapar.”

Su relación con las artes

Miyake tuvo una gran conexión con el arte y los artistas. En París descubrió y quedó muy impresionado por el trabajo de Alberto Giacometti y Constantin Brancusi.

En Nueva York, a finales de la década de 1960, se hizo amigo de Robert Rauschenberg y Christo, y se convirtió en un gran admirador de la alfarera británica-vienesa Lucie Rie.

De 1996 a 1998, Miyake dirigió a una serie de artistas invitados, comenzando con Yasumasa Morimura, quienes usaron las prendas de la colección Pleats Please como lienzo.

Otros intereses

Miyake entregó el funcionamiento de su negocio, que se había expandido a fragancias -incluyendo L’eau d’Issey- y otras mercancías, a otros en 1997, para centrarse en la investigación de nuevas telas y técnicas de producción, alimentado por su interés en la conexión entre la tecnología y la creatividad.

Piezas de colección

Además del Met, su ropa está en manos de instituciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Victoria & Albert Museum de Londres y el Museo de Arte de Denver.