Fotografía: Alex Córdova
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje y peinado: Geraldine Hercos
Coordinador editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo García

La mente como aliada

Hay historias que no comienzan en el gimnasio ni en la victoria. A veces empiezan en la quietud obligada. En el caso de Omar Zamitiz, el punto de quiebre llegó hace más de dos décadas, cuando un accidente lo dejó inmóvil durante un año. Aquella pausa forzada terminó por redefinirlo todo: su relación con el cuerpo, con la disciplina y con la forma de entender la salud.

“Cuando sufrí un accidente hace más de 20 años, el cual me dejó un año en cama, descifré la forma correcta de salir adelante paso a paso”, recuerda. Durante ese tiempo, su realidad estaba marcada por las limitaciones físicas y por la necesidad de reconstruir cada movimiento. Pero también apareció algo más profundo: la conciencia de que la mente debía convertirse en aliada para salir adelante.

En ese proceso encontró una herramienta que hoy sigue siendo central en su vida. “Mantener mi cerebro alimentándose de información que ayude a salir de cualquier bache, a mantenerte fuerte, sólido y disciplinado”, explica. Para Zamitiz, la resiliencia se entrena. Y ese entrenamiento comienza cada mañana. “Mantener alimentando la mente con información que realmente aporte beneficios para motivarte, para ser disciplinado, para tener constancia, para amarte más, es la parte más importante de mi trabajo y de lo que yo soy actualmente”.

Con el tiempo, esa filosofía se convirtió en un sistema de vida. La salud dejó de ser una meta aislada y pasó a convertirse en una práctica cotidiana, una forma de atención constante hacia el cuerpo y la mente.

“Darte cuenta del valor que representa estar saludable desde los dedos de los pies hasta el pelo de la cabeza es algo que mantengo día a día”, dice. Ese enfoque se traduce en decisiones simples, repetidas con disciplina: dormir bien, cuidar la alimentación, moverse, leer, meditar. Para él, mantener el equilibrio físico también implica ordenar el ruido mental que muchas veces acompaña la vida diaria.

Movimiento esencial

“Tu mente genera situaciones que ni siquiera existen en tu día a día y te estresas por ellas”, afirma.

Por eso insiste en una tarea que considera esencial: reducir el estrés que nace de pensamientos innecesarios. “Bajar los niveles de cortisol es una tarea diaria”.
Esa búsqueda de funcionalidad real del cuerpo dio origen a su sistema de entrenamiento, Animal Move, una metodología que retoma movimientos naturales que el cuerpo humano conoce desde sus primeras etapas de vida.

“Está compuesto de gimnasia natural y biogimnástica animal”, explica. La idea parte de una observación sencilla: los movimientos más esenciales —rodar, gatear, impulsarse, equilibrarse— forman parte de la motricidad con la que todos nacemos, pero se van perdiendo con el tiempo. “Son movimientos que cualquier ser humano realiza desde muy pequeño, desde bebé, pero se pierden por la vida cotidiana”.

El sistema busca recuperar esa conexión entre mente y cuerpo mediante ejercicios que trabajan fuerza, coordinación, flexibilidad y resistencia de forma integral. No se trata de estética ni de rendimiento aislado, sino de funcionalidad. “Se basa en movimientos naturales llevados a una contracción continua, haciendo que el ser humano funcione mejor: que sea ágil, que tenga equilibrio, fuerza, resistencia y flexibilidad”.

En paralelo, su vida personal también se ha entrelazado con ese camino. Durante años ha trabajado de cerca con su pareja, la actriz y conductora Daniela Fainus, con quien comparte tanto proyectos profesionales como una filosofía de bienestar.

Cuando la entrena, explica, debe separar dos papeles distintos. “Viene mi parte profesional del lado sentimental”, dice. Durante la sesión se enfoca en su rol como coach, atento a lo que ella necesita para alcanzar sus objetivos. “Entro en una etapa de corrección y motivación, enfocado en cuáles son los requerimientos de mi pareja”.

Después del entrenamiento, la dinámica cambia. “Terminando nuestra sesión vuelvo a ser ese esposo que la ama, que está con ella, que le apoya al cien por ciento, que le cocina y que le hace masajes”.

Su relación, cuenta, comenzó incluso antes de formalizarse como pareja. Durante un tiempo fue su preparador físico, y esa cercanía permitió construir una filosofía compartida que hoy también se refleja en los proyectos que desarrollan juntos.

“Empezamos a tener mucha conexión desde el inicio para ir construyendo herramientas que actualmente le funcionan a muchas personas”, señala. Con el tiempo, esa visión se expandió a plataformas digitales y programas de entrenamiento diseñados para quienes buscan mejorar su salud desde casa.

Para Zamitiz, el objetivo nunca ha sido únicamente formar atletas. La meta es más amplia: ofrecer herramientas que ayuden a las personas a sentirse mejor en su propia vida. “La gente puede acercarse a nosotros a través del ejercicio y de nuestra vida saludable”, explica.

Y aunque los proyectos siguen creciendo, la base permanece intacta: disciplina, constancia y atención diaria. Porque, como él mismo resume, el verdadero entrenamiento ocurre todos los días, desde el momento en que comienza la jornada.

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Fotografía: Alex Córdova
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje y peinado: Geraldine Hercos
Coordinador editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo García

Disciplina compartida

La relación de Daniela Fainus con el fitness comenzó frente a las cámaras, pero con el tiempo encontró su centro en un espacio mucho más tangible: el gimnasio. Hoy su vida gira alrededor de su éxito en redes sociales y de su tiempo en Animal Move, el estudio fundado por su esposo, el entrenador Omar Zamitiz, donde el entrenamiento dejó de ser solo una actividad para convertirse en una forma de vida.

Cuando Daniela llegó al proyecto, el gimnasio ya estaba en marcha. Su participación fue distinta: aportar una mirada nueva dentro de un espacio que ya tenía identidad propia. “El gimnasio ya existía, yo llegué cuando ya estaba funcionando. Él empezó a entrenarme, se convirtió en mi coach y con el tiempo también en mi pareja”, cuenta. Mientras Omar se enfoca en la preparación física y el trabajo con atletas de alto rendimiento, Daniela encontró su lugar dentro del proyecto. “Yo llegué a ponerle ese toque femenino a Animal Move, pero él siempre ha sido un gran líder”.

Más que diseñar rutinas, lo que realmente la mueve es la conexión con las personas que siguen su trabajo. La motivación aparece en mensajes, en historias compartidas y en pequeños cambios que se vuelven visibles con el tiempo. “Me apasiona motivar a la gente. Cuando alguien me escribe y me dice que se levantó para ir al gimnasio después de ver un video mío, eso ya vale muchísimo”, explica. Algo similar ocurre dentro de la aplicación que comparte con Omar, donde los usuarios documentan sus avances. “Vemos sus resultados y los vemos motivados. No solo cambian físicamente: sonríen más, se sienten mejor. Eso a mí me llena el corazón”.

Esa relación con su audiencia —que suma millones de seguidores— se sostiene sobre un principio sencillo: la honestidad. “Siempre he sido súper honesta, orgánica y transparente con mis seguidores. Les cuento todo: lo que hago, lo que uso, lo que me funciona y lo que no”. Con el paso de los años, esa transparencia se transformó en confianza. “Hay muchas chicas que confían en mí”.

Aunque desde fuera pueda parecer que quienes viven del fitness se levantan todos los días con entusiasmo inagotable, Daniela insiste en que la realidad es distinta. Para ella, la clave no está en la motivación constante, sino en el compromiso. “La gente piensa que siempre tenemos ganas de entrenar, pero no es así. Hay días en que no quieres hacerlo. La diferencia es que tienes el compromiso de hacerlo de todos modos”. La recompensa llega al final del entrenamiento.

“Nunca me he arrepentido de ir al gimnasio. Siempre termino con una satisfacción enorme conmigo misma”.

Propósito en movimiento

Ese mismo enfoque se extiende a su estilo de vida. En lugar de reglas estrictas o dietas rígidas, Daniela apuesta por el equilibrio. “No tenemos reglas sagradas. Simplemente estamos acostumbrados a comer saludable la mayor parte del tiempo”. Para ella, la alimentación influye mucho más allá de la apariencia. “La comida se refleja en tu energía, en tu mente, en tu bienestar”.

Cuando alguien se inicia en el ejercicio y se frustra rápido, su recomendación es empezar por el entorno. “Lo primero es encontrar un lugar donde realmente te guste entrenar”. La atmósfera puede marcar la diferencia. “Cuando llegué a Animal Move me gustó todo: la música, la comunidad, la vibra de la gente. Eso hacía que quisiera regresar todos los días”. El resto depende de algo menos inmediato: paciencia y constancia.

Con los años, también ha cambiado la forma en que observa su propio cuerpo. Más que una relación conflictiva, describe un proceso de conocimiento. “Siempre me he hablado bonito y he tenido una relación positiva con mi cuerpo”. Ese vínculo se ha vuelto más consciente con el tiempo. “Aprendí a conocerlo cada vez más, a entender qué necesita y cómo funciona”.

Detrás de todo está una idea que para Daniela pesa más que la estética o la popularidad en redes: la funcionalidad. “Mi motivación nunca ha sido tener más seguidores”. Su objetivo es otro, más simple y a la vez más profundo. “Quiero llegar a una edad mayor y poder abrocharme las agujetas sola, salir a caminar, viajar, moverme sin depender de nadie”. Para ella, ese es el verdadero resultado del entrenamiento: “Tener una vida impecable el mayor tiempo posible”.

En ese camino, Omar Zamitiz ha sido una figura clave. Daniela lo describe como un entrenador exigente y creativo dentro del gimnasio, pero también como alguien que escucha y acompaña. “La gente se le acerca todos los días a pedirle consejo. Es un gran coach, pero también un coach de vida”.

Esa dinámica también ha influido en su propia disciplina. “Él encontró la manera de que el ejercicio me apasionara”. Más que imponer una rutina, transformó la manera en que Daniela mira el entrenamiento. “Logró que yo lo viera como amor por mí misma”.

Y ahí, entre disciplina, comunidad y movimiento, se sostiene el proyecto que ambos comparten: una forma de vida en la que el gimnasio deja de ser un lugar para entrenar y se convierte en un punto de encuentro para construir hábitos que, con el tiempo, cambian mucho más que el cuerpo.

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Fotografía: Joch Lucio
Maquillaje y Peinado: Naim Vázquez
Stylist: Manuel Delgado
Coordinador Editorial: Aaron Zavaleta
Diseño Editorial y producción: Juan Pablo García

La fuerza de la contención

Marcelo Córdoba habla con la serenidad de alguien que ha aprendido a no apresurar los procesos. Dice que durante años creyó que actuar era mostrar intensidad, ocupar espacio, hacerse notar. Con el tiempo entendió que lo más poderoso suele ocurrir cuando se contiene.

Recuerda sus primeros proyectos como una etapa de descubrimiento acelerado. Quería probarlo todo, moverse rápido, demostrar que podía con cualquier reto. Hoy, en cambio, prefiere detenerse. Leer los guiones varias veces. Dejar que las escenas reposen. “A veces el personaje necesita silencio para aparecer”, explica.

Para Marcelo, la construcción empieza siempre por la escucha. Escuchar a sus compañeros, al director, al ambiente. Incluso escuchar lo que no se dice en una escena. Le interesa esa tensión invisible que se genera entre dos personajes cuando callan. Ahí encuentra capas que no están escritas, pero que pueden sentirse.

Habla del cuerpo como una herramienta que se afina con los años. Ya no fuerza gestos ni exagera movimientos. Confía en la economía: un cambio mínimo en la postura puede contar más que un monólogo. “Menos es más” dejó de ser una frase y se volvió práctica cotidiana.

Cuenta que el set es un espacio de concentración casi meditativa. Llega temprano, camina el lugar, toca los objetos del escenario. Necesita familiarizarse con el entorno para que, al grabar, nada le resulte ajeno. Esa relación física con el espacio le permite moverse con naturalidad cuando las cámaras están encendidas.

Maestría del tiempo

Marcelo disfruta especialmente los proyectos que le exigen paciencia emocional. Esos donde la transformación del personaje ocurre de forma lenta, casi imperceptible. Cree que el público percibe cuando algo ha sido construido con tiempo y cuidado.

Habla también del cansancio, de las jornadas largas, de la exigencia física que a veces implica el oficio. Pero nunca lo menciona como queja, sino como parte del proceso. “El cuerpo también aprende a resistir”, comenta.

Para él, actuar es una forma de empatía radical. Ponerse en la piel de alguien más obliga a entender motivaciones que, en la vida real, quizá juzgaría con rapidez. Ese ejercicio constante de comprensión lo ha vuelto, dice, más paciente fuera del set.

Al final, Marcelo define su trayectoria como una suma de aprendizajes discretos. Cada proyecto le ha dejado una lección distinta sobre el tiempo, la contención y la importancia de escuchar antes de actuar. Porque, para él, el verdadero trabajo no está en hacerse ver, sino en lograr que el personaje respire con naturalidad frente a los demás.

Esa relación con el tiempo también se extiende fuera del set. Marcelo entrena todos los días desde hace décadas. “Al principio”, admite, “había algo de disciplina impuesta; con los años se volvió simplemente parte del día”. No lo entiende como una exigencia estética sino como una forma de mantenerse disponible: el cuerpo preparado para responder sin interferencias. Dice que la constancia termina eliminando el esfuerzo visible; lo que antes requería voluntad después ocurre solo.

Oficio del presente

Esa lógica aparece también en su forma de trabajar. Evita los excesos, no por sacrificio sino por economía. Prefiere hábitos sostenidos a impulsos intensos. La preparación no consiste en tensarse, sino en llegar afinado. Cuando eso sucede, el trabajo fluye sin fricción.

En los romances que interpreta no busca una emoción distinta según la edad del personaje. Prefiere pensar que el vínculo siempre se aborda desde el mismo lugar: entender qué necesita el otro y qué obtiene a cambio. En algunos proyectos el amor se vuelve negociación, una dinámica menos idealizada donde el afecto y el interés conviven. Ahí encuentra matices que le resultan más cercanos a la experiencia real.

Nunca se consideró especialmente atractivo. Dice que esa percepción apareció tarde, cuando ya llevaba años trabajando. Para entonces la prioridad estaba puesta en otra parte: que la atención se dirigiera a la interpretación y no al aspecto. “Mantenerse en forma”, explica, “responde más a una herramienta de trabajo que a una imagen. La disciplina física sostiene la concentración, no la sustituye”.

A pesar de la experiencia, cada guión conserva un grado de incertidumbre. No habla de nerviosismo, sino de expectativa: descubrir qué lo diferencia del anterior. Incluso dentro de tipos de personaje similares busca pequeños desplazamientos. Una variación de intención, un cambio de ritmo. Dice que la rutina existe en los horarios, nunca en los personajes.

Suele pasar mucho tiempo solo. No lo vincula al oficio sino al carácter. Ese espacio le permite ordenar ideas, pero procura equilibrarlo con encuentros y conversaciones. Cree que el trabajo se sostiene mejor cuando no ocupa todo el territorio personal.

Con los años también cambió su manera de entender los vínculos. Ya no le interesan tanto las impresiones inmediatas como la afinidad prolongada: la conversación, el humor compartido, la calma. La atracción aparece después, no antes. Prefiere relaciones donde el interés se construye gradualmente.

Acepta el rechazo como parte estructural de la profesión. Dice que la carrera del actor se compone mayoritariamente de negativas y que aprender a convivir con ellas es condición básica para permanecer. Los proyectos que sí ocurren adquieren valor precisamente por esa proporción.

No piensa en legado. Le basta con que el trabajo funcione en su momento y deje una impresión honesta. Considera la televisión un oficio ligado al presente más que a la permanencia. Si algo queda, prefiere que sea la sensación de naturalidad.

Equilibrio en escena

Fuera del trabajo, el cine y el teatro ocupan su atención con la misma constancia que el entrenamiento. Le interesa observar cómo otros resuelven problemas similares desde lenguajes distintos. También reserva tiempo para encuentros con amigos de años; dice que esas conversaciones son las que devuelven perspectiva después de jornadas intensas.

“Hay momentos”, reconoce, “en que la exigencia acumula tensión”. Entonces recurre a ese círculo cercano. No como escape, sino como reajuste. La concentración prolongada necesita pausas para mantenerse precisa.

Sobre Julieta habla en términos de contraste. Dice que su libertad le resulta ajena y, por eso mismo, estimulante. Mientras él tiende al control, en ella observa una espontaneidad que desplaza la energía de la escena hacia lugares inesperados. “Esa diferencia”, comenta, “genera equilibrio: uno contiene, el otro expande”.

En lo inmediato prepara un nuevo proyecto en formato breve, un trabajo distinto al ritmo habitual de producción. Lo asume con la misma lógica que ha sostenido durante años: escuchar primero, intervenir después y dejar que el personaje aparezca sin forzarlo.

Para Marcelo, actuar sigue siendo eso: reducir lo innecesario hasta que algo verdadero queda visible.

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Fotografía: Joch Lucio
Maquillaje y Peinado: Naim Vázquez
Stylist: Manuel Delgado
Coordinador Editorial: Aaron Zavaleta
Diseño Editorial y producción: Juan Pablo García

Arquitectura del gesto

Julieta Grajales dice que actuar no comienza cuando alguien dice “acción”, sino horas antes, cuando todavía es una mujer sola caminando por la ciudad. Observa manos, posturas, maneras de sentarse en el transporte público. Escucha conversaciones ajenas sin intención de invadir, solo para entender ritmos. En esos trayectos, asegura, es donde realmente empieza a construir.

No piensa en personajes como moldes que se rellenan, sino como presencias que se van insinuando. Primero, cambian su forma de pararse. Luego, la respiración. Después, sin darse cuenta, la voz encuentra otra cadencia. “Cuando me descubro caminando distinto, sé que ya voy tarde”, bromea. Pero en esa frase hay método: dejar que el cuerpo entienda antes que la cabeza.

Habla poco de técnica y mucho de intuición, pero su rutina revela una disciplina rigurosa. Lee en voz alta cada noche, no importa qué. Repite textos para sentir cómo vibran en la boca. Cocina sin música para escuchar el sonido de los utensilios, como si todo fuera entrenamiento sensorial. Necesita vaciar el ruido para poder llenarse de matices.

Huellas invisibles

Julieta reconoce que el set es un lugar extraño: una mezcla de precisión y caos. Hay marcas en el piso, tiempos medidos, luces que dictan dónde colocarse. Y, al mismo tiempo, emociones que no se pueden programar. “La magia pasa cuando alguien se equivoca y nadie corta”, dice. Ese instante donde la escena se vuelve inesperada es el que más atesora.

Sobre la fama, no se detiene demasiado. La asume como una consecuencia lateral del oficio. Le interesa más la energía compartida con el equipo técnico, los silencios cómplices antes de grabar, la mirada del director cuando algo funciona sin necesidad de palabras. “Ahí sabes que estás en el lugar correcto”, comenta.

Cuenta que hay personajes que la acompañan durante semanas después de terminar un proyecto. No en forma de recuerdo, sino como una especie de eco emocional. Por eso necesita rituales para volver a sí misma: caminar sola, ordenar su casa, hablar poco. Recuperar su propio ritmo es tan importante como encontrar el del personaje.

Le atraen las historias que incomodan, las que dejan preguntas abiertas. Cree que el espectador merece espacio para completar lo que no se dice. “Si alguien se queda pensando después, ya pasó algo”, asegura. Ese eco posterior le parece más valioso que cualquier reacción inmediata.

Julieta habla del error con naturalidad. Dice que equivocarse frente a la cámara le ha enseñado más que cualquier escena perfecta. Porque ahí se revela algo auténtico, algo que no estaba planeado. Y en esa grieta aparece la verdad.

Al final, define su carrera no por los papeles que ha interpretado, sino por lo que cada uno le ha dejado en el cuerpo. Pequeñas huellas invisibles que la vuelven más porosa, más atenta, más humana. Actuar, concluye, no es escapar de la realidad, sino aprender a mirarla desde ángulos que antes no existían.

Después de ese aprendizaje corporal, su curiosidad empezó a desplazarse hacia otro territorio: la imagen fija. No como una pausa de la actuación, sino como una extensión. Pintar apareció primero como necesidad privada, una forma de ordenar emociones que no alcanzaban a decirse en escena. En sus autorretratos no busca reproducir rasgos sino registrar estados; figuras que cambian ligeramente de una pieza a otra, como si la identidad fuera un proceso más que una forma estable.

Geografía del ser

En París entendió que mostrar pintura implicaba una exposición distinta. Frente a la cámara siempre hay un margen de mediación —el encuadre, la edición, la distancia—, pero en una sala el espectador comparte el mismo aire que la obra. No hay protección narrativa. La pieza ocurre al mismo tiempo que la mirada. Dice que ahí descubrió otra clase de vértigo: no interpretar, sino permanecer.

No lo vivió como ruptura con la actuación. Más bien como un traslado del mismo método. El cuerpo primero, la explicación después. Si un personaje aparece en la postura, una pintura aparece en la materia. Capas que se corrigen, se cubren y vuelven a emerger. Nada completamente borrado, todo integrado en el resultado final.

Esa convivencia entre resistencia y sensibilidad también la reconoce en experiencias fuera del set. En condiciones extremas —hambre, cansancio, presión— el carácter se vuelve más nítido. Sobrevivir exige afirmarse; crear exige escucharse. Para ella no son fuerzas opuestas. La misma determinación que permite sostenerse en la incomodidad es la que luego permite mirar una emoción sin apartarse.

Por eso habla del amor propio como dos gestos distintos: insistir y mostrarse. En uno hay firmeza, en el otro honestidad. La fortaleza protege el espacio donde la delicadeza puede aparecer.

En sus performances busca algo similar. No seducir ni impresionar, sino atravesar un proceso frente a otros. Le interesa ese momento en que el espectador deja de consumir la imagen y empieza a sentirse implicado. No siempre es cómodo. Tampoco pretende que lo sea. La belleza, dice, no es decoración: es transformación.

Sobre la libertad habla sin grandilocuencia. La describe como una práctica cotidiana que a veces implica quedarse sola, sostener decisiones que no encajan en expectativas ajenas. No lo plantea como gesto rebelde, sino como coherencia. Permanecer en lugares donde no necesita reducirse.

Esa idea aparece también en sus personajes. Evita suavizarlos. Prefiere entender desde dónde aman o se defienden. Cuando la motivación se vuelve clara, el cliché desaparece. No se trata de justificar, sino de comprender. La compasión, en su caso, no es indulgencia sino precisión.

A veces las historias continúan después del proyecto. No como recuerdo concreto, sino como un eco en la manera de reaccionar o de mirar. Para volver a sí misma recurre a acciones simples: ordenar espacios, caminar, bajar el ruido. Recuperar un ritmo propio antes de empezar el siguiente.

Si tuviera que traducir su relación actual con el amor, no hablaría de un color único. Piensa en superficies tornasol: tonos que cambian según la luz, capas trabajadas que permanecen visibles. Nada intacto, todo aprendido. Para ella no hay contradicción en eso; la experiencia no arruina la emoción, la vuelve más consciente.

Tampoco romantiza la herida. La considera material. Algo que, al mirarse de frente, deja de ser ausencia para convertirse en forma. Crear no elimina la fractura, pero le da dirección. Transformar energía suspendida en gesto, voz o pigmento.

Cuando habla del cuerpo, evita decidir si es herramienta o resultado. Prefiere pensarlo como territorio. Lugar donde se registran la memoria, la disciplina y los límites. Cada proyecto lo modifica ligeramente, como si la biografía también fuera física.

Atención compartida

Al pensar en su trayectoria no menciona metas ni conquistas. Habla de apertura: espacios que aparecen cuando el trabajo mantiene una cierta honestidad. Y de miedo, también. No como obstáculo sino como señal de compromiso. Aquello que importa siempre incomoda un poco.

Cuando habla de Marcelo lo hace desde el ritmo más que desde la cercanía. Dice que su presencia ordena el espacio incluso antes de decir una línea. Mientras ella tiende a construir desde la intuición, en él reconoce una precisión tranquila. Trabajar juntos, explica, funciona porque las energías no compiten: una abre y la otra sostiene. En ese equilibrio la escena encuentra estabilidad sin volverse rígida.

Por eso vuelve al principio. A caminar, observar, escuchar. Antes de cualquier escena, antes de cualquier cuadro. La preparación no empieza frente al público, sino en la forma de habitar el mundo. Y actuar —o pintar— termina siendo lo mismo: prestar atención hasta que algo verdadero aparece.

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Talento: Yankel Stevan
Fotografía: David Suárez
Stylist: Ruth Buendía
Grooming: Ashley Aguirre
RP: Pepe Ayala

¿Qué fue lo primero que te enganchó de No me sigas y por qué dijiste “sí”?

La historia me agarró desde la primera lectura. Era oscura, intensa, pero también muy emocional. Sentí que podía hacer algo diferente, y eso me emocionó. No lo pensé demasiado.

¿Cómo describirías la dinámica con Ximena y Eduardo?

Muy natural. Desde el primer día hubo confianza. Son directores con los que puedes hablar, proponer, equivocarte. Se armó un ambiente muy chido en el set.

¿Qué te retó más de interpretar a Andrés?

Irme a lugares que normalmente no toco. Andrés tiene capas complicadas y tuve que enfrentar cosas mías para entenderlo. Eso siempre reta.

¿Qué te gustaría que el público descubra de ti con esta peli?

Que sigo creciendo, que me gusta arriesgarme y que disfruto mucho explorar personajes que no son “lo obvio”.

En 14 años de carrera, ¿qué ha sido lo que más te movió o te cambió?

Cuando dejé de pensar en “hacerlo perfecto” y empecé a disfrutarlo de verdad. Cambió todo cuando entendí que lo importante es la verdad del personaje, no verme bien.
Tu etapa en Cancún antes de llegar a CDMX…

Era un chamaco sin rumbo, la neta. Disfrutando, sí, pero sin pensar en el futuro. Llegar a la CDMX fue literalmente lanzarme al vacío… y salió bien.

Diferencias entre el Yankel modelo y el Yankel actor de hoy.
Antes estaba sobreviviendo. Hoy estoy construyendo. Antes era más inseguro; ahora entiendo mejor quién soy y qué quiero hacer.

¿Qué te dejó trabajar en series como Control Z que hoy usas en cine?

Ritmo, disciplina y una intuición más fuerte. En televisión decides rápido, y eso me ha ayudado muchísimo a confiar más en mí.

¿Has tenido que luchar contra etiquetas?

Sí, claro. Todos las tenemos. Pero creo que elijo proyectos que me permiten romperlas poco a poco.

¿Algún personaje que te haya cambiado?

Sí, varios. Cada uno te deja algo, pero este en especial me agarró en un momento de vida donde estaba más abierto emocionalmente.

¿Qué buscas en un guion?

Que me mueva algo. Si lo termino y sigo pensando en el personaje, sé que es por ahí.

Influencias que te han marcado. Me inspiran directores y actores que trabajan desde lo humano, desde lo real. Lo que no se siente actuado es lo que más me pega.
¿Intuición o técnica?
Las dos. La técnica te sostiene, pero la intuición te lleva a los lugares más interesantes.
¿Qué parte de tu personalidad te mantiene a flote en esta industria?

Soy necio. Cuando quiero algo, no suelto. Y también soy muy adaptable, eso ayuda un chingo.
¿Cómo eres fuera de cámara?

Muy normal. Tranquilo. Sensible. A veces impulsivo, pero cada vez más consciente de por qué hago las cosas.
¿Qué te mantiene centrado en procesos fuertes?

Hacer ejercicio, escribir un rato y desconectarme del celular. Si no me doy espacio, me saturo.
¿Qué personajes quieres explorar en los próximos años?

Los que tengan algo que decir. Personajes rotos, complejos, humanos.
Que dejé todo en cada proyecto. Que no me acomodé. Que siempre estuve buscando crecer.

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Talento: Julia Maqueo
Fotografía: Bruno Gómez De la Cueva
RP: Pepe Ayala

¿Qué te motivó a aceptar el papel de Sam en No me sigas, siendo esta tu primera incursión formal en el cine de terror?

Creo que lo que más me motivó a darle vida a Sam viene justamente de que el terror es un género con el que no había estado familiarizada, y me encantó la oportunidad de conocerlo.Yo jamás creí hacer un proyecto de miedo. Una vez que me quedé, tenía muchas preguntas. Pero ya estando en el set, todo fue muy inmersivo, 

Has mencionado que eres muy miedosa pero al mismo tiempo curiosa por el terror. ¿Cómo lidiaste con ese contraste durante el rodaje?

Pues aunque no soy escéptica, llegaba escéptica al set… pero al mismo tiempo me encantaba curiosearlo. Fue muy divertido.

Para preparar a Sam creaste una playlist especial. ¿Qué tipo de música incluía y cómo te ayudó en el proceso?

Fue una playlist bastante versátil, con varios géneros. Metía las canciones que, al escucharlas, me generaban algo siendo Sam. Me ayudó muchísimo, porque la ponía justo en el momento en el que me convertía en ella.

Parte del rodaje ocurrió en locaciones con una energía muy intensa. ¿Cómo influyó ese ambiente en tu interpretación?

Tuvimos un mes y medio de ensayos, llegamos al set con las cosas más claras, de qué decir y qué hacer. Obviamente es un poco más complejo, porque tienes que estar muy atenta a los movimientos. Pero el ensayo realmente nos hizo todo muy sencillo. Creo que todo influyó de una manera muy positiva. Los sets se convirtieron en un personaje, y siempre digo que, más que sentirme en un set, me sentía en una realidad alterna.

Durante la filmación hubo rituales de protección por la carga simbólica de los espacios. ¿Qué opinas del componente espiritual alrededor del proyecto?

Siento que toda la parte energética estuvo muy bien cuidada. Nos protegieron bastante bien, tanto antes como después de la filmación. Aunque en las locaciones, por la carga que ya tenían esos lugares, sí se sentía una energía diferente.

¿Qué reflexión te genera que No me sigas combine redes sociales, fama digital y elementos sobrenaturales?

Más que una reflexión, siento que juntamos tres temas que se integran bastante bien y que hablan de cuestiones importantes, especialmente para esta generación.

Has hablado de la “creación de un alter ego” para Sam. ¿En qué se parece a ti y en qué es completamente diferente?

Sam es muy parecida y al mismo tiempo completamente diferente a mí. Al final, vivimos en una generación que depende por completo de las redes sociales.

Antes de No me sigas participaste en programas como Como dice el dicho y La Rosa de Guadalupe. ¿Qué aprendizajes te dejaron esos proyectos?

Creo que esos y todos los proyectos en los que he participado siempre me han enseñado muchísimo, en muchas ramas de la actuación. Siempre les estaré muy agradecida.

Tras el estreno en el FICM comentaste que no habías asimilado lo vivido hasta llegar a casa. ¿Cómo fue ese momento emocionalmente?

Fue muy divertido y muy nostálgico. Me cayó el veinte estando con mis papás y simplemente me solté a llorar. Me sentí muy agradecida. llegué a mi casa y toqué tierra. Me dije: qué acaba de pasar, todo ha sido muy rápido, todo el proceso fue muy rápido. Fueron muchas emociones, todo me pegó de golpe.

¿Qué tipo de personajes y géneros te gustaría explorar después de haber pasado por el terror?

Me encantaría explorar un poco de todo, pero si tuviera que escoger uno, definitivamente sería acción.

¿Cómo equilibras tu presencia pública en redes sociales con tu vida personal y tu necesidad de privacidad?

Siento que todo es un balance. Intento mostrarme lo más real posible, al final del día todos somos seres humanos, pero claro, siempre siendo muy cuidadosa con lo que comparto.

Si pudieras volver a tus primeros castings, ¿qué consejo le darías a esa versión más joven de ti?

Que esté tranquila. Hay un montón de factores que influyen en quedarte en un proyecto. “Lo estás haciendo bien: sigue por este camino”.

¿Cuál es tu visión a largo plazo como actriz? ¿Hay algo más de la actuación que te gustaría explorar?

Siento que como actores nunca terminamos de explorar y de conocer nuevas ramas en esta profesión tan hermosa. Es un continuo aprendizaje. Me gustaría explorar todo y seguir aprendiendo.

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Fotografía: Rafa Salsas
Asistente de foto: Gael Peloso
Styling: Santiago Araico
Muah: Geraldine Hercos
RP: Irma García
Locación: Ex Fábrica de Harina
Entrevista: Aarón Zavaleta

Crecer en el Rock

Antes de aprender del mundo, Celia Lora entendió lo que era vivir dentro del rock. Desde niña, sus vacaciones no eran en la playa ni en un parque de diversiones, sino entre cables, guitarras y grabaciones. “Tengo recuerdos de toda mi vida, desde que me di cuenta que mi papá no era normal, no era un papá de trajecito, que era diferente. Todo era diferente, mis vacaciones eran ir a grabar sus discos”.

La hija de Alex y Chela Lora creció en el centro mismo de una historia musical que cambió el rumbo del rock mexicano. Entre giras interminables y foros repletos, aprendió a ver el trabajo, la entrega y la pasión que había detrás de cada acorde. “Iba mucho con ellos a las giras, desde niña, esos eran mis viajes, mis vacaciones, hasta que ya empecé a hacer mis cosas, pero siempre todo fue muy, muy padre. De hecho, hasta la fecha, todos son momentos especiales, simplemente el hecho de poder estar juntos”.

Orgullo y Ternura

De todas esas memorias, uno se quedó grabado para siempre: “La primera tocada en la que lloré fue en el Foro Sol. Ese día estuve muy contenta”. Aquella emoción, mezcla de orgullo y nostalgia, resume lo que significa para ella ver a sus padres arriba del escenario, convertidos en símbolo y familia a la vez.

Celia habla de ellos con una mezcla de admiración y ternura, con la certeza de quien sabe que lo suyo es más que una herencia artística: es una conexión humana profunda. “La influencia que tengo de ellos es absoluta, no sería quien soy si no me apoyaran en todo. Siempre me dejaron ser, nunca impusieron algo, me dejaron ser la persona que yo quise ser. Son mis amigos, son mis mejores amigos, hasta que me muera, porque son los que han estado en las buenas, en las malas y en las peores”.

Testigo en Primera Fila

Detrás del mito de El TRI, Celia ha sido testigo de la parte más íntima del rock: el trabajo constante, los sacrificios, las horas en carretera y el amor que los mantiene unidos. “Nosotros nos tenemos el uno al otro y al otro y nada más”, dice con un tono que mezcla cariño y orgullo.

Sobre Alex y Chela, no escatima palabras: “Ellos son almas gemelas. Qué padre que se encontraron, que pudieron construir algo tan chingón que no cualquiera. Muy pocas personas que conozco tienen unos papás tan unidos. Hay mucha gente que se muere sin conocer el amor, sin encontrar su alma gemela. Mis papás se encontraron para construir algo muy chingón y yo soy parte de eso, de verlo en primera fila”.

Vocación y Autenticidad

Esa conexión se traduce en la forma en que Celia mira el mundo y en la libertad con la que ha construido su propio camino. Una libertad que aprendió observando a sus padres ser fieles a sí mismos, aun cuando eso implicara remar contra la corriente. “Como personas y como figuras del rock, son únicos. No va a haber alguien como ellos, son personas que no existen en ningún lado. Hay personas que posan y lo intentan, pero ellos lo tienen: la vocación, el amor. Son únicos”.

Hoy, mientras explora nuevas posibilidades en su carrera artística, Celia piensa también en rendir homenaje a su historia familiar. “Los últimos meses he estado viendo justamente con ellos volver a un reality, en donde la gente vea cómo vivimos, cómo es la vida de quien creen que es el rockstar. No es así, es una chinga que se han puesto, ellos viven para trabajar. Y me gustaría mucho que la gente viera todo lo que hay detrás”.

El Rock Corre por sus Venas

La niña que creció entre amplificadores y escenarios entendió que el rock es una forma de vida. A través de sus padres, aprendió que la autenticidad no se negocia y que el amor y el rock se defiende todos los días. En su mirada hay gratitud, orgullo y una certeza que resume toda una historia familiar en donde el rock corre por sus venas.

No te pierdas las sesión de fotos completa en nuestra edición impresa y digital.

Fotografía: Rafa Salsas
Asistente de foto: Gael Peloso
Styling: Santiago Araico
Muah: Geraldine Hercos
RP: Irma García
Locación: Ex Fábrica de Harina
Entrevista: Aarón Zavaleta

Alex Lora y El Tri

Hablar de Alex Lora es hacer mención del rock mexicano en carne viva. Desde finales de los sesenta, su voz y su guitarra han sido testigos y cronistas de un país en eterna metamorfosis. Con El Tri, la banda que él mismo ha moldeado a lo largo de casi seis décadas, Lora convirtió la rebeldía en un oficio, el caos en disciplina y el ruido en una forma de oración melódica.

El origen de todo se remonta a 1968, cuando formó Three Souls in My Mind junto a Carlos Hauptvogel y Guillermo Berea. En sus primeros años, el grupo interpretaba covers en inglés, siguiendo la corriente anglosajona que dominaba el panorama. Sin embargo, el cambio llegó cuando Alex entendió que su público debía escucharse a sí mismo en sus canciones. “Era importante que la gente entendiera el mensaje de mis rolas en su propio idioma”, recuerda. Así, el inglés quedó atrás, y el rock mexicano encontró por fin una voz con acento chilango, emocional y callejero.

El Rock y Chela

En 1971, Three Souls participó en el mítico Festival de Avándaro, un momento que marcó tanto la historia del rock nacional como la vida personal de Alex: allí conoció a Chela, su inseparable compañera y, como él la llama con cariño, su “domadora”. “Nos flechamos en el 71, en septiembre, y ahora estamos cumpliendo 54 años de novios y 45 de casados; realmente el rock and roll nos unió y ha marcado nuestro camino”, dice. No exagera: su matrimonio ha corrido paralelo a la historia de su banda, una dupla que ha resistido censuras, crisis y mutaciones de la industria.

Para mediados de los ochenta, Lora fundó oficialmente El Tri, nombre que el público ya usaba de manera coloquial. Desde entonces, ha encabezado un proyecto que sobrevive a todas las modas con la misma irreverencia con que comenzó. “El rock and roll es un deporte muy desmadroso y no es muy coordinado; siempre es diferente”, ríe. “Antes de que mi domadora entrara a la jugada, yo aparte de ser cantante, guitarrista, chofer, secre y paño de lágrimas, era también el manager… Ya te imaginarás cómo salía todo: de la chingada”. La incorporación de Celia profesionalizó la banda: ella asumió la dirección, la logística, e incluso terminó subiéndose al escenario. “En una de esas tocadas, las coristas le dijeron: ‘¿por qué no te subes tú también? Te sabes todas las rolas’. Y desde entonces es parte del grupo”.

Aniversario Monumental

Ese caos organizado se tradujo en una carrera que no ha dejado de moverse. “Nunca es igual un día para mí”, explica. “Ayer estábamos grabando con el grupo Antología de Perú, mañana nos vamos a León… Coordinarlo es un mega desmadre”. Y sin embargo, en ese ritmo frenético hay método: la constancia de un músico que, a sus setenta y pico, sigue afinando la guitarra cada día.

Su calendario gira siempre alrededor de una fecha clave: el 12 de octubre, el “Día de la Raza Rockanrolera”, cuando ofreció su primera tocada en 1968. Desde entonces, cada aniversario se celebra con un concierto monumental. Este año, el festejo ha sido doble: los 57 años de El Tri y los 40 años del primer disco firmado con ese nombre. “Hicimos tocadas el 12 y 13 de octubre en el Auditorio Nacional, con la Orquesta Sinfónica Esperanza Azteca y la batuta del maestro Salgado. Se llamó El Tri simplemente sinfónico. Fueron unas tocadas históricas”.

La Ética del Rock

A lo largo de su carrera, Lora ha entendido el rock como un oficio que no da tregua. “Nosotros nunca hacemos afters”, explica con ironía. “Cuando terminamos, gracias a Dios ya tenemos otra tocada en chinga. Si hiciéramos after, estaría cabrón llegar a la que sigue. Mejor dormimos y llegamos bien a la próxima”. Esa ética del trabajo que mezcla de devoción y terquedad explica la vigencia de una banda que ha sobrevivido a dictaduras culturales, a la censura y a los algoritmos.

Su proceso creativo también se rige por el azar. “Normalmente tengo rolas inventadas, con mi música y tonada, pero en algún momento, viendo una película o viajando, me cae el veinte y digo: este cotorreo le queda a esa música. No hay un proceso determinado. En el momento dices: ‘No te preocupes, no pasa nada, algún día a todos nos va a llevar la chingada… y si quieres vivir días felices, hazte pendejo y no analices’”. Detrás del humor y la irreverencia, late una lucidez brutal: Alex ha hecho del sarcasmo una forma de filosofía popular.

Sueños y Reconocimientos

Esa mezcla de desenfado y disciplina lo ha llevado más lejos de lo que alguna vez imaginó. “Cuando empecé a rockanrolear mi mamá me decía: ‘De músico te vas a morir de hambre’. Y yo le decía: ‘sí, pero la música me llama’. Por eso siempre digo que el rock and roll es un deporte, es mi deporte favorito”. Años después, ese “deporte” lo condujo a recibir la Medalla Florida del Inca Garcilaso de la Vega en Perú, el Grammy a la Excelencia Musical, varios premios más en México y Estados Unidos, y el reconocimiento de sus pares como Gran Maestro de la Sociedad de Autores y Compositores. “Ni en mis más húmedos sueños pensé que todo eso iba a suceder”, admite con asombro sincero.

Más allá de los homenajes y las sinfónicas, su música sigue siendo un espejo de la calle: el ruido de los negocios, la furia de los transportes, la carcajada que sobrevive a la tragedia. Por eso, cuando Alex dice que “la raza con su energía te prende”, no es una metáfora.

Rock como Destino

Entre más historias incansables de un personaje protagónico de la música, Alex Lora se mantiene fiel a su credo: el rock como destino, como oficio y como resistencia. “Siempre voy con mi guitarra”, dice. “Según lo que estemos platicando, te puedo cantar el pedazo de una rola”. En su mundo, las palabras y los acordes se confunden. Porque para él y para varias generaciones de mexicanos el rock es una manera de sentir y de no rendirse. Por eso, “¡que viva el rock and roll!”.

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Fotografía: Rafa Salsas
Asistente de foto: Gael Peloso
Styling: Santiago Araico
Muah: Geraldine Hercos
RP: Irma García
Locación: Ex Fábrica de Harina
Entrevista: Aarón Zavaleta

El Amor Nació en Avándaro

En el festival de Avándaro apareció una silueta frágil y decidida que atravesaba la multitud entre lonas, cables y ecos: Chela Lora, una joven cuyo destino se entrelazaría para siempre con el rock mexicano. Aquel día de 1971, esa joven fue testigo del inicio de una leyenda. Décadas después, su voz suave pero firme aún conserva el brillo de aquella historia compartida.

Viajamos unos meses atrás. “Me invitaron a una fiesta, y vi a un chico de melena larga, era Alex. Desde el momento en que lo vi, me enamoré”. Un rato después, subió al escenario de esa tocada y dijo: “Buenas noches, nosotros somos Three Souls in My Mind”. En ese momento, Chela hizo match con el recuerdo de haber visto varios posters de la banda pagados en postes y paredes de la ciudad; una banda en ascenso que ya empezaba a ocupar un espacio pequeño en la escena.

La Travesía de 1971

Chela guardaría esa imagen por varios meses en sus pensamientos, la de un Alex joven, rockero, ávido de dominar los escenarios y expresar su juventud a través del rock. Pero no fue hasta el mítico y recordado festival de Avándaro, en el año 71, cuando Chela tuvo la oportunidad de volver a encontrarse con el que era su nueva estrella.

Cuando se acercaba el día del festival, ella y su hermana —con un bebé de apenas dos meses— emprendieron una travesía improvisada hacia Avándaro. “Decidimos ir. Cargamos con pañalera, esterilizador de mamilas y nos fuimos…”, cuenta. Para mala fortuna, llegaron cuando ya no había hospedaje y terminaron durmiendo en una banca. Pero la emoción y juventud pudo más que el cansancio y el riesgo. Además, Chela tenía algo entre manos: animarse a saludar a Alex en persona en algún momento oportuno.

El Saludo Cerca del Escenario

Cuando estaban armando el montaje, Chela le dijo a su hermana que iba a ir a buscar a Alex. La gente a las orillas estaba acampando, el entorno cargaba las pilas para un hecho musical histórico que hasta la fecha sigue siendo un referente de lo que fueron esos primeros años festivaleros en nuestro país. Así, Chela fue abriéndose camino hasta encontrar a Alex, quien estaba charlando con sus amigos cerca del escenario. Ella narra que él estaba recargado en el tubo de una carpa y vio ese momento perfecto para acercase y saludarlo. Alex, amablemente e interesado, comenzó a platicar con ella, dándose cuenta que aquella chica era toda una fan de su proyecto musical. Además, la invitó a subir un rato al escenario, mientras hacían pruebas de sonido.

Para ese momento, la euforia del público crecía y Chela decidió volver con su hermana, sin embargo, había cumplido su cometido, el de conocer en persona y platicar con Alex Lora. Así fue como transcurrió aquel evento, callejero, rebelde, contestatario, un símbolo de libertad y juventud que incluso haría vibrar al gobierno, pues fue un motivo masivo para que el rock quedara prácticamente prohibido de manera pública durante algunos años. Y también, fue el inicio de una gran historia de amor.

De Novia a Productora

Tiempo después, hubo llamadas, encuentros, complicidades nacientes, hasta que “Comenzamos a salir y nos hicimos novios, nos conocimos en 1971 y nos casamos en 1980”, relata. En ese trayecto, Chela se fue convirtiendo, sin proponérselo, en el apoyo más cercano de Alex. “Empecé a ayudarle a vender boletos, a organizar, a coordinar algunas cosas, y sin darme cuenta me convertí en su manager. También empezamos a rentar equipo, a enlonar, rentar baños, y a organizar conciertos… dignificamos el Rock & Roll”, nos platica con orgullo, sobre un contexto donde los festivales no tenían lo que hoy en día ofrecen al público, pues en aquel momento los organizadores no consideraban la seguridad de los asistentes, solo rentaban un terreno, montaban un escenario y era todo lo que había.

Chela nunca fue la voz principal ni la guitarrista, pero sí el alma de producción. Tomaba decisiones frente a escenarios precarios, promotores desorganizados y conciertos que se sostenían a pulso. “Empezamos a hacer conciertos como La mujer rockanrolera o La guitarra de platino y a la fecha lo seguimos haciendo”, recapitula.

La Consolidación de El TRI

El paso de Three Souls in My Mind a El TRI fue, para ella, una evolución natural. “El compositor, el líder y todo ha sido Alex siempre. Con ese cambio la música fluyó más, el disco El Tri pegó sin que lo esperáramos”, cuenta. Aquel lanzamiento fue un parteaguas: cuando llenaron la Plaza de Toros Acho en Perú, se dieron cuenta que el trabajo se había consumado a un nivel masivo. Con ello comenzaron giras internacionales y su nombre cruzó fronteras. “En el mismo 1986 fuimos a Estados Unidos y de ahí empezamos a salir a otros lugares”, recuerda con una sonrisa. La trimanía era todo un fenómeno, las rolas en el radio sonaban y en los espacios públicos los fanáticos se aglutinaron pidiendo un autógrafo, un abrazo y para conocer a la banda del momento.

Detrás del escenario, ella hacía fuerte a la estructura. “Me correspondió ser el complemento de Alex. respaldarlo en sus grabaciones, videos, coordinación de eventos. Mucha gente hizo carrera en Producciones Lora”. Lo que empezó como un gesto afectivo se volvió una empresa sólida, una infraestructura para el rock mexicano.

El Rock es Resistencia

Cuando hablamos con ella sobre la evolución que el rock ha tenido a lo largo de las décadas, nos explica: “El rock and roll ha ido cambiando, ha tenido muchas fusiones. Pero Alex, como pionero, nunca perdió su línea. Nosotros hemos visto pasar todos los formatos, de vinilos, el CD y hasta lo que es ahora. Además veo que se ha creado un camino para que las nuevas generaciones puedan hacer su música. El rock and roll es auténtico, el TRI se convirtió en la bandera de la gente joven. Desde sus inicios, Alex en sus canciones y sus letras le dio a los jóvenes una identidad, una manera de desahogo y una forma de rebeldía y libertad. Siempre por el buen camino, la gente le dice a Alex: ‘gracias a ti hice mi carrera’, ‘gracias a ti no me suicidé’, ‘gracias a ti conocí a mi novia’. Sus canciones han sido una guía, y ha creado conciencia, y eso es el rock and roll”. Para Chela, el rock ha sido actitud, autenticidad y resistencia.

Al referirse al presente, su tono se vuelve más personal: “Le doy gracias a Dios que nos hayamos encontrado. Nos identificamos plenamente. Somos almas gemelas”. Después de décadas de complicidades, no oculta la emoción. “Nadie imagina el tipo de esposo que es Alejandro, es respetuoso, cariñoso, todo el tiempo me dice que me veo bien”. Y es así, durante la sesión de fotos para esta portada de WM, se nota esa armonía y química de un matrimonio que además son un gran equipo. Durante 45 años de matrimonio, Chela y Alex Lora caminaron tomados de la mano, construyendo día a día una alianza creativa y personal que trascendió los límites del escenario.

Arquitecta Discreta

Imagínenla allí, en primer plano, con mirada firme: Chela Lora, arquitecta discreta del TRI, la compañera tenaz que ha sido testigo y personaje para el rock mexicano. En esta conversación, logramos capturar su palabra, rescatar la emoción entre líneas y hacer visible el corazón que latió detrás de una de las bandas más icónicas del país.

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Fotografía: Rafa Salsas
Asistente de foto: Benjamín Vázquez
Estilismo: Santiago Araico
Muah: Bere de la Rosa & Jorge Beltrán
RP: Roberto Meza para Jerry ML
Coordinación: Juan Pablo Garcia
Entrevista: Aarón Zavaleta

De Miss a conductora

Marie Claire Harp sabe lo que significa abrirse camino en un medio tan competitivo como el de la televisión. Su historia comenzó en Venezuela, en el escenario del Miss Venezuela, donde descubrió que aquel certamen no era solo un concurso, sino un trampolín para su futuro. “Cuando tuve la oportunidad de participar en ese concurso, allí fue donde se me empezaron a abrir puertas en la televisión. Me dieron la oportunidad de empezar en varios foros y de cubrir a conductoras que se habían ido o estaban ausentes. Yo siempre estaba como en el turno al bat, preparándome”, recuerda.

Aunque se formó como abogada, su verdadera pasión la fue construyendo de manera autodidacta en los medios de comunicación. Inició en 2013 en el Canal Y, pero dos años después dio un salto trascendental al integrarse a Venevisión, el canal más importante de su país, donde condujo Portadas, el programa número uno de espectáculos en Venezuela. “Ahí me hice un nombre, me di a conocer de una manera muy bonita. También tuve la oportunidad de ser parte de las Chicas Polar, que en Venezuela es como el compendio de mujeres más exitosas del país”, comparte con orgullo.

La llegada de la pandemia fue un punto de inflexión. La soledad y la lejanía de su familia la impulsaron a mudarse a México. “Cuando llegó el COVID yo tenía en mente venirme porque aquí estaba mi familia. Me empezó a pegar esa lejanía, y ahí fue donde decidí dar el paso”. Su primer acercamiento fue en Bandamax, donde descubrió la riqueza de la música regional mexicana. Esa experiencia, dice, la ayudó a integrarse y conectar más con la cultura mexicana.

El gran escaparate llegó con Las Estrellas bailan en Hoy y posteriormente con La Casa de los Famosos, reality en el que encontró una plataforma para mostrar su carisma y resiliencia. “Yo dije: lo tengo que hacer porque es la excusa perfecta para darme a conocer en México. A pesar de que no duré mucho dentro del reality, aprendí que las personas tienen algo muy valioso dentro de sus cuatro paredes que no es bueno mostrar tan explícito. Eso lo valoro mucho”.

El reto se transformó en oportunidad cuando asumió el rol de Host Digital del programa, papel que mantuvo durante tres temporadas consecutivas. “Es una cosa increíble porque debe ser la primera vez que alguien logra permanecer las tres temporadas. En el mundo de las redes sociales es complicado y, sin embargo, he tenido una aceptación muy bonita. Estoy asumiendo el rol con entereza, responsabilidad y calma, sin tomarme las cosas a pecho”.

Brillar más allá de la pantalla

Con más de 2.6 millones de seguidores en Instagram, además de comunidades sólidas en TikTok y YouTube, Harp ha sabido construir un vínculo cercano con su público. “Soy de las pocas personas que recibe poco hate porque no tengo miedo de bloquear comentarios negativos. Me gusta limpiar ese espacio que es mío y de las personas que deciden seguirme”. Esa autenticidad, asegura, es lo que la conecta con quienes la siguen día a día.

Su historia personal también ha estado marcada por resiliencia. Durante su adolescencia fue víctima de bullying, principalmente por su estatura y complexión. “Se burlaban de que era muy flaca, pero gracias a eso entré a Miss Venezuela y moldeé mi cuerpo como quise. Lo que parecían defectos se convirtieron en fortalezas. Crecí con una madre psicóloga que me enseñó a quererme y valorarme”. Hoy, esas heridas del pasado son las que fortalecen su discurso de aceptación y seguridad.

Más allá del trabajo, Marie Claire cuida su salud física y emocional a través del ejercicio, al que considera su vía de escape. “El gimnasio es importantísimo para mí. Tanto así que armé uno completo en mi casa, porque me bajoneaba si no podía entrenar. Ahora lo hago para cuidar mi salud física y emocional”. También confiesa que no se castiga ni se juzga de más: prefiere ser objetiva y amable consigo misma.

Definirse no le resulta fácil, pero lo hace con contundencia: “Soy una mujer imparable, abierta al crecimiento profesional. Estoy en una evolución constante, abrazando y trabajando en lo que venga”. Entre sus sueños, destaca conducir programas de concursos que puedan cambiar vidas, así como explorar más su lado filantrópico. “Me gustaría que me recordaran como una mujer cercana, auténtica, que llevó su personalidad a la televisión y que siempre transmitió alegría”.

La venezolana que encontró en México un nuevo hogar no solo busca brillar frente a las cámaras, sino dejar huella en la vida de las personas. “Quiero marcar la diferencia con cercanía, con autenticidad y con proyectos que impacten positivamente en la gente”, asegura. Su camino es una muestra de que la disciplina, la resiliencia y la pasión son capaces de transformar obstáculos en oportunidades.

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