La industria de las prendas de control ha experimentado una transformación drástica en la última década. Lo que históricamente se conocía como una pieza rígida y restrictiva, diseñada exclusivamente para ocultarse, ha evolucionado hacia el concepto de “diseño inteligente”. Marcas como Aylon lideran este cambio, priorizando la ingeniería textil para ofrecer piezas que moldean la figura sin comprometer la movilidad ni la salud de la piel.

Tecnología de compresión y materiales transpirables

El avance más significativo en esta categoría es el desarrollo de tejidos de compresión variable. A diferencia de las fajas tradicionales que aplicaban una presión uniforme e incómoda, las prendas actuales utilizan paneles técnicos que ejercen mayor soporte solo en áreas estratégicas.

Aylon integra materiales como el powernet de alta calidad y forros de microfibra o algodón que permiten la transpiración. Esto resuelve uno de los problemas históricos del shapewear: el aumento de la temperatura corporal y la irritación dérmica. La tecnología de costuras planas y cortes realizados con láser permite que la prenda sea prácticamente imperceptible bajo telas ligeras, eliminando las marcas visibles que antes dictaban qué tipo de ropa se podía usar.

Funcionalidad en el día a día

El diseño inteligente también se refleja en la versatilidad de las piezas. Los bodys y camisetas de control ya no son artículos de uso ocasional para eventos de gala; se han integrado en el armario cotidiano como prendas base. Un shaping bodysuit funciona hoy como una pieza de “ready-to-wear” que puede combinarse con un traje sastre o denim, proporcionando una estructura que mejora la postura y el ajuste de las prendas exteriores.

Además, la evolución ha incluido un enfoque ergonómico. El diseño actual contempla la facilidad de uso diario, con cierres y broches posicionados de manera funcional y tirantes ajustables que se adaptan a distintas siluetas, alejándose del estándar de “talla única” que dominó el mercado por años.

Un cambio en la narrativa del cuerpo

Esta evolución técnica acompaña también un cambio en el discurso de la moda. El “shapewear” moderno no busca transformar el cuerpo de manera artificial, sino resaltar la silueta natural con comodidad. El objetivo ha pasado de la restricción absoluta al soporte estratégico, entendiendo que la mejor prenda de control es aquella que el usuario olvida que lleva puesta.

3D Florals
Olvida el estampado floral. Estamos viendo aplicaciones en seda y organza que sobresalen de la prenda como si el jardín hubiera cobrado vida propia. Un ejemplo impecable es el Mariam Mini Dress de Lovers & Friends, donde las flores trepan por la espalda creando una silueta tridimensional que transforma un vestido sencillo en una pieza de colección. Es feminidad con esteroides, y me encanta.

The Capri Comeback
Si me hubieran dicho hace dos años que volvería a desear unos pantalones a media pierna, no lo habría creído. Pero el Capri ha vuelto bajo un filtro de sofisticación absoluta. La clave es el equilibrio de proporciones, tal como propone el Brea Capri Set de MORE TO COME. Al llevarlo como un conjunto monocromático con un top halter, la silueta se ve estilizada y moderna.

Fluid Draping
El drapeado ha vuelto, pero en una versión orgánica y casi líquida. Ya no es ese tejido rígido de los vestidos de fiesta de antaño, ahora las telas parecen derretirse sobre el cuerpo.El Vestido Largo Drapeado de Zara es el ejemplo perfecto de cómo los pliegues asimétricos pueden crear una silueta de diosa contemporánea sin esfuerzo, donde los pliegues asimétricos se adaptan a tus curvas de forma natural.

Tiered Layers
Si eres de las que no puede evitar dar una vuelta cuando se prueba un vestido, esta tendencia es tu perdición. Los olanes en capas crean un efecto de cascada que es hipnotizante al caminar. El Vestido Halter Olanes Lunares de Zara resume esta estética a la perfección: el movimiento es el protagonista. Los escalones de tela añaden un volumen lúdico que rompe con la monotonía de los cortes rectos.

The Balloon Silhouette
Mi tendencia favorita para las que odiamos sentirnos atrapadas en la ropa. Los pantalones abandonan la línea recta para abrazar la curva generosa. El corte balloon ofrece un volumen arquitectónico que se ajusta estratégicamente en la cintura y el tobillo. El Pantalón bombacho de lunares de MANGO es la prueba de que se puede ser ultra elegante y estar increíblemente cómoda al mismo tiempo.

Alianza estratégica regional

La moda latinoamericana da un paso histórico hacia su consolidación global. En el marco de la reciente Semana de la Moda de Guatemala, que reunió a exponentes de toda la región, se firmó el Acuerdo de Integración Institucional del Sistema Latinoamericano de la Moda, una alianza estratégica que articula plataformas, cámaras y actores clave de países como Guatemala, Puerto Rico, Nicaragua, El Salvador, República Dominicana y Colombia.

En este escenario, la Cámara de la Moda Colombiana y Cali Distrito Moda oficializaron su integración a este sistema regional, marcando un hito en la construcción de una industria más conectada, competitiva y sin fronteras. La iniciativa busca profesionalizar el sector, fortalecer las marcas latinoamericanas y proyectar el diseño de la región hacia los escenarios más importantes del mundo.

“Estamos uniendo fuerzas para que el talento latinoamericano no tenga fronteras. La unión es hoy nuestra mayor ventaja competitiva“, aseguró Guio Di Colombia, presidente de la Cámara colombiana de la moda en un mensaje que enmarca esta articulación internacional. Este convenio, que vincula directamente a Cali Distrito Moda como uno de sus principales actores, va más allá de una relación protocolaria.

Se trata de una estrategia conjunta que promueve el intercambio cultural de diseñadores, así como la movilidad de modelos, fotógrafos y otros profesionales del sector, abriendo nuevas oportunidades de circulación y visibilidad para el talento latinoamericano. A través de alianzas académicas, becas y colaboraciones institucionales, se busca que los diseñadores puedan formarse en distintos contextos culturales.

Cooperación y proyección global

Este esfuerzo colectivo también apunta a fortalecer las capacidades locales para competir en mercados internacionales. La cooperación entre plataformas permitirá compartir conocimientos, buenas prácticas y experiencias, con el objetivo de proyectar la moda latinoamericana hacia otros continentes bajo una narrativa conjunta, más cohesionada y estratégica.

Según explicó Bryan Quan, director de la semana de la Moda de Guatemala, se trata de una articulación que permite integrar conocimientos, culturas y técnicas entre países. Durante el evento, fueron seleccionados como ganadores los diseñadores Janet Guerra, Nick Tel y Plenificador, mientras que Libenza fue anunciado como invitado de honor para la quinta edición de Cali Distrito Moda 2026.

De manera paralela, la Cámara de la Moda Colombiana mantiene su presencia en otros escenarios clave de la región, como la Argentina Fashion Week en Buenos Aires, donde se adelantará la selección de un diseñador que también será invitado a participar en Cali Distrito Moda 2026, ampliando así el alcance de esta plataforma internacional.

Con este tipo de acuerdos, Cali Distrito Moda continúa posicionándose como un nodo estratégico dentro del mapa de la moda latinoamericana, capaz de articular talento, generar oportunidades y proyectar la identidad creativa de la región a escala global. Este entramado de alianzas se convierte en la antesala de lo que será la quinta edición del evento.

Arquitectura del cuerpo

El arte sartorial nació del rigor. Mucho antes de convertirse en símbolo de estatus o sofisticación, fue técnica pura: medición exacta, patronaje milimétrico, dominio del tejido. En los talleres londinenses, la sastrería masculina se consolidó como una forma de arquitectura aplicada al cuerpo. Cada hombro se construía con estructura; cada solapa obedecía a una proporción calculada; cada costura sostenía algo más que tela. El tailoring no admitía improvisación.

Con el paso del tiempo, el traje atravesó transformaciones sociales, culturales y estéticas. De uniforme político a código empresarial, de etiqueta rígida a gesto estilístico. Lo que permaneció intacto fue la precisión. El corte correcto continúa siendo una declaración silenciosa. Un traje bien hecho no grita; afirma.

Identidad en el corte

En ese punto de tensión entre tradición y presente se sitúa Peter Reed. La marca retoma la herencia rigurosa de la sastrería inglesa —estructura definida, patronaje impecable, respeto absoluto por el detalle— y la desplaza hacia una narrativa actual, menos protocolaria y más consciente de la identidad individual. No busca replicar códigos históricos, sino trabajarlos desde otra actitud.

Peter Reed parte de la base clásica para intervenirla. Mantiene la precisión del tailoring, pero elimina la solemnidad. Sus prendas están diseñadas para hombres que comprenden el traje como una extensión de su personalidad: sofisticada, sí, pero también audaz. La sastrería deja de ser un molde fijo y se convierte en herramienta de expresión.

Postura y futuro

En esta visión, la sastrería no impone género ni encierra identidades. Define actitud. El traje funciona como estructura, pero también como postura frente al entorno. “Tailoring the Future” sintetiza esa posición: avanzar sin romper con la raíz, cortar el pasado con precisión y ensamblarlo bajo otra perspectiva.

Peter Reed habla desde la claridad. Sin discursos extensos, sin ornamento innecesario. La propuesta se sostiene en la construcción misma de la prenda. En el equilibrio del hombro. En la caída exacta del pantalón. En la convicción de que el futuro del traje no está en desmantelarlo, sino en entenderlo mejor y llevarlo con intención.

Geografía del tiempo

En lo alto de la costa oriental de Sicilia, Taormina se aferra al acantilado con una elegancia antigua. Las casas parecen colocadas a mano, escalonadas sobre la roca. Desde el Teatro Antiguo de Taormina, las gradas de ladrillo enmarcan el azul denso del mar Jónico y la silueta humeante del Monte Etna. El viento sube con olor a sal, a bugambilia tibia, a piedra que ha absorbido siglos de sol. Aquí la historia tiene temperatura: se siente en la piel, en los muslos que tocan la piedra caliente, en el eco que rebota cuando cae la tarde.

Al amanecer, la luz entra oblicua y convierte los muros en superficies doradas. Los balcones de hierro forjado proyectan sombras largas sobre las callejuelas estrechas. El paso se vuelve más lento sobre el Corso Umberto I. Se escuchan tacones contra adoquines, el murmullo grave del italiano, el roce de las bolsas de papel kraft que salen de pequeñas boutiques. Seda, lino crudo, cerámica pintada a mano. En la Piazza IX Aprile, las mesas miran al horizonte. Un espresso corto al mediodía; un aperitivo cuando el cielo empieza a volverse cobre. El sol incendia las fachadas color miel y, por unos minutos, todo parece suspendido en una fotografía antigua.

Refugios de sal

Más abajo, el sendero desciende entre cactus y jazmines hasta Isola Bella. La lengua de arena aparece y desaparece con la marea, como un gesto caprichoso del mar. El agua es transparente, casi fría, y deja ver las piedras calizas bajo la superficie. Hay silencio, roto apenas por el golpeteo constante de las olas y el chasquido de los guijarros moviéndose con la corriente. Algunos nadan hasta las rocas; otros permanecen tendidos, ojos cerrados, dejando que la sal se seque sobre la piel.

Cuando cae la noche, la ciudad cambia de ritmo. Las lámparas amarillas iluminan portales barrocos, las terrazas se llenan de conversaciones bajas y copas que se tocan con suavidad. En la mesa llegan arancini crujientes, pasta con pistache de Bronte, pescado recién salido del puerto. El Nerello Mascalese —oscuro, mineral, con aroma a ceniza y fruta roja— acompaña cada bocado. El mantel de lino, las manos que parten el pan, el aceite verde que brilla bajo la luz tenue. Comer aquí exige tiempo. Exige atención.

Memoria volcánica

Taormina permanece. Se queda adherida como sal en la piel y como polvo volcánico en los zapatos. Un territorio donde el placer tiene textura, peso y memoria.

Nunca he sido fan de los estampados tropicales ruidosos que agotan visualmente; prefiero piezas con una intención clara y un propósito funcional. Por eso, me emociona que para 2026 la tendencia apueste por la arquitectura de la prenda. El enfoque ahora está en cómo la geometría, los lazos y los accesorios trabajan a favor de cualquier cuerpo mediante un buen patronaje. Estas cinco tendencias son el filtro definitivo para invertir en piezas que te hagan sentir dueña de tu imagen y verdaderamente cómoda.

Ribbon straps
Los lazos XL son el hack definitivo para ajustar el talle a tu medida exacta, algo vital si tienes el torso largo o corto. Visualmente, el volumen superior equilibra las caderas creando una silueta armoniosa. El contraste de colores aporta limpieza y estructura, transformando un traje completo en una pieza de diseño real apta para cualquier figura.

Polka dots
El lunar evoluciona con paletas orgánicas y profundas. Su patrón repetitivo unifica la figura y suaviza las líneas del cuerpo de forma sutil. En bikinis clásicos, este diseño luce sofisticado y atemporal; es la opción ideal para verte arreglada sin esfuerzo, proyectando una elegancia que funciona en todas las tallas.

Hardware Luxe
El herraje metálico central no es solo estético: aporta peso para mantener la tela en su lugar y dar estructura al escote. Es perfecto para quienes buscan mayor soporte y “cuerpo” en la prenda. Al capturar la luz en un punto central, estiliza el torso y eleva la pieza a un nivel de joyería integrada sin importar el color.

90s Sporty look
El corte de pierna alta regresa para ganar centímetros visualmente y suavizar la cadera. Al usar colores sólidos, la atención se centra en la forma y no en el ruido visual. Con tirantes delgados y estructura limpia, esta tendencia celebra el cuerpo tal cual es, demostrando que un buen patronaje es suficiente para verse increíble

Braided details
Ideal para quienes buscan texturas en colores sólidos. Los trenzados artesanales ofrecen un agarre y soporte superior al elástico común, evitando que los tirantes se entierren en la piel. Es una forma inteligente de añadir sustancia y fluidez a una pieza básica sin perder la limpieza visual, adaptándose con suavidad a las curvas.

Modelo: Mirian Machado
Fotografía: Gerardo Arteaga

Nacida en Espírito Santo y criada en Río de Janeiro, con raíces italianas y años de vida en Europa, Mirian Machado pertenece a una generación de modelos que entienden la moda como un lenguaje global

 Su carrera ha transitado entre editoriales de moda, campañas comerciales y proyectos internacionales que la han llevado a trabajar en distintos mercados y culturas. Para ella, modelar no se limita a la estética: implica comunicar emociones, contar historias y conectar con la visión creativa de cada proyecto.

En esta conversación, Mi reflexiona sobre cómo el viaje, la resiliencia y la intuición han marcado su camino dentro de la industria, y cómo esa mezcla de sensibilidad brasileña y disciplina europea sigue moldeando su presente y su visión hacia el futuro.

Modelos: Stanko Budimkic & Stanoje Budimkic
Fotógrafo: Joch Lucio
Maquillaje y peinado: Juan Pablo Martínez
Stylist: Manuel Delgado

En el universo de los hermanos Budimkic, la moda es una cuestión de sincronía. Entendemos que su éxito no reside solo en la genética, sino en la capacidad de proyectar una narrativa donde la elegancia se multiplica; por ello, exploramos cómo Stanko y Stanoje utilizan su parecido para crear composiciones visuales que rozan la perfección geométrica.

No se trata solo de dos modelos caminando juntos, sino de un diálogo silencioso entre fuerza y precisión que redefine el concepto de diseño de autor. Es una invitación a apreciar cómo la identidad, cuando se comparte, se vuelve una herramienta de comunicación mucho más poderosa y sofisticada.

En el universo de Priscila Valverde, la moda es un lenguaje de poder y pertenencia. Entendemos que la verdadera elegancia nace de la convergencia entre una silueta impecable y una voz que no teme incomodar para abrir caminos; por ello, exploramos cómo su narrativa de identidad se construye desde la autenticidad y el respeto por sus raíces.

No se trata de seguir tendencias, sino de habitar el mundo con la certeza de quien conoce su valor y su propósito. Es una invitación a mirar más allá del cristal de la imagen para descubrir la fuerza de una mujer que está rediseñando el futuro de la representación en México.

Si creciste en la era de los tutoriales de 2016 (como yo), sabes que nuestra relación con el maquillaje ha sido, por decir lo menos, intensa. Pasamos años perfeccionando el arte de “borrar” nuestra cara para dibujarla de nuevo con contouring y bases mate que prometían durar hasta el fin del mundo. Por eso, ver el trabajo de Nina Park se siente como un respiro, pero también como un reto. Esta artista alemana-coreana, favorita de Emma Stone y Sadie Sink, ha logrado lo que parecía imposible: que el maquillaje se sienta como un accesorio invisible que solo resalta lo mejor de ti.

Pasar del “más es más” al minimalismo de Nina requiere valor y, sobre todo, técnica. No se trata de usar menos productos, sino de usarlos mejor. Si todavía le tienes miedo a salir de casa sin sellar cada milímetro de tu rostro con polvo traslúcido, bienvenida. Aquí te comparto mi guía para lograr ese acabado de alfombra roja

El arte de la glass skin
Nina Park es la reina del skin-prep, en lugar de un primer que rellene poros, ella busca una piel que casi brille por sí sola. Mi secreto para no extrañar la base de alta cobertura ha sido el tóner lechoso (sí, el estilo Rhode es real). Aplícalo a palmaditas antes de tu BB Cream o base fluida. El objetivo no es tapar las pecas o las imperfecciones, sino hidratarlas tanto que la luz rebote en ellas. Olvídate del mate, si el brillo es estratégico, ya lo lograste.

“Flush” natural
Estamos acostumbradas a usar el rubor para “esculpir”, pero Nina lo usa para dar vida. Ella evita el blush blindness aplicando texturas en crema que se fundan con la piel. Yo he aprendido a usar el dorso de mi mano como paleta para calentar el producto y luego aplícalo con una brocha suave justo donde te sonrojas naturalmente. El truco está en llevarlo ligeramente hacia el puente de la nariz, ese toque “besada por el sol” es lo que separa un maquillaje profesional de uno de aficionada.

Cejas fluffy
Me costó soltar el plumón para dibujar pelo por pelo, pero el estilo fluffy de Nina es mucho más amable con nuestras facciones. La clave es usar un gel transparente que las eleve sin dejarlas tiesas. Si tienes huequitos, un lápiz de punta ultra fina es suficiente. La idea es que la ceja se vea “aireada”, no como un marco de cuadro. Es impresionante cómo suavizar las cejas te quita años de encima de inmediato.

Labios de protagonista de Rom-Com

Su técnica de labios es todo un arte. En lugar del overlining obvio que a veces parece caricatura, Nina usa un lápiz apenas un tono más oscuro que el labio natural y difumina los bordes hacia adentro. La magia sucede al aplicar un bálsamo transparente solo en el centro. Este contraste de bordes mate y centro jugoso crea un volumen real que no necesita filtros. Es el look de “protagonista de Rom-Com” que todas queremos llevar un martes cualquiera.

La mirada sfumato
Sí, también caí en el delineado gráfico, casi al estilo Amy Winehouse, que se iba haciendo cada vez más grueso porque el pulso no era mi fuerte. Park ha rescatado el delineado después de la era del clean look, pero le quitó toda la agresividad al hacerlo pequeño y difuminado. Usa una sombra café y un pincel biselado para marcar solo la esquina exterior, al no tener una línea sólida, el ojo se ve más grande y la mirada más suave. Es el truco perfecto para las que, como yo, no tenemos el pulso de un cirujano para el delineador líquido.

Adoptar la estética de Nina Park ha sido, para mí…

Un ejercicio de soltar el control. Es aceptar que la textura de la piel es normal y que la belleza real es mucho más interesante que una máscara perfecta. Me ha llevado a entender también que el mejor maquillaje es el que te permite reconocerte frente al espejo, pero con ese algo extra de quien sabe que menos, definitivamente, es mucho más.