A sus 29 años, la actriz asume el papel más oscuro y desafiante de su carrera en una trama cruda y provocadora que expone el poder de la élite social.

Por Gerardo Villarreal

Fuera de su zona de confort, Renata Manterola protagoniza Príncipes salvajes (2024), un filme donde se adentra en las oscuras ramificaciones del poder y el privilegio para interpretar a una joven millonaria que, junto a su grupo de amigos, utiliza su posición social para cometer delitos y salir impune.

“Fue un desafío desde el principio, en parte porque yo no soy mucho de redes sociales. Al inicio me imaginaba a una típica influencer, hasta que Beto (Humberto Hinojoza, director), me mostró el verdadero trasfondo de mi personaje: alguien adinerado, pero emocionalmente rota, que busca validación a través de likes y seguidores”, compartió en una entrevista exclusiva para WM Magazine.

La cinta, que llegó a Netflix el pasado 28 de agosto, y que se colocó en el TOP 2 de México y TOP 4 en el mundo, se une a la listas de películas mexicanas que rompen con la tendencia de comedias románticas que hemos visto en los últimos años en la pantalla grande.

“Contar este tipo de historia siempre es difícil, no son para todo el público. Hace mucho que en México no se hacen películas así, desde Amores perros (2000), Y tu mamá también (2001) o Amarte Duele (2002), que son cintas icónicas para el cine mexicano. Le pedí mucho a la vida por una oportunidad como ésta, es el tipo de proyecto en el cual quería participar”, mencionó.

De esta manera, Manterola logra un balance entre la extravagancia superficial y la desesperación oculta, pues pone en evidencia que los problemas emocionales y la falta de amor familiar pueden afectar a cualquier persona, independientemente de su estatus económico.

“Me di cuenta de la importancia y de lo complejo que es el tema de la salud mental. Estamos en una época en la que cada vez más personas necesitan ir a terapia, independientemente de su estatus económico. Por ejemplo, mi personaje tiene todo el dinero que necesita, pero carece del amor de su mamá, vive con un padrastro que constantemente le falta al respeto y, además, está en una relación tóxica con su novio”, explicó.

Sobre el proceso de casting, Renta desveló que acudió a dos callbacks acompañada por catorce personas —aquellos que quedaron en el proceso de preselección—, y en parejas los pusieron a improvisar a lo largo de tres horas.

“En los callbacks me sentí como pez en el agua, sentí que el papel era mío. Me tocó hacer la escena del hotel con Juan Pablo (Fuentes) y nos salió muy natural, aunque estoy segura que lo pude haber hecho mejor, había actrices muy talentosas.

“Afortunadamente, a los dos días mi manager me habló para decirme que me había quedado con el papel. Beto me dijo que yo tenía eso que él estaba buscando, esa cosa rara de hacer las cosas de manera natural y fluida pero transmitiendo incomodidad”, agregó.

De hecho, sobre los momentos intensos cargados de adrenalina que demandó el largometraje, la actriz de 29 años confesó que desconectar del personaje no fue sencillo. Sin embargo, gracias a su formación académica, logró establecer una clara división entre la realidad y la ficción.

Asimismo, destacó el apoyo que recibe de sus amigos, pareja, familiares y de su psicólogo, a quien visita una vez por semana para trabajar en la confianza y aprender a no tomarse nada personal en un medio donde la crítica y la competencia son constantes.

“​​Es una lucha diaria, no tomarme nada personal es uno de los temas que más hablo en terapia. Me encanta ser actriz, me gusta mucho el arte, contar historias y conectar con el público. Me siento increíble estando en el set, nunca me quiero ir de ahí, quiero continuar en el cine. Sé que es una carrera difícil pero soy muy perseverante y quiero fluir con ella. Siento que he evolucionado para bien. Si me tuviera que definir en una palabra, sería antifragility (antifragilidad), que significa salir más fuerte de las adversidades”, aseguró.

Para quienes buscan abrirse camino en la actuación o cualquier otra disciplina artística, la también modelo mexicana y maestra certificada en barré alentó a seguir el corazón y a nunca dejar de aprender, ya que la resiliencia y la pasión, especialmente en este medio, son claves para el éxito.

“A las personas que quisieran entrar al mundo de la actuación les diría que sigan sus sueños, salgan y trabajen en aquello que los hace felices, aunque el llamado sea a las 5 de la mañana. Estudien acerca de lo que quieran hacer y renuévense constantemente. Aunque muchos les digan que no, siempre habrá una persona que te dará ese sí que tanto buscan”, concluyó.

Los Minutos Negros del director Mario Muñoz, después de su estreno en la pasada edición del Festival internacional de cine de Morelia, continúa en su recorrido por festivales de cine.

Los Minutos Negros

La cinta, que puede ser vista ya en la plataforma VIX, se ubica a finales de los años setenta, en la ciudad petrolera de Paracuán, y trata sobre el joven teniente Vicente Rangel (Leonardo Ortizgris), quien enfrentará los días más oscuros de su vida al tratar de atrapar al Chacal, un asesino serial de niñas que se esconde bajo una red de corrupción y poder.

Mario Muñoz

Mario es un director que vuelca su creatividad en ideas para publicidad, cine, teatro y animación. Su trabajo se caracteriza por un storytelling emocional y memorable que se extiende por muchos géneros y estilos.

En 1997, Mario fundó la compañía Voces Imaginarias con la que ha producido exitosísimas y premiadas campañas para algunos de los clientes y agencias más importantes de México y Estados Unidos. Su primer corto, Mientras me Muero (2003), fue nominado al Ariel y ganó el Sol de Oro al mejor corto en el Festival de Biarritz. En 2008, Mario dirigió su primer largo, el thriller Bajo la Sal, producido por Warner Brothers y estrenado en competencia en el Festival Internacional de Cine de Morelia, generando premios, taquilla y buenas críticas en su estreno. 

Actualmente Mario divide su tiempo entre la generación de ideas de contenido, guiones, ideas creativas para clientes de publicidad y la producción de spots y películas. Además, dirige la serie de animación Luli y Gabo mientras desarrolla otros proyectos para cine y televisión.

Su nueva película, la adaptación de la aclamada novela de Martín Solares, Los minutos Negros se estrenó en competencia en el 19º FICM y ganó el premio a Mejor Película Narrativa en el 29 San Diego Latino Film Festival 2022.

Tuvimos la oportunidad de entrevistarlo sobre su última cinta y esto fue lo que nos platicó.

¿Cómo es la experiencia de convertir un libro a guion de película?

¡Es como exprimir una naranja del tamaño de un planeta! El libro de Martín Solares es enorme. Es un libro divino, yo me enamoré de él. Es un trabajo literario con muchos puntos de vista, con muchas historias y que se desarrolla en dos épocas. Al final, para poder hacer una adaptación, tuvimos que quedarnos solamente con lo estrictamente esencial. Fue un ejercicio de mucho trabajo.

Sabemos que trabajaste junto con el escritor para elaborar el guion, ¿cómo fue esa experiencia?

Así es. Martín y yo terminamos con una amistad muy entrañable después de todo porque fue un proceso muy intimo, pues finalmente este libro le tomó 10 años escribirlo y es una reinvención de eventos que él vio durante su infancia en Tampico. Así que trabajar a lado a lado fue meterme en una parte muy personal de él. Me sentí con una enorme responsabilidad de que este libro tan reconocido y con un universo propio se me fuera otorgado.

Por otra parte, el proceso de creación del guion fue un poco similar a cuando escalas una montaña. Cuando el terreno es muy terregoso de pronto se siente como si no se avanzara. El truco siempre es no perder la paciencia. En este caso fue algo parecido. A los dos nos costó mucho trabajo alejarnos de la novela porque es un mundo enorme. Lo más valioso, y lo que para mi fue muy liberador de mi trabajo con Martín, fue que, eventualmente, él empezó en algún momento a hablar de Los Minutos Negros de Mario Muñoz. Su versión ya existía en las librerías y había que buscar mi versión, lo que yo tenia que decir, pues somos dos personas distintas que quisieron dar dos versiones de una misma historia. Además, hice cosas que no estaban en el texto y él me las permitió. Así que cuando él vio el primer corte y le gustó, sentí que realmente había terminado la cinta.

¿Qué fue lo que más te llamó la atención del libro?

Yo hice una película que se llama Bajo la sal , una cinta de misterio, policíaca que ubiqué en las salineras de Baja California, un terreno neutral, porque sentía que era una historia un tanto antigua que tomaba prestados elementos del cine americano. Después de esa cinta, seguí con la intención de que mi siguiente proyecto fuera uno que hablara sobre México y que comunicara algo. En eso estaba cuando me encontré con el libro de Martín.

A mi me gustan mucho la novelas negras y el libro Los Minutos Negros tiene un mundo tangiblemente mexicano. Para mi eso fue lo importante, crear un film noir pero tropical. Ese género, inglés o estadounidense, siempre tiene elementos visuales comunes como los abrigos, las fedoras, los edificios altos, la nieve, el frio y las sombras. En Los Minutos Negros todo sucede al sol, con calor, hay palmeras y suena Rigo Tovar. En este sentido, digamos que fue una especie de reinvención del film noir para México, pues sentí que el libro estaba lleno de personajes entrañables y de secuencias de acción increíbles, que tenía todos los elementos para derivar en una película muy original, con sentido del humor y de la tragedia de la realidad que vivimos.

La cinta, ademas, apunta a temas que cuando leí el libro, hace 14 años, me parecían importantes pero que no dimensioné la importancia que habrían de cobrar con el tiempo: el tema de la violencia hacia los periodistas, hacia las mujeres y la importancia del petróleo.

¿Como consideras que el publico vaya a recibir esta cinta, siendo que trata de temas muy trágicos y que están sucediendo ahora mismo?

He escuchado muchos comentarios muy entusiastas sobre la cinta. Además, he viajado con la película a festivales internacionales y ha sido muy bien recibida, claro que es distinto porque ven el tema desde fuera. Aquí, en México, lo vemos como algo muy personal. Siento que estoy haciendo este tipo de cine porque a mi me gusta que exista. Yo, como audiencia, quiero que haya mas cintas como esta, que me hagan sentir, pues a veces creo que el cine solamente toma dos direcciones: o muy comercial o muy denso. El camino intermedio, el que explora esta película, cuenta una historia en la que vas a sentir y con la que te vas a entretener. Esta cinta te permite decidir qué tan en serio la debes tomar. Si tu decides hablar a partir de ella de temas tan fuertes y dolorosos que tienen que ver con el país, está bien, así como si decides solamente decir que viste una película de policías y misterio.

Por otra parte, considero importante encontrar otras maneras de hablar de la cosas que nos preocupan. Eso es lo que busca Los minutos negros . Obviamente que desde un principio pensamos en cómo tocar estos temas que tienen consecuencias tan devastadoras sin ser irrespetuoso.

¿Como es hacer cine en México?

Hacer cine, es muy difícil en todo el mundo pero, en particular, el cine mexicano, desafortunadamente, aún no ha llegado al sitio en donde sea auto suficiente. Dependemos mucho de los apoyos, de las coproducciones, de que nuestros crews y colaboradores cobren poco. El cine es un acto de voluntad feroz. Si esta película existe, como mucha otras del cine mexicano, es debido a la buena voluntad de la gente y el amor a crear películas.

Además de estar disponible en la plataforma VIX, ¿qué planes se tienen para esta cinta?

La película ya ha estado en festivales. Estuvo en Morelia en el 2021, y tuvo todo el 2022 para viajar por el mundo, presentándose en Bruselas, Estados Unidos y Amsterdam. Ahora va a Chile. Afortunadamente, ahora las películas tienen una vida muy larga pues se quedan viviendo en las plataformas digitales y la gente las va descubriendo. Ahora es el momento de que las audiencias de Latinoamérica y Estados Unidos la disfruten y de seguir buscando su distribución por el resto del mundo.

¿Qué sigue para ti?

Antes me tomaba el cine como un pasatiempo pero ahora creo que Los Minutos Negros me hizo desear estar constantemente generando proyectos cinematográficos. Tengo varias cosas escritas y algunas invitaciones y veremos de hacer varias cintas al mismo tiempo para que por lo menos una se haga, tal como lo dice Guillermo del Toro.

Platicamos con el actor Manu García Rulfo, quien nos cuenta sobre los retos que implican protagonizar la serie estadounidense The Lincoln Lawyer.

Fotográfia: Rafael Pulido

Styling: Ottero

Grooming: Athenea Lombardi

Cuéntanos un poco de cómo fue que nació tu pasión por la actuación.

Mi acercamiento fue porque mi abuelo era fanático del cine y mi papá se considera cinéfilo, así que sus aficiones me abrión las puertas para descubrir ese mundo y desarrollar esta pasión.

Sabemos que se está rodando la segunda temporada de The Lincoln Lawyer. Cuéntanos, ¿cómo llegó a ti este papel protagónico y cómo te preparaste para él?

Desde que llegó a mi vida ha sido todo un reto por distintas razones. Una de ellas, la principal diría yo, es que la narrativa es 100% en inglés y el hecho de trabajar en temas tan específicos como los que emplea un abogado, me ha llevado a tener que aprender ciertos términos en el idioma nativo de la serie.

Platícanos más de Mickey Haller, tu personaje en esta serie.

Mickey es un abogado defensor en Los Ángeles que trabaja desde el asiento trasero de su auto Lincoln y por la naturaleza de su profesión, se desenvuelve entre juzgados.

Ahora, te vimos actuando a lado de Tom Hanks ¿cómo es fue la experiencia de con él en la cinta Un vecino gruñón?

Tom es increíble, no solo por su talento y profesionalismo, sino también por la buena energía que trae al set. ¡Es contagiosa!

¿Cuál fue la enseñanza que te dejó este proyecto?

Aprendí mucho de Tom y de mi personaje, no podría decir solo una cosa.

¿Cuál ha sido tu experiencia al estar viajando entre México y Estados Unidos constantemente?

Moverme entre los dos países siempre ha sido un reto, pues aparte de lo que conlleva trasladarse entre uno y otro, implica complejidades en cuanto a seguir haciendo proyectos y desarrollar más personajes.

Tomando en cuenta los diversos filmes en los que has participado, ¿cuál crees que ha sido tu mayor enseñanza?

El tener que moverme entre ciudades y aprender de personajes complejos como en The Lincoln Lawyer.

¿Qué le dirías a tu ‘yo’ del pasado?

Que todo está avanzando y que todo va poniéndose mejor con los años.

¿Algo que quieras agregar para nuestros lectores?

¡Gracias WM por el espacio! Y a los lectores, no se pierdan Un vecino gruñón y The Lincoln Lawyer.

Después del éxito como protagonista de la serie “El Rey”, tenemos el regreso de Regina Pavón en “Navidad En Vivo”, la cual puede verse ya en HBO Max.

La comedia del año

¿Cuántos de nosotros no haríamos la peor locura para obtener el trabajo de nuestros sueños o el puesto que tanto hemos querido? Esta es la pregunta que genera “Navidad En vivo”, la cual trata sobre el popular programa matutino de la televisión mexicana Las Mañanitas y cuyo especial navideño pondrá a prueba a todos los aspirantes de la producción a mostrar lo mejor (o lo peor) de sí mismos para obtener el ascenso que tanto han soñado. Los involucrados tendrán que dejar atrás sentimientos y supuestas lealtades para alcanzar lo que todo mundo espera en el mundo laboral.

En exclusiva con Regina Pavón

Para que prepares las palomitas y reúnas a toda la familia para verla, tuvimos una entrevista con su protagonista, Regina Pavón.

Regina, cuéntanos sobre “Navidad en vivo”.

Es una comedia increíble porque es una película que logra una mezcla de muchos géneros que no se habían visto normalmente en las producciones mexicanas. En realidad, la historia no trata sobe la Navidad misma, sino que coincide en que la acción ocurre en esas fechas.

Mi personaje, Belén, junto con el que interpreta Jesús Zavala coordinan todo el programa. Ellos tienen una relación de amistad de muchos años y por cierto motivo dejaron de hablarse. Al ser los jefes, todo resulta muy complicado para el resto del equipo de producción. El mensaje de la cinta es que siempre es mejor trabajar en equipo y que uno tiene que tener la capacidad de poder escuchar a los otros para aprender.

¿Qué tan importante es en tu trabajo como actriz el trabajo en equipo?

¡Es muy importante! Yo siempre he creído que es fundamental el poder expresar tu opinión dentro de un equipo. Además, para generar confianza, es básico saber que tienes un equipo atrás que te respalda. Estas dos cosas hacen que se tenga un buen ambiente de trabajo.

En tu carrera, ¿has tenido alguna experiencia similar a la de la película?

No como tal. En esta carrera de actriz siempre se está compitiendo por obtener un personaje, pero es un tipo de competencia diferente. Yo trato de competir conmigo misma, no voltear a ver a los demás.

¿Que fue lo que aprendiste en “Navidad En Vivo”?

Es la primera vez que tengo un protagónico en una película. “Navidad En Vivo” fue un proyecto intensivo de cuatro semanas, y digo intensivo porque se filmó muy rápido y porque que tiene mucha comedia física y acción, por lo que tenia que tener muy buena energía para estar todo el tiempo al cien. El principal reto fue que quisimos hacer personajes que fueran realistas y en una comedia hay que cuidar mucho el ritmo para lograrlo, tiene que ser una actuación muy precisa. Así que aprendí mucho y perfeccioné mis herramientas actorales.

¿Cómo preparas a tus personajes?

Con cada uno es distinto porque depende también del tiempo que tengas. Yo siempre trato de leer el guion varias veces, entender a mi personaje y empatizar con él. Creo que el trabajo de un actor es justificar el por qué suceden las cosas o por qué los personajes hacen lo que hacen.

Así que formó a mis personajes a partir de la historia, no a partir de mi. Siempre trato de encontrarlos fuera de mi. Yo sólo soy un instrumento.

¿Cómo fue trabajar con Jesús Zavala?

¡Padrísimo! Es un actor que lleva muchos años trabajando en esto. Nunca habíamos coincidido pero ahora que tuve la oportunidad de conocerlo me cayó súper bien, es muy divertido. Me dio muchos consejos, algo que me gusta mucho. Me quedé con un gran sabor de boca.

¿Hacia donde va tu carrera?

¡Tengo muchas ganas de hacer más cosas! Me gusta mucho escribir y ahora en México se está produciendo mucho. Así que estoy interesada en escribir mis propios proyectos, dirigirlos y actuarlos. Esto es algo que me emociona mucho.

Además, quiero seguir trabajando en diferentes producciones pues es un buen momento para los mexicanos en el mundo. La gente nos está volteando a ver y tenemos representantes compatriotas que la están rompiendo en todos lados y que poco a poco han ido abierto puertas.

Conversamos con Gil Cerezo, quien salta de los escenarios musicales para entregarnos su protagónico en ¿Qué culpa tiene el karma?

Una historia que te atrapará

La hermosa ciudad de Mérida, Yucatán, nos inserta en la historia de ¿Qué culpa tiene el karma?, protagonizada por Aislinn Derbez, Gil Cerezo y Renata Notni. El inicio nos lleva a conocer a Sara (Aislinn), una diseñadora de modas con poco éxito en su carrera y quien culpa constantemente al karma por no lograr sobresalir. A la par, Sara tiene una tienda de recuerdos turísticos.

Aunque su vida es llevadera, el hecho de un reencuentro con su pasado estudiantil la hará tambalearse de verdad, cuando vea a Aarón Star (Gil), con quien vivió grandes momentos de enamoramiento durante la adolescencia y juventud.

Listo para afrontar el reto

Al respecto de esta película original de Netflix, conversamos con Gil Cerezo, a quien conocemos por su ya reconocida carrera como músico de la banda Kinky y que en esta ocasión hace su debut como actor.

“La idea fue invitar a varios músicos al casting y fue justo en la pandemia, así que el casting, el callback, etc., fue por videoconferencia”, nos explica sobre las audiciones, y complementa respecto a su inquietud en esta faceta en pantalla:

“Siempre me ha llamado mucho la atención, me gustan mucho los retos nuevos y por primera vez tenía espacio y tiempo para poder participar, sobre todo por las giras con la banda. Me cayó como anillo al dedo, ya que mi personaje se asemeja mucho a lo que me pasó a mí en vida real: desde chico crecí con un estilo de música y fui cambiando; entonces para mí fue muy atractivo el reto actoral”.

Interpretando un personaje

Para interpretar a Aarón Star, Gil trabajó desde la preproducción en un personaje que no se alejara mucho de su forma de ser, incluso la parte de interpretar a un personaje adentrado en la música, le ayudó a entenderlo.

También, “tuve algunas asesorías actorales, incluso algunos actores me ayudaron a superar algunos miedos como con la memoria, la confianza, entre otras cosas. Además la directora, Elisa Miller y el resto del equipo, me ayudaron y motivaron a dar un paso gigante sin tener que pasar por una academia de actuación”.

Filmando en Yucatán

Durante el rodaje, Gil aprovechó para disfrutar de Yucatán, que tiene una basta riqueza cultural, así como de un equipo de producción que se lo lleva en la memoria.

“Para mí fue completamente una experiencia nueva. Mérida me gusto mucho, estuvimos por allá seis o siete semanas con locaciones impresionantes, entre haciendas y lugares culturales que se adaptan completamente a la película, además con dos compañeras protagonistas que son actrices espectaculares. Convivir y aprender de Aislinn y Renata fue un agasajo, logrando un lazo de equipo perfecto. Me siento muy afortunado de compartir este debut con ellas, y estoy hablando de toda la producción, la fuerza femenina tiene una vibra muy grande”.

En la película, veremos a Gil dentro de una narrativa cuyo personaje comienza desde la secundaria, el cual, como él en la vida real, va teniendo cambios en sus gustos musicales, pasando por lo electrónico, lo rockero e incluso el reggaeton.

Prestando su talento como músico

Además, el también vocalista de Kinky tuvo oportunidad de trabajar en la música del filme. “El soundtrack de la película está compuesto por mí, y “Chicle de canela” (la canción más sonada en la cinta), fue la oportunidad perfecta para poder realizar un tema con reggaeton, ya que tenía la idea desde hace varios años”.

Lejos de los estereotipos

Aarón Star es un personaje que se aleja del cliché al que normalmente se nos acostumbra cuando en pantalla nos presentan a un músico. En esta ocasión, observamos a alguien que se muestra relajado y sin pretensiones, quien incluso es capaz de sensibilizarse con su entorno.

“Justamente el personaje no se aleja mucho de mi forma de ser o de mi forma de ver la vida. Muchas veces ese estereotipo de rockstar no tiene que ser como lo pintan y todos tienen un concepto diferente de esa forma de ser. Y nosotros tratamos de darle la vuelta a eso”.

A la postre, indagamos sobre si Gil estaría interesado de seguir trabajando frente a cámara, y él se muestra alegre de volver a hacerlo. “Creo que la actuación y la música vienen un poco de la mano, así que si se presenta alguna oportunidad, sin descuidar la música, la tomaría sin pensarlo”.

FIERRRO, en nuevo álbum de kinky

Y mientras eso sucede, Kinky festeja con gira su más reciente lanzamiento musical, el álbum Fierrro, que salió el 10 de junio. “Ya arrancamos gira en California, aprovechando que se abrió la llave de los shows, también en New York y una gira extensa en Estados Unidos”.

Proyecto personal

Además, Gil como solista espera lanzar pronto un nuevo proyecto. “Es un poco más balada, una música más viva, más orgánica. Sigue siendo experimental como lo manejamos en Kinky, pero con un toque más personal tanto musical como líricamente, esperando que este año salga a la luz de la mano con la disquera”.

El cine mexicano necesitaba una bocanada de aire fresco y La Nave, protagonizada por Pablo Cruz Guerrero y Maya Zapata, logra exactamente eso.

De amor y esperanza

Pablo Cruz Guerrero nos ha cautivado con sus distintas interpretaciones en cintas como El estudiante (2009), en series como El Sexo Débil (2011), su participación especial en la comedia Papá a toda madre (2017), junto con el argentino Sebastián Rulli y Maite Perroni, y como Pablo Robles en Luis Miguel: la serie.

En esta ocasión, además de encarnar a Miguel Pérez, lo vemos en un nuevo rol, el de guionista y productor de la cinta La Nave, junto con Maya Zapata, Rodrigo Murray, Héctor Jiménez, Lucía Uribe Bracho, Andrés Almeida, Paloma Arredondo y dirigida por Batan Silva.

La Nave es una película que lleva 10 años gestándose y estoy muy feliz por eso pues ha sido todo un ciclo desde que la empecé a escribir en mayo/junio del 2012. Hasta el día de hoy, estoy convencido de que el tipo de películas que se han estado ofreciendo en México necesitaban un poco más, como lo que propone La Nave, es decir, un conjunto de inquietudes propias y de todos aquellos que han estado involucrados en la creación de la cinta”.

Basada en una historia real

La sinopsis nos cuenta que Miguel se encuentra en un punto muy bajo en su vida personal y profesional. Es conductor de un programa didáctico llamado La Nave, donde da consejos a los menores que escuchan el programa. Cuando es contactado por Gerardo, un niño con cáncer que desea conocer la nave y viajar con ella a la playa, su vida cobra un nuevo sentido y decide hacer todo lo posible para llevarle a donde desea.

Hace 10 años Pablo acababa de estrenar la película El Estudiante y la serie El sexo débil y el verdadero Miguel Pérez había visto ambas y le gustó su trabajo. A Miguel lo habían contratado para coordinar la edición en Oaxaca de un programa cultural del INBA llamado “Leo, luego existo” y lo invitó a participar, y cuando se conocieron, a Pablo le interesó su historia y quién era.

Me platicó que él tenía el sueño de sacar un programa de radio y que fue gracias a que Gerardo, el niño, le habló a su programa que se dio cuenta de todos los recursos y posibilidades que tenía con su programa de radio para poder ayudar a la gente y tener un impacto social positivo en su comunidad”.

Una historia con corazón

Pablo se sintió atraído por la historia, pues estaba saturado de los mismos tipos de héroes que se presentaban en el cine.

Yo personalmente, como espectador, estoy buscando historias que me permitan encontrar un personaje más cercano y tangible. Aquí estaba la historia de un héroe local, verdadero, y que, gracias a su ímpetu y a lo que podemos lograr cuando nos unimos, decidí que era una historia que valía la pena contar”.

Explorando nuevos horizontes

Pablo ya había trabajado en producción y había estado involucrado en la escritura de proyectos teatrales, pero esta es la primera vez que lo hace en una película como guionista y productor.

Me encanta porque aprendí muchísimo. Con esa cinta generé mi propia oportunidad de un sueño que siempre he tenido. Además, me dio la ocasión de tener interacción y pláticas con las personas, escuchar su punto de vista, su opinión. Por supuesto que todo el crew y el staff de la película es algo también a mencionar pues me han compartido sus emociones y sentimientos, y eso es lo que más me enriquece”.

Trabajando con Maya Zapata

En esta cinta, Pablo trabaja con Maya Zapata, haciendo una dupla divertida y emotiva.

Trabajar con ella es increíble. Es más, yo escribí el personaje que interpreta pensando en ella. Maya para mí tenía que estar en la película porque sabía que iba a resaltar al personaje. Es una actriz admirable”.

No te pierdas el estreno de La Nave en todas las salas de cine a nivel nacional. Su prestreno fue el 10 de mayo por el Día de las Madres y a partir del 12 de mayo en todo el país.