Luis Zánches es un artista cuya vocación comenzó desde la infancia. Su técnica, principalmente en óleo y acrílico, nos llevan a explorar sus sueños.

Artista de nacimiento

Desde niño, Luis Zánches siempre se sintió atraído por el dibujo. A los 11 años comenzó a explorar con diferentes materiales y técnicas como el pastel, bolígrafo y carboncillo. A pesar de haber estudiado Derecho, la pintura siempre fue su mayor atracción.

De familia

El abuelo de Luis fue un artista Neo Barroco enfocado a hacer retratos de diferentes personajes de la biblia. Aunque el estilo de Luis no tiene que ver nada con el de su abuelo, ese fue su primer acercamiento a la pintura.

Un mundo de colores

Su mundo de niño era la pintura, pues podía pasar más de tres horas pintando. Al comienzo fue autodidacta y buscaba en internet cómo hacer una cara, cómo pintar un cuerpo, etc.

Cuando acabé la carrera de Derecho, ya estaba trabajando de tiempo completo y me sentía muy encerrado, hasta que no pude más y lo dejé. Lo más curioso es que al hacerlo, ni siquiera sabía que quería dedicarme a la pintura”.

Un nuevo camino

Después de un viaje a Londres, se dio cuenta de que la pintura era lo que le apasionaba. Esta realización le abrió todo un panorama a Luis, y lo que más llamó su atención fue el arte urbano.

En la cafetería en la que trabajaba en Londres empecé a pintar las mangas del café y se las regalaba a los clientes. Todas las mangas las subí a Instagram y de pronto me llamaron de una galería porque les gustó mi trabajo. Fue en estsa exhibición que vendí mi primera obra y en ese momento supe que este era mi camino”.

Su obra

A su regreso a México, Luis estudió pintura para dedicarse a ella profesionalmente. Luis experimenta con distintos medios como la tela, la madera y la piel. También ha trabajado con arte digital, el cual imprime en acrílico o tela.

Tengo una técnica que es una mezcla de óleo y acrílico con distintos materiales. En un principio era muy experimental, ahora ya me siento mucho más tranquilo pues mi línea de trabajo tiene una constancia”.

Luis considera que es necesario, en un principio, experimentar mucho para encontrarse, quitar y hacer a un lado el miedo para encontrar el camino. A través de su carrera, los artistas oaxaqueños contemporáneos han inspirado su obra. Además, su obra es todo un juego y mundo de personajes con la que, a través de las distintas técnicas, poco a poco el espectador se adentra en su universo.

Actualmente, Luis se está trasladando a los murales, técnica que llamó su atención en un inicio y los que le indicaron que su verdadera vocación era el arte. En la actualidad, Luis ha expuesto dentro y fuera de México, a la vez que continúa con nuevos proyectos y propuestas para llevar su obra por todo el mundo.

Luego de su exposición titulada “Cocijo” en la galería MAIA Contemporary en la Ciudad de México, Sabino Guisu le recuerda al espectador que los dioses no están muertos.

Lo sagrado en la obra de Guisu

La obra de Sabino Guisu (Juchitán, Oaxaca, 1986) puede considerarse una continua reflexión entre lo sagrado y lo profano, de cómo coexisten la mundanidad y el sentimiento religioso en la vida actual.

El arte le permite a Sabino orientar sus pensamientos y mostrar la ambigüedad entre modernidad y pasado antiquísimo. Así trabaja desde la paradoja, creando artefactos y objetos de extraña belleza que nos cuestionan si realmente hemos perdido los grandes mitos que constituyen nuestra civilización.

Cocijo

Haciendo referencia a la cultura pop de los Art-Toys, Sabino Guisu ilustra cómo sería la figura simbólica de Cocijo (divinidad zapoteca precolombina de la lluvia y el rayo) en el universo paralelo de la modernidad.

El trabajo del creador oaxaqueño ha sido el de buscar aquellas piezas enterradas en la conciencia y darles un nuevo significado.

Inspiración

Sabino Guisu visitó hace unos años el Kimbell Art Museum, en Texas. Allí, entre el acervo habita una urna funeraria del dios Cocijo. El artista pensó en cómo hacer volver dicha figura a su lugar, a Oaxaca.

Materialidad

Imposible sustraerlo o pedir al museo su devolución. Así que mejor decidió reescribir su historia y lo hizo volver de forma simbólica a nuestros días. Los materiales utilizados (conglomerado, metal, resinas, acrílicos) son todos elementos profanos, materiales de la era industrial.

Los colores, ya de por sí eléctricos, dan un extraño barniz de modernidad que parece chocar con la deidad atemporal.

Trayectoria

Guisu estudió y trabajó en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y recibió la mentoría del maestro Francisco Toledo, con el que colaboró y ha exhibido en numerosas ocasiones.

Desde sus primeros retratos y cráneos creados con humo, hasta sus trabajos más recientes —textiles de lana en relieve y esculturas en madera al horno— Sabino mantiene el uso de materiales orgánicos en su trabajo.

Su obra es un camino que recorre la historia del hombre, desde los primeros vestigios impresos con cenizas sobre las cavernas, hasta el uso de los materiales antiguos en la exploración actual de nuevas técnicas para la producción de un objeto artístico.

Para conocer más de su obra visita:

www.maiacontemporary.com

Colima 159, Roma, CDMX; 55 89 02 42 91

IG: @maiacontemporary

Un libro que reúne la grandeza artística de uno de los artistas plásticos más relevantes en la historia del arte moderno de México.

Un libro para conocer al artista

Después de 6 años de un proceso de investigación exhaustivo, en el marco de la exposición “Un Cauduro es un Cauduro (es un Cauduro)”, el Colegio de San Ildefonso, Casa Estudio Cauduro y Trilce Ediciones presentaron el libro: “AQUÍ ESTUBO CAUDURO”, una publicación que nos permitirá acercarnos al artista mexicano Rafael Cauduro de una manera distinta, mostrando cómo desarrolló la idea de su obra, permitiendo entender la intención de sus creaciones conceptualmente complejas e impactantes.

“AQUÍ ESTUBO CAUDURO” fue posible gracias a la iniciativa de Alberto Torrado y de la participación y confianza de Rafael Cauduro y de Carla Hernández, quien fueron mancuerna importante en gran parte de la obra del artista.

Asimismo, contó con el apoyo de la Suprema Corte de Justicia de la Nación y de la Casa Estudio Rafael Cauduro, bajo la dirección de Liliana Pérez Cano.

Sus partes

La publicación está conformada por seis grandes capítulos: el primero es una revisión de la obra de Cauduro relacionada con el periodo artístico en el que desarrolló sus primeras obras, a cargo de Juan Rafael Coronel Rivera (poeta, fotógrafo, narrador, ensayista, crítico e historiador del arte, curador, etnólogo y editor).

El siguiente capítulo fue escrito por Gonzalo Vélez (poeta, ensayista y crítico de arte, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte), y se trata de una descripción biográfica desde la llegada de los Cauduro a México el 24 de febrero de 1882, y realiza un recorrido por toda la creación y producción temprana de la obra de Rafael Cauduro.

En el capítulo número tres, Dina Comisarenco Mirkin (historiadora de arte, investigadora, docente, curadora y editora), realiza un estudio y análisis sobre el importantísimo mural “Un clamor por la justicia. Siete crímenes mayores”, que está en el lado suroeste del edificio de la Sede de la Suprema Corte de Justicia de la Nación en México. Es un mural ubicado en el cubo de la escalera principal conocida como la “de los ministros” y un recordatorio sobre la violencia que permea al país desde hace mucho tiempo.

Continúa un texto a cargo de Luis Martín Lozano (historiador del arte especializado en el estudio de diferentes aspectos del modernismo y el arte mexicano y latinoamericano. Es investigador exhaustivo de la obra de Frida Kahlo y Diego Rivera), quien por primera vez realizó un estudio del dibujo en Cauduro, una de las facetas más desconocidas del artista, convirtiéndola en una revelación para este libro.

En su texto, Gerardo Kleinburg (narrador, crítico y promotor musical, quien fuera director de la Compañía Nacional de Ópera de México, de La Casa del Lago Juan José Arreola, titular de Literatura UNAM y del Festival Internacional Cervantino), narra la historia de cuando invitó a Cauduro a montar la escenografía y vestuario de ópera Salomé, de Richard Strauss, bajo la puesta en escena de Arturo Ripstein.

Una obra de arte en si misma

“AQUÍ ESTUBO CAUDURO” abunda sobre 400 obras e incluye material inédito del artista. El diseño, a cargo de Juan Carlos Mena, permite acercarnos a Cauduro de una forma diferente, pues muestra cómo el artista desarrolló la idea de su obra, lo que permite entender mejor la intención de sus creaciones, que son conceptualmente complejas e impactantes.

Para la realización de este libro se revisaron los diarios del maestro, sus cuadernos de bocetos, notas, escritos y los libros que leía, mismos que denotan a un pintor sumamente cultivado, cualidad que se hace notar en su trabajo.

“AQUÍ ESTUBO CAUDURO”

TRILCE EDICIONES

417 Páginas | Bilingüe Español-Inglés

Textos: Juan Rafael Coronel Rivera, Gonzalo Vélez, Dina Comisarenco, Luis

Martín Lozano y Gerardo Kleinburg.

Editores: Déborah Holtz y Juan Carlos Mena.