La moda latinoamericana vuelve a mirar hacia Europa con una propuesta que encuentra en la materia, la artesanía y la luz un nuevo lenguaje de expresión. El próximo 28 de septiembre, Nicteel by Owana Lima presentará en Milán su nueva colección, “Eternally the Light”, como parte de la plataforma GX Fashion Week.

La propuesta de la diseñadora guatemalteca Owana Lima parte de una idea tan esencial como poderosa: la luz como una presencia eterna. El instante en que la claridad transforma el paisaje, revela la materia y convierte cada sombra en una dimensión nueva se convierte en el punto de partida de una colección que explora la tensión entre luminosidad y oscuridad, permanencia y metamorfosis.

En Eternally the Light, la luz no es únicamente una referencia estética: es una metáfora de identidad, evolución y permanencia.

El destello que esculpe la materia

Uno de los grandes protagonistas de esta nueva propuesta es la lana orgánica, reinterpretada mediante un proceso experimental desarrollado especialmente para la colección.

A través de esta técnica, la fibra adquiere una nueva dimensión. Las siluetas escultóricas se transforman en superficies vivas, envolventes y profundamente sensoriales, capaces de atrapar, reflejar y preservar la luz sobre el cuerpo. La lana deja así de ser simplemente un material para convertirse en una herramienta de construcción artística.

Su estructura, volumen y relieve generan composiciones que evocan el movimiento de la luz y, al mismo tiempo, establecen un diálogo esencial entre cuerpo, tierra y tiempo.

Cincelar el instante en la memoria del tiempo

Cada creación de Eternally the Light representa un instante:

• El amanecer que sucede a la oscuridad.
• El fulgor que permanece.
• La energía de aquello que, aun atravesando el tiempo, continúa iluminando.

En manos de Owana Lima, la transformación de la lana orgánica se convierte en una exploración sobre la permanencia. La materia cambia, se transforma y adquiere nuevas formas, pero conserva su esencia.

“La luz no se extingue; se transforma.”

Esta frase resume el espíritu de una colección que entiende la moda como un territorio de investigación, identidad y expresión artística. Y es precisamente en esa transformación donde Nicteel encuentra su nueva belleza.

El eco ancestral que susurra al mañana

La llegada de Nicteel a Milán representa también la evolución de una identidad construida desde Guatemala.

Fundada por Owana Lima, la marca ha desarrollado una propuesta que conecta el diseño contemporáneo con la riqueza artesanal y cultural de su país. El trabajo conjunto con artesanos guatemaltecos constituye uno de los pilares de su lenguaje creativo, incorporando técnicas, materiales y saberes que forman parte de la memoria textil de Guatemala.

La trayectoria de la diseñadora demuestra que tradición y vanguardia no tienen por qué ocupar extremos opuestos:

• Nueva York (2018): En 2018, Owana Lima llevó Nicteel a New York Fashion Week, donde presentó diseños realizados con textiles y elementos elaborados por artesanos guatemaltecos de regiones como Chichicastenango y Sololá, compartiendo escenario con marcas de la talla de Victoria Beckham, Marc Jacobs, Oscar de la Renta y Jason Wu.
• Milán (2023): En 2023 mostró una colección en la Fondazione Stelline, dentro de la programación vinculada a la semana de la moda, exclamando el potencial creativo y la riqueza cultural de Guatemala desde una perspectiva sostenible.
• Guatemala (2024 – 2026): En la Semana de la Moda Guatemala 2024, Vogue México destacó su propuesta 4to elemento, y recientemente, en la edición 2026, presentó Ethereal Distortion, profundizando en texturas orgánicas y construcción escultórica.

Hilar un puente entre la raíz y el cosmos

La trayectoria de Owana Lima se construye desde el encuentro entre formación internacional, identidad latinoamericana y artesanía guatemalteca.

Su formación vinculada al Istituto Marangoni forma parte de una visión que entiende la moda desde una perspectiva global, mientras que sus raíces guatemaltecas determinan el carácter de una marca que ha hecho de la artesanía y la identidad cultural uno de sus principales elementos de diferenciación.

La diseñadora ha sido reconocida con el Galardón de Guatemaltecos Ilustres, el reconocimiento 100 Mujeres Destacadas y el Star for Leadership in Quality Award, además de ser nombrada embajadora de la moda por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Guatemala.

Su filosofía parte de una premisa clara: llevar la riqueza de Guatemala al mundo sin despojarla de su esencia. Por eso, cada colaboración con artesanos representa un puente entre generaciones, una forma de preservar conocimiento y una oportunidad para llevarlo a nuevos territorios creativos.

Donde la penumbra florece en belleza eterna

La presentación de Eternally the Light en Milán representa un nuevo capítulo para Nicteel by Owana Lima. En una ciudad donde la tradición artesanal convive con la experimentación, la arquitectura y el diseño, la propuesta encuentra un escenario natural para expresar su visión.

La colección propone mirar la moda desde otro lugar: no solamente como una sucesión de prendas, sino como una experiencia sensorial donde materia, luz, cuerpo y memoria forman parte de una misma narrativa.

Desde Guatemala hasta Milán, Owana Lima continúa construyendo un lenguaje propio donde la lana se convierte en escultura, la artesanía se transforma en alta moda y la tradición encuentra nuevas formas de existir.

Porque para Nicteel, la luz nunca desaparece. Se transforma. Y en esa transformación nace la belleza.

SOBRE NICTEEL BY OWANA LIMA

Nicteel by Owana Lima es una firma guatemalteca de moda, accesorios y piezas de diseño que fusiona técnicas artesanales, materiales naturales e identidad cultural con una visión contemporánea. La marca ha llevado su propuesta a escenarios internacionales como New York Fashion Week y Milán, y ha sido reconocida por medios especializados por su trabajo en torno a la artesanía guatemalteca y la sostenibilidad.

• Diseñadora: Owana Lima
• País: Guatemala
• Colección: Eternally the Light
• Presentación: 28 de septiembre de 2026
• Ciudad: Milán, Italia
• Plataforma: GX Fashion Week
• Instagram: @nicteelfashiongt

El pasillo dividido en “para ella” y “para él” ya no le dice nada a nadie. El aroma no tiene género, tiene química, y hoy los que mandan son los cálidos, golosos y de piel: esos que huelen distinto en cada quien y que cualquiera se roba de la mesa de noche sin pedir permiso. Aquí van cuatro de los que más se habla ahora mismo, que se ven, y huelen, increíble en cualquier piel.

Bianco Latte
El viral gourmand que no se rinde. La casa italiana hace todos sus perfumes unisex por filosofía, y este bestseller es la prueba. Abre con un caramelo luminoso, se derrite en miel y cumarina y aterriza en un fondo cremoso de vainilla y almizcle blanco. Un abrazo de leche caliente que no entiende de género porque nadie le dice que no a oler delicioso. Dulce y adictivo sin empalagar, dura horas y deja estela.

Oudgasm Vanilla Oud 36
Kayali creó su línea Oudgasm como unisex de origen. El oud, tradicionalmente andrógino, es el corazón de toda la colección. Este es el más fácil de amar, porque arranca con pera y praliné especiado de azafrán, deja asomar un guiño de rosa y baja a una madera de oud envuelta en vainilla y almizcle que sabe a postre cálido. Sensual, envolvente y con una longevidad de escándalo, funciona igual de bien en cualquier piel.

Musc Grenat
De la casa que convirtió el almizcle “piel” en fenómeno, ese aroma que cualquiera se roba de su pareja. Su lanzamiento 2026, de la línea artesanal Les Luminances, es unisex de fábrica. Abre jugoso con granada y mandarina, guarda un corazón de rosa y azafrán sobre el musc de la casa y cierra en cuero suave, pachulí y sándalo. Íntimo, sensual y adictivo, huele a tu propia piel, pero mejor.

Replica By the Fireplace
El viral de TikTok que no pasa de moda. En vez de venderte una fantasía masculina o femenina, te vende un recuerdo: la chimenea encendida en una cabaña nevada. Lo arma con clavo y castaña asada que se abren a un corazón dulce de vainilla, sobre un fondo de maderas de guayaco y ese hilo de humo del aceite de cade. Como evoca un momento y no un arquetipo, se vuelve de todos por default: un abrazo embotellado.

Llega septiembre y con él esa mezcla deliciosa de antojo de pozole y ganas de sacar algo verde, blanco o rojo del clóset. Entre nos, el tricolor se ve increíble siempre que lo lleves como un guiño tuyo y no como uniforme. La clave está en elegir una sola idea y ejecutarla bien. Aquí van tres formas de sumarte a la fiesta, puedes mezclarlas o quedarte con una sola; lo importante es que la lleves con seguridad.

El maquillaje a lo Frida

Si buscas algo lograble y sin gastar de más, empieza por la cara. Un labial rojo mate, unas cejas pobladas y bien peinadas, la piel fresca y luminosa y —si te animas— unas flores en el pelo. Es el homenaje más directo a Frida Kahlo y lo mejor es que funciona sobre cualquier blusa blanca que ya tengas colgada. No necesitas invertir en un outfit nuevo: el rojo en los labios hace todo el trabajo, se ve poderoso en persona y espectacular en las fotos. Un tip: elige un rojo con subtono cálido si tu piel es morena y remátalo con un delineado sencillo para que la mirada también hable.

Una pieza bordada con historia

Aquí va mi consejo con el corazón: invierte en una sola pieza artesanal y deja que se robe el show. Un chaleco bordado, un rebozo o una bolsa tejida levantan al instante un look sencillo de playera y pantalón, y cuentan una historia que ninguna prenda de fábrica puede imitar. Y por favor, cómprala directo con artesanas y artesanos mexicanos, en cooperativas o mercados de la comunidad: pagar el precio justo es darle valor a nuestra gente y a un oficio que carga siglos de técnica. La diferencia se siente en la prenda, en la calidad del hilo y en la intención con la que la portas.

Saca el jersey verde

Y para las que aún traen el corazoncito futbolero, aunque todavía duela un poquito, el Mundial que vivimos en casa nos regaló una alegría que vale la pena revivir. Rescata tu jersey verde de la Selección y llévalo con una falda tableada blanca, lentes de sol y unas arracadas doradas. Así deja de ser ropa de estadio y se convierte en un look con actitud, cómodo y fresco para la noche del Grito. Si quieres subirle el nivel, mete la playera dentro de la falda, suma unos tenis blancos o unas sandalias y listo: gritas “¡Viva México!” sin perder ni una pizca de estilo.

El otoño es cuando las texturas se ponen interesantes. Después de meses de lino y algodón, de pronto todo pide gamuza, encaje, organza. Y aunque suene a mucho, vestirte bien esta temporada no se trata de complicarte, sino de elegir las piezas correctas. Estas seis tendencias son justo eso: fáciles de incorporar, imposibles de arruinar y con ese aire elevado que define el fall. Aquí está todo lo que vas a querer usar, con tres versiones de cada pieza clave.

Cocoa Season
La pieza ancla del otoño es la chamarra tipo barn en gamuza. La silueta utilitaria de siempre, con corte holgado, cuello camisero y bolsillos de parche, pero en ante suave, que es lo que la vuelve especial. El truco no es solo la chamarra, es la paleta: combínala con piezas en tono cocoa, esos cafés profundos que dominan la temporada (espresso, moka, cacao). Un bolso chocolate, unos jeans cafés, cualquier cosa en esa gama la eleva al instante.

Prep Talk
El polo de rayas es el regreso más preppy del otoño y el más fácil de usar. Ese cuello con solapa que asoma bajo un saco o una chamarra le da estructura sin que lo pienses, y las rayas en tonos otoñales como el café, vino o azul, hacen todo el trabajo de color por ti. Póntelo con jeans rectos, mételo en una falda o llévalo de capa bajo la chamarra de gamuza para ese aire old money, pulido pero relajado.

Croc Effect
El grabado cocodrilo es el atajo más rápido para que un accesorio se vea de diseñador sin serlo. Esa textura en relieve le da presencia a cualquier bolso, y este otoño se lleva en tonos ricos: negro clásico, pero también verde y oxblood, que son los que se sienten nuevos. Empieza con un bolso pequeño para probar el terreno o con una billetera a juego, puro carácter en formato mini.

Hands On
Los guantes de piel a la muñeca son el detalle que separa a la que se viste bien de la que se viste increíble. Regresaron con fuerza y funcionan igual como pieza práctica que como statement. Unos guantes negros de napa con un abrigo camel son un look completo por sí solo. La clave está en el largo justo a la muñeca, más moderno que el guante largo. Van con todo y suben el nivel en dos segundos.

Layered Organza
La organza en capas es la forma más elegante de meter transparencia sin sentirte expuesta. Esa tela vaporosa que se mueve con cada paso le da drama a un look por más simple que sea el resto. Una falda de organza sobre un slip, o un vestido traslúcido con algo debajo, se ve etéreo aunque te tome dos minutos armarlo. En negro es sofisticado y nocturno, perfecto para una cena o una boda de otoño.

Soft & Tough
El encaje con piel es el contraste perfecto, lo delicado contra lo rudo, lo romántico contra lo rebelde. La fórmula es sencilla, un top de encaje que se asome bajo una bomber de piel y de pronto tienes un look con intención. Es la manera de usar encaje sin verte cursi y piel sin verte dura. La bomber hace lo pesado, el encaje aporta lo suave, y juntos crean algo más interesante que cualquiera por separado.

Arte en cada pieza

Inspirada en el arte, la arquitectura y el simbolismo, la marca fundada por Andrés Duque apuesta por piezas de autor hechas en plata .925, donde el diseño pesa tanto como el oficio artesanal.

El primer taller de Andrés Felipe Duque Betancourt no estaba en México. Sus primeras piezas nacieron en Cali, Colombia, cuando apenas tenía 18 años y comenzaba a formarse como orfebre. Oro, plata y bocetos hechos a mano dieron forma a una colección que pronto encontró compradores fuera de su país. Amigos y familiares llevaron aquellos diseños a destinos como Panamá y Argentina, abriendo un camino que, años después, tomaría un nuevo rumbo.

En 2018 decidió instalarse en la Ciudad de México y comenzar de cero. La mudanza no significó abandonar su historia, sino ampliarla. Los viajes, el contacto con distintas culturas y el interés por el arte terminaron definiendo una visión que hoy distingue a Anarchy by Andrés Duque, una firma nacida en México que entiende la joyería como una expresión de identidad antes que como un complemento de moda.

Intención estética

Cada colección parte de referencias que dialogan con la arquitectura, el simbolismo y el diseño contemporáneo. La marca trabaja principalmente con plata esterlina .925 y materiales seleccionados para desarrollar piezas elaboradas de manera artesanal, donde cada textura, volumen y acabado responde a una intención estética. El resultado son colecciones de edición limitada que buscan conservar un carácter propio y alejarse de la producción masiva.

Ese mismo interés por el diseño se extiende a otras categorías. Además de joyería, Anarchy desarrolla lentes de sol, armazones ópticos y accesorios que comparten un mismo lenguaje visual: líneas limpias, materiales de calidad y una propuesta que privilegia la personalidad por encima de las tendencias pasajeras.

El crecimiento de la firma también ha estado ligado al trabajo con artesanos, distribuidores y diseñadores independientes en distintos puntos de México. A través de esa red ha impulsado la comercialización de piezas de autor y abierto oportunidades para creadores que encuentran en la marca un escaparate para llevar su trabajo a nuevos mercados.

El lema “Atrévete a crear tu propio estilo” resume la filosofía que acompaña cada colección. No plantea seguir códigos establecidos, sino construir una identidad propia a partir de objetos pensados para permanecer en el tiempo. Con esa visión, Anarchy mira hacia nuevas categorías como ropa, artículos de piel y accesorios de lujo, sin perder el principio que dio origen al proyecto: demostrar que el diseño de autor y el trabajo artesanal pueden convivir en piezas que trascienden la moda y encuentran su lugar como objetos de expresión personal.

Calzado que suce

Durante años, la recuperación física quedó reservada para el vestidor, el consultorio o las sesiones de fisioterapia. Hoy empieza a ocupar otro espacio: el de la vida diaria. Con esa idea, Nike y Hyperice presentaron las nuevas Nike Air Zoom Hyperslide, un calzado que busca trasladar tecnologías de recuperación al momento en que termina el entrenamiento, un viaje o una jornada especialmente demandante.

A simple vista parecen unas sandalias deportivas de diseño minimalista. La diferencia está en su interior. Bajo la correa ajustable se encuentra un módulo magnético desmontable que concentra la tecnología desarrollada por Hyperice. Desde ahí se activan tres niveles de calor —que alcanzan hasta 47 grados Celsius— y tres intensidades de vibración dirigidas a la parte superior del pie, una zona donde suele acumularse buena parte de la tensión después del ejercicio.

La experiencia se complementa con una suela de longitud completa equipada con la tecnología Nike Air Zoom, pensada para ofrecer una pisada suave y con buena respuesta mientras el usuario camina. Cada ciclo de recuperación dura 15 minutos y puede controlarse directamente desde el dispositivo o mediante la aplicación de Hyperice.

Tecnología a tus pies

El desarrollo del modelo responde a un cambio cada vez más visible entre atletas profesionales y aficionados: entender que el rendimiento no depende únicamente del entrenamiento, sino también del tiempo dedicado a recuperarse. Esa visión dio forma a un producto pensado tanto para quienes terminan una competencia como para quienes pasan horas de pie, viajan constantemente o simplemente buscan aliviar la fatiga cotidiana.

La colaboración entre ambas compañías también tomó en cuenta la experiencia de deportistas de alto rendimiento durante el proceso de desarrollo. El futbolista Virgil van Dijk destacó la combinación entre el sistema de calor y vibración, que favorece la recuperación del pie, y la amortiguación Air Zoom, que aporta comodidad durante el uso diario.

Las Nike Air Zoom Hyperslide llegarán al mercado el próximo 29 de septiembre en mercados seleccionados a través de Nike, Hyperice y distribuidores autorizados. Más que un nuevo lanzamiento de calzado, representan una señal de hacia dónde apunta la innovación deportiva: integrar el descanso y la recuperación como parte del entrenamiento, incluso cuando la actividad física ya terminó.

La fotografía de dos mujeres encendiendo sus cigarrillos mientras descansan en la parte trasera de un automóvil fue suficiente para que Nicky Zimmermann encontrara el hilo conductor de su nueva colección. Aquella imagen, protagonizada por Kathleen Howell y Jean Robertson durante una de las primeras travesías femeninas por carretera a través de Australia, condensaba el espíritu que buscaba para el otoño de 2026: determinación, libertad y una elegancia que nunca necesitó llamar la atención.

Las referencias continúan con otras figuras que transformaron la historia australiana durante la década de 1920. La escritora Miles Franklin, promotora de nuevas voces femeninas, aparece junto a las primeras selecciones nacionales de críquet integradas exclusivamente por mujeres. No compartían profesión ni origen, pero sí una misma convicción: ocupar espacios que hasta entonces parecían reservados para otros. Esa actitud atraviesa la colección sin convertirse en un disfraz de época.

La pasarela abre con prendas que evocan el lenguaje del uniforme. Monos de líneas limpias, trajes de construcción precisa y referencias deportivas dibujan una silueta práctica, casi austera. Conforme avanza el recorrido, las formas se relajan. La rigidez cede terreno a vestidos de seda, piezas inspiradas en la lencería y tejidos que responden al movimiento del cuerpo con absoluta naturalidad.

El diálogo entre códigos masculinos y femeninos aparece sin estridencias. Los pañuelos de seda estampados con escenas de aviación y deporte abandonan el cuello para convertirse en vestidos y faldas de caída ligera. Los tradicionales uniformes blancos del críquet encuentran continuidad en impecables trajes color crema, mientras una chaqueta vaquera de inspiración aviador comparte protagonismo con un conjunto verde lima que aporta un inesperado punto de frescura.

Las capas construyen buena parte del discurso visual de la temporada. Piel de oveja, terciopelo, seda y tejidos de punto se suceden con una lógica que privilegia la textura antes que el volumen. Camisas de mangas amplias aparecen bajo monos tipo bomber; las prendas escultóricas envuelven vestidos ligeros y generan una sensación permanente de transformación, como si cada conjunto admitiera distintas vidas dependiendo de quién lo lleve puesto.

La fluidez permanece como uno de los rasgos distintivos de ZIMMERMANN. Un vestido cruzado con encaje oscila sobre jeans de pierna ancha; una chamarra bomber de cuero azul tiza adquiere otra dimensión junto a una falda de seda con volantes, mientras el cuero color caoba abraza la silueta sin perder movilidad. Corbatas, pañuelos anudados y volantes en cascada acompañan cada paso, recordando que el diseño termina de cobrar sentido cuando la prenda abandona el perchero y comienza a moverse con quien la viste.

La colección evita el recurso fácil de reproducir la estética de los años veinte. Prefiere recuperar el impulso de aquellas mujeres que eligieron conducir, escribir, competir o explorar cuando hacerlo significaba desafiar las convenciones de su tiempo. Ese gesto, casi un siglo después, sigue encontrando eco en un guardarropa que entiende la sofisticación como una consecuencia natural de la libertad, nunca como un adorno.

Yo no creo en los aparatos que prometen un spa en casa. Tengo la piel apagada, la zona T que se congestiona sola y años peleando con los poros a base de arcilla, tiras nasales y exfoliantes que arden más de lo que ayudan. He escuchado todas las promesas y ninguna cumplió. Así que un “facial de spa en diez minutos” me sonó a más de lo mismo. Lo que me hizo probarlo fue otra cosa. Este aparato no vende una crema, vende succión. Y esa sí se ve.

La prueba está en el tanque
Una rutina normal en casa consiste en aplicar producto y esperar a que algo pase. La FacialPro Glow, que se presenta como un sistema de limpieza profunda e hidratación en casa, trabaja al revés. En lugar de frotar, ejerce una succión suave que sella sobre la piel, retira grasa y células muertas por un lado e infunde agua con activos por el otro. Primero se pasa el Derm Detox, con ácido glicólico y salicílico para disolver lo que está adherido y después el Hydro Infuse, con ácido hialurónico para hidratar. Es, en esencia, el hidrafacial de consultorio sin tener que salir de casa. Y no hace falta creerme. El agua que recorre el rostro sale turbia, con lo que traías en los poros. ¿Qué noté? La piel más tersa, la nariz menos áspera y un tanque que, tras el primer uso, ya no era agua limpia. La marca presume hasta 128% más de hidratación en diez minutos. Yo me quedé con lo que vi salir.

Diez minutos que son solo míos
Son cinco pasos: limpiar, extraer, hidratar, desinflamar e iluminar. Y sí, hay que llenar el tanque, cambiar de fórmula, tomarse el tiempo. Ahí estuvo la sorpresa. En lugar de sentirlo como un pendiente más, se convirtió en el momento del día que es solo mío, diez minutos en los que no le resuelvo a nadie, solo me cuido. El accesorio DePuffi terminó de convencerme. Es el de contraste frío-calor, InstaHeat para preparar la piel e InstaChill para desinflamar y definir el contorno, con seis niveles de temperatura. El frío bajo los ojos por la mañana se volvió mi pequeño lujo diario. 

¿Vale lo que cuesta?
No es un gasto de impulso, es una inversión, de las que se justifican solas si de verdad te la vas a dar. Para mí termina dependiendo de dos cosas, el estado de tu piel y qué tan constante seas. Si te haces un facial muy de vez en cuando, una mascarilla de arcilla resuelve la noche. Pero los resultados (poros, textura, luminosidad) se acumulan, no aparecen de una sola vez, así que si lo tomas como ritual, vale totalmente la pena. A mí no me borró años de poros congestionados de inmediato. Lo que hizo fue quitarme las ganas de exprimir, tallar de más y arrancar tiras, que era justo lo que maltrataba mi piel. Y me dio, de paso, algo que no sabía que necesitaba, un momento fijo para tratarme bien.

La moda siempre ha encontrado escenarios para reinventarse. Algunas veces ocupa museos, otras interviene edificios históricos y, de vez en cuando, decide instalarse alrededor de una mesa. Esa fue la apuesta de Diego Cerón para celebrar veinte años de trayectoria: abandonar el recorrido lineal de una pasarela y construir una velada donde cada elemento formara parte del mismo relato.

Bajo el nombre Couture à Table, el diseñador reunió alta costura, gastronomía y arte drag en Hotel Sureño durante el Mes del Orgullo. La presentación de veinte looks ocurrió entre platillos, iluminación teatral y performances que transformaron el espacio en una puesta en escena donde la ropa convivía con la música, los gestos y la interpretación.

La dirección creativa también encontró inspiración en figuras de la cultura popular. Personajes como María Antonieta, Audrey Hepburn, Frida Kahlo, RuPaul y Taylor Swift sirvieron como punto de partida para construir un espectáculo que evitó la copia y prefirió reinterpretar símbolos reconocibles desde la estética de Cerón. El drag apareció como un lenguaje artístico capaz de dialogar con la confección, ampliando el alcance de cada pieza presentada.

La colección nunca quedó aislada sobre el cuerpo de las modelos. Cada salida respondía a una narrativa que envolvía al espectador y modificaba la manera habitual de observar una prenda. La mesa dejó de ser únicamente un lugar para compartir alimentos; se convirtió en el centro de una historia donde el diseño se descubría desde distintos ángulos, acompañado por una atmósfera cuidadosamente construida.

Celebrar veinte años de carrera podía convertirse en un ejercicio de nostalgia. Diego Cerón eligió otro camino. En lugar de mirar hacia el archivo de su firma, decidió explorar nuevas formas de presentar su trabajo y abrir la conversación sobre el futuro de la moda. Couture à Table habla precisamente de esa inquietud: entender que el lujo contemporáneo también se construye a través de las emociones, la sorpresa y la capacidad de convertir una colección en un recuerdo compartido.

Lejos del desfile tradicional, Cerón demuestra que la alta costura todavía tiene espacio para encontrar formatos distintos. A veces basta con cambiar la pasarela por una mesa para descubrir otra manera de contar una historia.