Habitar el detalle

Su lema es “Where living is in every room…”, funciona como criterio práctico. Cada proyecto parte de la persona que va a vivir el espacio, no del plano genérico. “Las grandes construcciones piensan en volumen. Nosotros pensamos en quién va a tocar esas superficies todos los días”, explican.

Esa idea se traduce en decisiones concretas. Materiales certificados, selección precisa de acabados, seguimiento posterior a la instalación. Trabajan con superficies FENIX, de acabado mate, resistentes a marcas y con capacidad regenerativa, y con piedras nacionales que reducen traslados y aportan carácter local. No es discurso: es especificación técnica aplicada al diseño interior.

La relación con el diseño italiano no es referencia estética, sino actualización constante. Somerlanne mantiene presencia en ferias y convenciones donde se presentan materiales y tecnologías antes de que circulen en el mercado mexicano. Cada año, el catálogo cambia. Se ajusta. Se afina.

Diseño vivo

Esto les permite integrar propuestas recientes en mobiliario y acabados sin esperar a que se vuelvan tendencia. Trabajan con lo que acaba de aparecer, no con lo que ya se repitió.

Para Somerlanne, la cocina dejó de ser zona de servicio. Es un punto de encuentro. Se cocina, se conversa, se recibe gente. Por eso cada proyecto se diseña a la medida, equilibrando circulación, almacenaje, iluminación y presencia visual. Clósets, baños y áreas comunes siguen la misma lógica. No responden a plantillas. Responden a rutinas específicas.

El proceso inicia con un cuestionario detallado. Necesidades prácticas. Gustos. Hábitos. Con esa información desarrollan renders, recorridos virtuales y propuestas ajustadas al espacio real. Después viene la instalación especializada y el seguimiento posterior.

Somerlanne trabaja en ese cruce: materiales locales, criterios de sustentabilidad y lectura del contexto arquitectónico mexicano, filtrados por una mirada curatorial y contemporánea. Para quien busca que su casa funcione mejor —no solo que se vea mejor—, Somerlanne diseña desde el uso. Desde la vida que ocurre dentro.

En un evento celebrado el 27 de marzo de 2024 en la majestuosa Soho House de la Ciudad de México, el Consejo Leonora Carrington presentó una obra única que fusiona arte, espiritualidad y surrealismo: el Tarot de Leonora Carrington. Este mazo de tarot, diseñado por la legendaria artista surrealista, ofrece a los amantes del arte y la introspección una oportunidad para explorar los mundos fantásticos y místicos que caracterizaron la obra de la artista.

Un tributo artístico y espiritual

Leonora Carrington, nacida en el Reino Unido en 1917 y mexicana de corazón, dejó una huella indeleble en la historia del arte surrealista. Esta nueva edición de su tarot, que consta de 22 arcanos mayores, invita a los usuarios a un viaje introspectivo, conectando lo tangible con lo etéreo, lo consciente con lo inconsciente. Cada carta es una representación del talento y la visión espiritual de Carrington, ofreciendo una experiencia mística y reveladora.

La presentación incluyó una exhibición de algunas de sus obras más representativas del feminismo, bajo el título “Mujeres Conciencia”. Estas piezas, creadas en 1972, fueron el marco perfecto para el lanzamiento, rindiendo homenaje a la vida y legado de esta artista.

La magia detrás del Tarot de Leonora

El Tarot de Leonora Carrington no solo es una obra de arte, sino también un objeto de poder espiritual. Cada mazo incluye un texto explicativo de Micaela Mendoza, experta en la obra de Carrington, que guía a los usuarios en su uso. Además, el tarot se presenta con un paño inspirado en los cuatro elementos de la naturaleza, un guiño a la interpretación surrealista de la baraja.

Este proyecto ha sido posible gracias a la colaboración entre Pablo Weisz Carrington, hijo de la artista, y Fermín Llamazares, presidente del Consejo Leonora Carrington, quienes han trabajado minuciosamente para preservar la esencia y el legado de Carrington. Llamazares destacó que este tarot es una creación extraordinaria, afirmando: “Estamos emocionados de compartir esta obra con el público y continuar difundiendo el legado de una de las artistas más influyentes de nuestro tiempo”.

Disponibilidad y versiones

El Tarot de Leonora Carrington está disponible en dos versiones: Pop y Lux, y puede adquirirse a través del WhatsApp del Consejo Leonora Carrington (+52 55 80310281) o contactando al correo electrónico tarot@consejorleonoracarrington.org . Esta es una pieza exclusiva, tanto para los amantes del tarot como para los coleccionistas de arte, que refleja la fusión de dos mundos: el artístico y el espiritual.

Más información en:
Consejo Leonora Carrington
Instagram: @leonoracarringtonconsejo
Facebook: Consejo Leonora Carrington AC

Texto: Alexis Mustri Guindi

Las creaciones florales de Djordje Varda no son solo composiciones, son obras de arte que transforman cada evento y cada lugar en una experiencia memorable y legendaria. Es el poeta botánico, el mago que convierte cada pétalo en recuerdo. Sus obras adornan los prestigiosos espacios de los hoteles más famosos, mientras que las bodas a su cargo dejan una huella duradera en los corazones y las mentes. Su historia es inspiradora y su trabajo fascinante, atestiguando el poder atemporal de las flores para crear atmósferas tan especiales.

Djordje es todo un personaje originario de Serbia. Su talento por la decoración floral nació gracias a los arreglos que le componía a su madre. El creativo vive en St. Barths, donde se encarga de la dirección artística del hotel Eden Rock y fundó su primera concept store, en donde vende su propia fragancia y más de 50 marcas de lujo. 

“Me encargo de la dirección artística también del hotel de Crillon, tengo mi propio equipo y mi workshop, donde están trabajando de tiempo completo siete diseñadores. Tengo el mismo contrato con el Carlton en Cannes, incluyendo mi propio espacio en el hotel”, comparte Djordje.

Entre risas, explica que su trabajo es vivir callado y feliz en St. Baths, aunque se divide entre París y Cannes el resto del tiempo. “Vengo de seis a nueve veces al año a cada hotel, en esos momentos importantes que el hotel me necesita. Yo hago diferentes modelos de diseños y mi equipo me apoya durante el año. Mi trabajo es crear cada mes un concepto para cada hotel con diferentes colores y flores”.

A lo largo de los años se ha convertido en uno de los hombres más cotizados en cuanto a diseños florales, después de realizar bodas como la de Pippa Middleton. Confiesa que hoy en día ha rechazado proyectos, ya que “disfruto mucho pasar tiempo con la familia y crear placer al cliente, pero trato de tener un balance”.

Dentro de su trabajo en los hoteles, otra cosa importante para Djordje Varda es que el hotel consumidor no se aburra de los diseños. “Sí mantenemos la misma dirección, pero cambiamos mucho el diseño, ya que las flores no son las mismas cada temporada. Me gusta decir que no vendemos flores, sino que estamos usándolas para crear emociones y memorias y participar con la experiencia del cliente”, explica. 

Y agrega que “cuando se trata de una boda o un evento, las flores son muy importantes, ya que aportan la emoción esencial al evento. Eso sí, confieso que no me gusta trabajar con las flores tropicales, siento que tienen carencia de poesía. Me gusta trabajar con muchas flores, pero yo hago lo que siento y me parece bello, no me guío por el significado de las flores”.

¿Cuál es la inspiración del artista?

Encuentra inspiración en varias fuentes, incluida la música, que le gusta escuchar mientras trabajo. Su proceso de trabajo implica hablar con la gente, explicar su visión y crear simulaciones visuales para diseños. Su objetivo es la primera impresión y el impacto emocional… y puede que vaya más allá del presupuesto acordado con tal de crear algo especial.

También confiesa que le gusta llevar a cabo la dirección de las bodas, ya que es un evento muy personal. “Al ser parte de una boda, eres parte de la felicidad de la gente, y esto da una gran energía. Estos son los momentos importantes cuando el hotel realmente me necesita y quiere verme”.

Su trabajo es crear mensualmente nuevos conceptos y elegir colores, flores y variedades, y luego ir a implementarlos en su próxima visita, mientras las personas lo están reproduciendo. “Es importante que mantengas la pauta artística mientras aceptas el cambio y utilizas la estacionalidad. Te centras en crear emociones y recuerdos para los clientes, y priorizas el gusto personal sobre la importancia cultural”, cuenta el diseñador.

Djordje afirma que “es importante tener una conexión con las personas para las que trabajas y amar lo que haces, independientemente de su presupuesto o estatus. Es fantástico que hayas mantenido tu posición y no hayas comprometido tus valores. Y, a veces, incluso los clientes difíciles pueden convertirse en buenos amigos”.

Texto: Paola Guzmán S.

El aire se siente más frío, al ambiente más lluvioso y lo árboles comienzan a cambiar sus hojas de color, estas señales nos avisan que si visitamos Nueva York durante esta temporada, las mejores actividades nos esperan afuera y adentro de la ciudad.

Nueva York cuenta con una amplia cantidad de museos y nunca está de más escaparse a ver esa obra favorita que tanto te gusta en MoMA o tal vez ver con nuevos ojos esas esculturas tan impresionantes del MET. 

Aquí te dejamos unas buenas opciones para visitar mientras se recorre esta hermosa ciudad en una temporada que también la hace aún más especial.

Una de las nuevas opciones está en el Museo de Historia Natural pues construyeron toda una nueva parte con una arquitectura muy impresionante. En esta sección del museo llamada Gilder Center hay nuevas galerías y experiencias únicas, que incluyen un insectario, un vivero de mariposas, una exhibición de cuarzos, piedras preciosas y semipreciosas, así como exhibiciones de colecciones de piso a techo. La entrada al Gilder Center está incluida en la entrada al museo, pero se requieren boletos adicionales para el Davis Family Butterfly Vivarium y para la experiencia inmersiva Invisible Worlds, la cual disfrutarán tanto niños como adultos.

Otro de los museos que vale la pena visitar es el MoMA, pues actualmente hay una obra de arte de IA que solo por ver esa obra vale la pena ir; además de sus exhibiciones temporales que van cambiando constantemente, por lo que siempre hay algo nuevo que ver. 

La obra Unsupervised, del artista Refik Anadol utiliza inteligencia artificial para interpretar y transformar más de 200 años de arte en el MoMA. Este artista es conocido por sus innovadores trabajos mediáticos e instalaciones públicas. Anadol ha creado obras de arte digitales que se desarrollan en tiempo real, generando continuamente formas nuevas y de otro mundo que envuelven a los espectadores en una instalación a gran escala. Aunque en un principio esta obra solo estaba planeada para exhibirse por poco tiempo, el museo acaba de anunciar la adquisición de la obra, por lo que estará a la vista cada vez que uno visite este gran museo. 

Por su parte, el museo insignia y un must cuando se visita Nueva York es sin duda el MET. Tal vez muchos ya lo han visitado, pero de seguro que nadie ha podido terminar de verlo con una o dos visitas y solo por eso vale la pena ir de nuevo. Hay que ver lo que no se ha visitado, y ver lo visto con nuevos ojos. El MET es como el museo Louvre de América y su vasta y gran colección de arte siempre impresiona a cualquiera que lo visita. Además de que ir a su tienda y comprar uno que otro souvenir es otra de las paradas obligatorias.

Aunque el Botanical Garden de Nueva York no es un museo como tal, es uno de esos lugares poco concurridos por los turistas pero que es una joya de la ciudad, un edén en pleno Bronx con un sinfín de plantas, flores, árboles y hasta exposiciones temporales. Además cuenta con un café con cosas deliciosas en donde además de poder degustar una rica bebida con un panini o algo dulce, el Pine Tree Café, como su nombre lo indica, cuenta con una colección de pinos raros e inusuales de Asia, Europa y América del Norte que presenta especímenes centenarios de casi 100 pies de altura. Explorar este enorme jardín es un deleite, pues con tan solo caminar entre sus árboles, plantas o jardines de rosas uno ya se siente transportado a un estado de paz y calma que a veces es muy necesario después de pasar un buen rato en la ciudad. Esta es la escapada perfecta para disfrutar de unos momentos de calma y de ver naturaleza impresionante a cada paso.

Otro de los lugares que vale la pena visitar en un día frío y lluvioso es la Biblioteca Nacional o la New York Public Library, la entrada es gratuita y simplemente con admirar la arquitectura del edificio vale más que la pena. Además de que se encuentra ubicada en una zona en la que seguramente estarás más de una vez. Recorre sus distintos pisos, sus galerías y sus exposiciones y, por supuesto, no dejes de visitar su tienda, la cual para nosotros es una de las mejores tiendas de “museo” que puedes encontrar.  

Otras opciones a visitar sin duda es el museo Whitney y el Guggenheim, así como las pequeñas galerías que se encuentran cerca de Central Park del lado Este. Nuestra favorita es la Neue Galerie con las mejores obras de Klimt y el mejor café y postres estilo vienés. Y ya si estás por esa zona, una galería con una colección privada en una hermosa ubicación es la Frick Collection, con obras renacentistas haciendo todo un recorrido hasta inicios del siglo XX.

Leonor Parra apoya la escena artística moderna y contemporánea de Latinoamérica en Europa creando espacios de exposición donde más talento puede cruzar fronteras.

Madame Amérique Latine

Leonor Parra es conocida en los círculos más allegados a ella como Madame Amérique Latine, seudónimo que la llena de orgullo. Leonor nos habló de sus proyectos, Carré Latin y SLATOPARRA, la única galería de arte dedicada a la escena moderna y contemporánea latinoamericana en la capital francesa, creada hace exactamente un año junto a su socio, Alex Slato.

Desde la cuna

Conocí a Leonor por casualidad, después de quedar extasiada delante de la vitrina de su galería ante un magnífico cuadro postimpresionista de Diego Rivera. Al platicar con ella, me explicó que desde muy niña supo cuál sería su pasión, pues heredó el amor por el arte y el coleccionismo de su familia. Su padre coleccionaba libros antiguos y el hobby de su madre era pintar. Creció visitando museos, galerías y librerías, incluso, antes de aprender a leer, tomaba a escondidas los libros de la biblioteca de su papá para admirar los grabados e ilustraciones.

Inicios

Fundadora de LCP+art, Leonor ha estado en el negocio del arte contemporáneo durante más de 20 años y su historia comienza en su natal Caracas. Aunque creció entre Venezuela y Europa, fue en la capital venezolana que estudió arquitectura y por varios años fue diseñadora de interiores.

Leonor comenzó integrando piezas de arte en sus proyectos de interiorismo, para, finalmente, dedicarse de lleno al arte y la asesoría a coleccionistas.

Queriendo hacer un break y mejorar mi francés, llegué a París en 2012. Luego, decidí hacer una maestría en Comercio de Arte Contemporáneo, que me permitió darme cuenta de las posibilidades de negocios locales. Fue así como lo que originalmente debía durar un año, terminó convirtiéndose en mi proyecto de vida”.

Una venezolana en París

Leonor debutó profesionalmente en París de la mano de la famosa Galerie Denise Rene, como curadora de exposiciones ocasionales. La primera de estas fue su proyecto final de maestría, una exposición colectiva de cinco artistas latinoamericanos dedicados a la abstracción geométrica que nunca habían sido mostrados en la ciudad ni mucho menos en la galería más prestigiosa y fundadora de esta corriente en París. Fue tal el impacto de esta exhibición que de allí nació la idea de crear Carré Latin.

Creación latinoamericana

La primera edición de este festival dedicado a la creación latinoamericana contemporánea se realizó en 2016, junto a los anticuarios del Carré rive gauche. Meses más tarde, conoció a uno de los directores del Palais Royal y le confesó su sueño de mudar el festival a este lugar. Así logró que las dos siguientes ediciones se llevarán a cabo entre su jardín y vitrinas hasta que las restricciones impuestas por la pandemia de Covid la obligaron a pensar en nuevos caminos, momento en que surgió la idea de la galería.

SLATOPARRA

Con Alex Slato –quien luego de 10 años en la dirección del MOLA (Museum of Latin American Art) decidió regresar a su faceta de galerista con un espacio en Miami–, fundó SLATOPARRA, a fin de promover a los artistas latinoamericanos y reforzar su histórico nexo con la escena parisina.

Ambos, comparte Leonor, se sienten muy orgullosos de los logros obtenidos en este primer año, pues han mostrado la obra de importantes artistas, comenzando con la exposición inaugural de Antonio Asis. Además, cada pieza que llega a la galería tiene su historia, ya que vienen de coleccionistas privados o de los ateliers de los artistas.

Tener acceso a colecciones únicas les ha beneficiado mucho, como por ejemplo, el cuadro de Rivera que me fascinó y me llevó a entrar a la galería, además de un Rufino Tamayo igualmente excepcional que también ha estado en manos privadas por más de 50 años en Europa.

Bruselas abre sus puertas para una de las exposiciones más importantes del arte surreal a cargo del artista René Magritte.

René Magritte

Uno de los pintores surrealistas más importantes de su época, René Magritte, tiene reunida su obra en el museo de Bruselas que lleva su nombre. Más de 230 obras, fotografías, archivos, escritos, esculturas y carteles, se pueden disfrutar en este espacio multidisciplinario que se encuentra a un costado del Museo Real de Bellas Artes.

El recorrido comienza en el tercer piso, al entrar a la primera sala, donde el espectador se sumerge poco a poco en la obra del artista. En cada piso se descubren obras nunca antes vistas, así como carteles, bosquejos y escritos que hacen de la visita al museo Magritte una experiencia inigualable.

A través de las distintas salas se pueden apreciar algunas de sus icónicas obras como “Ceci n’est pas une pipe”, el “El imperio de luz”, “Le Bonne foi”, y muchos retratos realizados a su esposa Georgette.

Surrealismo

El surrealismo es un movimiento artístico que nació oficialmente con la aparición del escrito Manifeste du surréalisme (Manifiesto surrealista) en 1924 y debe su nombre al poeta francés Guillaume Apollinaire, quien en 1917 utilizó ese término para nombrar una forma de expresión que va más allá del Realismo.

En un principio, el Surrealismo fue esencialmente literario pero fue adoptado rápidamente por las artes visuales, la música, el cine y la fotografía. El surrealismo se desarrolló en París, capital mundial del arte en ese momento, lo que atrajo a muchos artistas de Europa y Estados Unidos. En 1924, Bélgica fue el primer país, además de Francia, cuyas iniciativas artísticas llevaron al establecimiento de una escena surrealista como tal.

Características

Para los surrealistas, lo espontáneo, lo inconsciente y el juego con lo racional están en el centro de la creación. Las imágenes cotidianas llevadas a un plan fuera de la realidad fue lo que capturó el interés de muchos. Fue en 1926 cuando René Magritte pintó sus primeros lienzos de carácter surrealista.

Una exposición única

A lo largo del recorrido de la exposición se puede observar cómo se va desarrollando el estilo de Magritte. Desde su etapa colorida con el Cubismo, llevando su obra a una fase al estilo de Dalí a un periodo de finales de la década de 1940 con pinceladas al estilo de Kandinsky hasta sus característicos bombines de la década de 1960.

La colección es el resultado de varias compras y generosas donaciones. Georgette Magritte, esposa del artista, e Irène Scutenaire-Hamoir donaron a los Museos Reales algunas de las obras maestras de las que el Museo Musée Magritte deriva su atractiva colección.

Magritte constantemente cuestionó las convenciones del lenguaje y la representación visual, utilizando métodos que incluían el nombre incorrecto de objetos, la duplicación y la repetición, el espejismo y la representación de visiones vistas en estados de semi vigilia. La persistente tensión que Magritte mantuvo durante estos años entre naturaleza y artificio, verdad y ficción, realidad y surrealismo, es uno de los logros más profundos de su arte.

Platicamos con Kristina Velfu, una mujer apasionada por el arte que ha logrado posicionarse como una de las figuras más importantes del tema en México.

Kristina es una periodista especializada en difusión del arte y la cultura. Es egresada de la carrera de Sociología de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la Universidad Nacional Autónoma de México. Además, cuenta con una Maestría en Discurso y Comunicación por la Universidad Complutense de Madrid, una especialidad en Gestión de la Comunicación en Organizaciones Culturales por la Asociación de Gestores Culturales de Andalucía, España, y un Diplomado en Gobernabilidad e Imagen Pública en la Universidad de George Washington en Washington DC, entre otros cursos y talleres relacionados con comunicación.

Siguiendo su instinto

“Cuando regresé a México empecé trabajando un poco como periodista de radio, lo cual me gusta mucho y aunque tenía todas las fuentes de investigación como la política, la seguridad, etcétera, me di cuenta que me gustaba mucho el arte. Cuando estudié en España, al salir de clases, recuerdo que iba todas las tardes al Museo del Prado. Desde ahí empecé a notar que el arte era mi vocación. Cuando volví, me dediqué también a hacer cápsulas o investigaciones de artistas. Estas notas comenzaron a tener relevancia. Así que en determinado momento, cuando me di cuenta de que el periodismo de investigación, el cual me gustaba mucho, era peligroso, le hice caso a mi instinto y me dediqué al periodismo cultural”.

Así fue como Kristina se dedicó a especializarse en el periodismo cultural, mientras que a la par formó su empresa de relaciones públicas, la cual está especializada en empresas culturales, artistas visuales, casas de subastas, galerías, fundaciones, museos y más.

El punte entre los artistas y el público

Sobre las bases en las que se cimenta su empresa, nos comenta: “lo que yo identifiqué es que faltaba el puente entre el gran público y la empresa cultural o el artista. Es decir, el artista tiene que trabajar en su obra y al momento de enfrentarse al público, necesita alguien que le ayude a hacer ese enlace. Me di cuenta de que esta era una gran área de oportunidad y para un periodista no es tan difícil entender o traducir lo que alguien declara. Los artistas que tienen su propio lenguaje de comunicación necesitan a intermediarios que les ayuden a poner en palabras sus ideas. También identifiqué que es muy importante que un artista pueda vivir de su trabajo, es decir, que sea conocido, además que socialmente es imprescindible conocer la condición artística del país. El arte tiene la posibilidad de darnos a entender qué es lo que queremos de la vida y lo que no, y nos da una propuesta de mundos posibles. La sociedad necesita saber sobre el trabajo de los artistas porque son de alguna manera los arqueólogos del presente”.

El arte en México

Velfu es una gran conocedora del arte en México y ante la pregunta de cómo han sido los cambios de este ámbito en el país, nos dice: “el arte en México antes estaba muy sacralizado, es decir, existía el cubo blanco que imponía, además de que se pensaba que comprar arte sólo estaba al alcance de los millonarios. Lo que más he escuchado a lo largo de mi carrera es a las personas decir que no saben nada de arte, lo cual tiene que ver con tener al arte y a los artistas en un pedestal, al cual solo pueden acceder personas sofisticadas y cultas. Pero en realidad no es así. El arte habla sobre las emociones, la vida, la sensibilidad y lo único que se necesita para poder acercarse es ser una persona que sienta. Actualmente, el arte se democratizó mucho a partir del uso de las redes sociales. Los artistas jóvenes las utilizan para promover su trabajo y se convierten en sus propios gestores, sin la necesidad de la galería. Por otro lado, también creo que ha empezado un interés de gente cada vez más joven en ser coleccionista”.

Dentro de la decisión de dedicarse totalmente al periodismo cultural, Kristina comenzó a pensar en crear su propio medio, uno que hablara de noticias soft, buenas noticias que alimentan el alma de la sociedad. “La gente busca mucho este tipo de notas, sobre aquellas que te hablan de qué hacer durante el fin de semana, a dónde ir cuando visitas un lugar nuevo, qué regalos comprar para Navidad o cómo comenzar una lista de propósitos. Por eso decidí abrir mi revista, Soft Magazine, donde se cuentan historias que inspiran a la gente.”

Conoce la exposición en Ámsterdam que explora un siglo de pintura vienesa y ofrece una mirada única a la obra de Gustav Klimt y sus sucesores a través de una plétora de retratos, paisajes, desnudos y colores.

Últimamente, hemos tenido la fortuna de que en muchos países se pueden apreciar las obras de artistas de gran renombre en espacios y formatos poco comunes. Esto de proyectar la obra de un gran artista en lugares inusuales se vuelve toda una experiencia inmersiva y, al parecer, muy de moda en estos últimos años. Un acercamiento diferente tanto al artista como a su obra.

Revolución artística

En esta ocasión tuvimos la oportunidad de presenciar la exhibición inaugural de un lugar especial en Westergasfabriek, Ámsterdam. Para marcar su inauguración, la Fabrique des Lumières explora un siglo de pintura vienesa y ofrece una mirada única a la obra de Gustav Klimt, quien fuera el impulsor de la Secesión de Viena, un movimiento que pretendía sacudir el arte europeo, allanando el camino a la pintura contemporánea. Los tonos dorados y los motivos decorativos simbolizan esta revolución artística.

Hundertwasser

A la par, también se puede apreciar una pequeña exhibición llamada “Hundertwasser”, la cual sumerge a los visitantes en la obra del artista vienés de nombre Friedensreich Hundertwasser, pintor y arquitecto que siguió los pasos del movimiento de Secesión de Viena, el cual se produjo varias décadas antes.

La obra de este artista dio nueva vida al arte y estuvo fuertemente influenciada por la revolución artística instigada por Klimt. Sus pinturas y trabajos arquitectónicos, que están profundamente imbuidos de respeto tanto por el hombre como por la naturaleza, se inspiran en la fuente de la vida y los elementos orgánicos.

La locación no puede ser mejor, una antigua fábrica de gas en Ámsterdam, la cual fue construida en 1885 por la Imperial Continental Gas Association, pero que al pasar los años se le ha dado una nueva vida y se ha convertido en un centro cultural para el disfrute de todos en la ciudad.

Fabrique des Lumières

Lo que hace único a este tipo de exhibiciones es la inmersión como tal a la obra del artista, pues tanto piso como paredes son totalmente cubiertas por las proyecciones de su obra con movimiento y música que van a la par de lo que el espectador está experimentando en ese momento. Conforme se camina por el espacio se pueden apreciar distintas imágenes y sensaciones. Todo tiene diferente perspectiva en Fabrique des Lumières, todo cobra un sentido distinto y el acercamiento se vuelve más íntimo.

Fabrique des Lumières da vida al arte: las obras de los artistas más importantes de la historia del arte, son repartidas en una oda de imagen y sonido digital que permiten que la tecnología respire y florezca en los grandes espacios abiertos de grandes ciudades.

Fabrique des Lumières tiene presencia en varios países del mundo como Nueva York, Dubai, París, Hamburgo, Corea, entre otras. Las proyecciones van cambiando de artista por temporadas y por ciudad, por lo que nunca va a ser igual.

Con la exposición “Old-Fashioned Power”, una propuesta extensa de icónica fotografía que atrapa y seduce, este nuevo espacio abre sus puertas.

Para vivir el arte

Con la premisa de que el arte puede crear por sí mismo el ambiente de un lugar, la galería Bruggens México abre sus puertas en la Ciudad de México este 20 de abril en una de las zonas más cosmopolitas de la ciudad: Temístocles 33, en el corazón de Polanco.

La estética y la excelencia son la energía que da vida a esta galería. Con la intención de traer una gran variedad de obras con una curaduría de fotografía contemporánea, el espacio reúne la obra de artistas que atraen las miradas no solo de amantes de la fotografía sino también de arquitectos, diseñadores, interioristas, decoradores y de aquellos quienes buscan crear acentos de impacto en sus espacios.

Al momento, Bruggens tiene piezas de reconocidos fotógrafos internacionales como Renee Rumann de Colombia, Rodrigo Vergara de Argentina, Claude Laslo de Francia, Gia Tyles de EUA, entre otros.

Old-fashioned Power

Curada por la diseñadora y curadora Marcela Landgrave, “Old-fashioned Power” propone al espectador un debate interno sobre la vigencia de aquellos íconos que han representado el poder en la cultura popular, conceptos cuestionados y en transformación que por razones antropológicas siguen siendo un poderoso imán que atrapa nuestra mirada y nuestros deseos.

A futuro

Si bien, esta primera exposición se trata únicamente de reproducciones fotográficas autorizadas, la visión de la galería se encamina a encontrar talento mexicano que se sume a la lista de artistas de Bruggens México y así expandir su portafolio para ampliar las opciones a otra tipología de formatos y expresiones como pintura, escultura o mix media.

Luis Zánches es un artista cuya vocación comenzó desde la infancia. Su técnica, principalmente en óleo y acrílico, nos llevan a explorar sus sueños.

Artista de nacimiento

Desde niño, Luis Zánches siempre se sintió atraído por el dibujo. A los 11 años comenzó a explorar con diferentes materiales y técnicas como el pastel, bolígrafo y carboncillo. A pesar de haber estudiado Derecho, la pintura siempre fue su mayor atracción.

De familia

El abuelo de Luis fue un artista Neo Barroco enfocado a hacer retratos de diferentes personajes de la biblia. Aunque el estilo de Luis no tiene que ver nada con el de su abuelo, ese fue su primer acercamiento a la pintura.

Un mundo de colores

Su mundo de niño era la pintura, pues podía pasar más de tres horas pintando. Al comienzo fue autodidacta y buscaba en internet cómo hacer una cara, cómo pintar un cuerpo, etc.

Cuando acabé la carrera de Derecho, ya estaba trabajando de tiempo completo y me sentía muy encerrado, hasta que no pude más y lo dejé. Lo más curioso es que al hacerlo, ni siquiera sabía que quería dedicarme a la pintura”.

Un nuevo camino

Después de un viaje a Londres, se dio cuenta de que la pintura era lo que le apasionaba. Esta realización le abrió todo un panorama a Luis, y lo que más llamó su atención fue el arte urbano.

En la cafetería en la que trabajaba en Londres empecé a pintar las mangas del café y se las regalaba a los clientes. Todas las mangas las subí a Instagram y de pronto me llamaron de una galería porque les gustó mi trabajo. Fue en estsa exhibición que vendí mi primera obra y en ese momento supe que este era mi camino”.

Su obra

A su regreso a México, Luis estudió pintura para dedicarse a ella profesionalmente. Luis experimenta con distintos medios como la tela, la madera y la piel. También ha trabajado con arte digital, el cual imprime en acrílico o tela.

Tengo una técnica que es una mezcla de óleo y acrílico con distintos materiales. En un principio era muy experimental, ahora ya me siento mucho más tranquilo pues mi línea de trabajo tiene una constancia”.

Luis considera que es necesario, en un principio, experimentar mucho para encontrarse, quitar y hacer a un lado el miedo para encontrar el camino. A través de su carrera, los artistas oaxaqueños contemporáneos han inspirado su obra. Además, su obra es todo un juego y mundo de personajes con la que, a través de las distintas técnicas, poco a poco el espectador se adentra en su universo.

Actualmente, Luis se está trasladando a los murales, técnica que llamó su atención en un inicio y los que le indicaron que su verdadera vocación era el arte. En la actualidad, Luis ha expuesto dentro y fuera de México, a la vez que continúa con nuevos proyectos y propuestas para llevar su obra por todo el mundo.