Fotógrafo: Alex Salinas
Stylist: Rodrigo Alcántara
RP: Pepe Ayala

Hay otra forma de silencio: la saturación. Todo suena, pero nada se queda. En ese terreno, Sebastián Rulli lo nombra sin rodeos: “Hoy no compites solo contra otras historias, compites contra la distracción permanente. Todo dura segundos. Por eso creo que el reto es lograr que la gente conecte emocionalmente rápido… porque cuando una historia toca algo verdadero, el algoritmo ya no importa tanto”.

Esa presión entra al cuerpo del actor. Ajusta el pulso. Cambia el aire de una escena. “Sí cambia el ritmo interno. Antes podías cocinar más lento ciertas emociones; hoy tienes que entrar más rápido al conflicto sin perder verdad. Pero al final lo importante sigue siendo lo mismo: que el personaje se sienta humano”. La velocidad obliga a que la profundidad aparezca antes.

Adaptarse también implica afinar la escucha. “Escuchar más. Entender cómo cambia el público, cómo consumen historias hoy. Y también aprender a no actuar desde la comodidad. Cuando uno cree que ya entendió todo, empieza a repetirse”. Hay una vigilancia constante contra la inercia.

Cuatro años lejos de la telenovela dejan una pausa distinta. “Regresé más tranquilo, disfrutando más el proceso… pero también confirmé cosas que siempre estuvieron en mí: la disciplina, la pasión y el amor por contar historias”. No hay ruptura; hay ajuste fino.

La presión cambia de forma con el tiempo. “Creo que de entender que el éxito no te puede definir todo el tiempo. Antes uno vive queriendo demostrar. Hoy disfruto mucho más construir, compartir y llegar al set con ganas de pasarla bien haciendo lo que amo”. La ambición se recoloca.

En un mapa global que mira hacia Corea del Sur, el melodrama latino encuentra su lugar desde lo que ya tiene. “Han entendido muy bien cómo renovar las emociones sin perder identidad. Cuidan mucho la estética, los ritmos y los detalles emocionales. Pero el melodrama latino tiene algo muy poderoso: pasión, intensidad y verdad emocional. Cuando lo hacemos bien, conecta en cualquier parte del mundo”.

El amor sigue siendo materia prima, sobre todo en sus zonas menos cómodas. “Las imperfectas. Las que se contradicen. Las que incomodan. Creo que hoy la gente conecta más con personajes humanos que con relaciones perfectas”. Ahí aparece Renato, de su reciente proyecto llamado Mi Rival, atravesado por tensiones que no se resuelven fácil. “Renato no ama desde el cliché; ama desde las heridas, desde el miedo, desde la culpa. Ahí es donde el personaje se vuelve distinto”.

Hay algo que se extraña en el ritmo actual: los silencios. “Antes había más espacio para mirar, respirar, dejar que una escena madurara. Hoy todo corre más rápido, pero sigo creyendo mucho en el poder de una mirada bien puesta”. La mirada sostiene lo que el montaje acelera.

Cada trabajo se asume con una idea clara. “Creo que es respeto. Respeto por el público, por el equipo y por la oportunidad de seguir haciendo lo que amo”. La repetición se convierte en compromiso.

En pantalla, la seguridad es parte del oficio. El proceso sigue abierto. “Muchísimas. Sigo aprendiendo a soltar el control, a vivir más el presente y a escucharme más a mí mismo”. No hay punto fijo, hay recorrido.

El arquetipo del protagonista clásico se expande. “No me peleo con ella, pero tampoco quiero quedarme ahí. Lo bonito es sorprenderte a ti mismo y que el público descubra nuevas capas tuyas”. La identidad se mueve.

Interpretar a un charro abre otra relación con el país. “Hay algo muy profundo en esa conexión con la tierra, los caballos y las raíces. Renato me acercó a una parte muy auténtica de México”. La tradición aparece desde la experiencia.

En medio de la velocidad, queda una certeza. “La verdad. Cuando una escena está hecha desde la emoción real, el público lo siente aunque no pueda explicarlo”. Eso permanece.

También hay límites claros. “Una historia donde no encuentre verdad o humanidad en el personaje. Hoy necesito sentir que lo que cuento tiene algo que decir”.

El momento actual se siente en equilibrio. “En una etapa muy plena. Con más calma, más conciencia y más ganas de disfrutar el camino… sin dejar de exigirme”. La exigencia sigue, con otro peso.

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Fotografía: Eddy Espinoza
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje: Rosa María García de Misstika Porstyling
Peinado: Erick Moreno
Asistente de cabello: Sonia Terrazas
RP: Jerry ML
Locación: Studio Selinus
Coordinación editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo Garcia

Alejandra interpreta a Paloma, un personaje que es madre, sí, pero también cuerpo, impulso, error. Una figura que incomoda porque no se acomoda. La primera reacción no fue rechazo. Tampoco fascinación inmediata. “Lo primero que me provocó fue curiosidad y luego reto… rechazo nunca”, dice Alejandra Barros. La premisa de madre e hija en tensión por el amor de un hombre le parecía improbable. Después no. Después entendió que lo improbable se repite más de lo que se admite en voz alta.

Construir a Paloma implicaba esquivar el juicio. No de forma ingenua, sino trabajada, conversada, casi negociada entre lecturas, directores y una intuición que va encontrando su propio hilo. “Lo que encontré fue pensar en ella como una mujer, no como una mamá”. El desplazamiento es sutil, pero cambia todo: la historia deja de ser un escándalo y se vuelve experiencia. Antecedentes, decisiones, un matrimonio que no fue elección, y de pronto —tarde, dicen algunos— la aparición de algo que sí mueve por dentro.

Ahí se instala la clave emocional. No en justificar, en comprender el desfase. “La clave emocional de Paloma es verla como mujer, no como madre y entender que lo que no vivió en su juventud… es lo que la hace que quiera vivir esa experiencia después, ya teniendo una hija, siendo madre, estando casada”. El deseo como algo que llega tarde, o que se reconoce tarde. No desaparece, se guarda.

Pero lo que se guarda también empuja. Y cuando sale, no siempre tiene forma digna. “La parte que más me costó habitar en Paloma, fue estarle rogando a un hombre, creándote unas fantasías en la cabeza, que son eso, fantasías. Yo soy mucho más práctica y objetiva. Entonces el estar persiguiendo un hombre… Paloma en eso es súper insistente, entonces pues sí, me costó mucho trabajo y tratar de hacerlo lo más real posible”. Hay algo incómodo en esa insistencia. Algo que cualquiera reconoce, aunque no lo diga en voz alta.

El fondo es más amplio que la anécdota. Tiene que ver con el deseo y con la forma en que se administra socialmente. “Yo creo que las mujeres no dejan de tener deseo al igual que los hombres… el desear a alguien más, yo creo que es intrínseco del ser humano, hombre y mujeres, no nada más las mujeres. Y de repente, sobre todo en la vida familiar latina, como que la mujer cuando es madre, se le deberían de acabar todas las necesidades y gustos y demás, y creo que no debería ser”. La frase abre una conversación que la pantalla ha bordeado durante años, a veces con timidez, a veces de frente.

La polémica aparece, inevitable. Pero no es un fin. “La polémica del planteamiento es inevitable y claro que me interesaba… falta explorar esos temas, pues claro que va a crear curiosidad entre el público, pero que sea de la manera más real del personaje. Cuentas una historia que se parezca lo más a la realidad… entonces es una combinación de las dos”. Interesa el ruido que abre la puerta, no el que se queda a vivir ahí.

Paloma se mueve entre urgencia y carencia. No como categorías separadas, más bien como un circuito. “Me acerco a ella desde las dos, la urgencia y la carencia. Tiene urgencia porque tiene carencia… sentir que ya le queda poco tiempo, que es su última oportunidad de conseguir un amor… y la carencia es porque si ella hubiera tenido un buen amor, no tendría la necesidad de estar buscando esa experiencia”. La última oportunidad no es un dato objetivo, es una sensación. Y las sensaciones mandan.

La incomodidad que genera la historia tiene un origen claro. “Sí, yo creo que incomoda mucho el tema de poner una mamá en búsqueda del amor y compitiendo con la hija… rompe con las expectativas arraigadas de la madre latina abnegada, ella no tiene deseos de nada, más que de cuidar a sus hijos y a sus nietos”. La imagen es conocida. También el gesto de quien la mira y se incomoda. “Lo que te choca checa”, añade, casi como una clave lateral.

Lo que le interesa abrir no es una polémica efímera, sino una conversación más amplia. “Me encantaría que la gente fuera consciente que no nada más las mujeres somos esposas y madres, sino que también somos mujeres, con aspiraciones, deseos, profesionistas, como cualquier hombre… que a una mujer se le antoje volver a tener un amor… les parece como inconcebible y creo que estaría bueno plantearlo”. La palabra “permitir” aparece entre líneas. Permitirse, permitirles.

En la industria percibe un movimiento. No una revolución, pero sí un desplazamiento sostenido. “Yo sí creo que ha cambiado… ahora le han dado más importancia a los papeles de mujeres mayores… el público no nada más quiere ver a jovencitos viviendo el amor… también quieren ver gente de su edad”. La pantalla empieza a parecerse más a quien la mira.

Su interés como actriz no pasa por provocar de forma gratuita. Tampoco por acompañar sin fricción. “Contar historias que ayuden a generar conversaciones o a generar empatía o a simplemente distracción y divertirte… provocar así sin sentido y nada más escandalizar no es mi estilo”. La comedia aparece como una posibilidad cercana, una manera de abrir sin imponer.

El miedo sigue ahí. No desaparece con la experiencia. “Me sigue dando miedo como actriz el no estar a la altura y no crear verdad… siempre hay ese miedito, esa inseguridad de ¿lo estaré haciendo bien?, ¿lo puedo hacer mejor?”. La duda no paraliza, afina.

Y luego lo que se suelta. Lo que ya no sirve. “Hay que desaprender a veces las inseguridades… hay que desaprender también al ego, el ego nos mata… tratar de desaprender los mecanismos de defensa que creamos por miedo y vanidad”. El trabajo no es solo hacia afuera. También es limpieza interna.

Sobre la televisión, la mirada es doble. “Se ha ganado un medio de comunicación espectacular que llega gratis a todos lados… pero también se ha perdido un poco la privacidad, la ética a la hora de generar contenidos”. Más alcance, más responsabilidad. La ecuación no es nueva, pero ahora es más visible.

Lo que viene no es una pausa. “Empiezo otro proyecto a finales de este año y me gustaría hacer algo de teatro… y me gustaría también hacer series y comedia. Me muero de ganas de hacer comedia”. El deseo, otra vez. Moviendo.

Paloma se queda flotando. No como ejemplo, tampoco como advertencia. Más bien como pregunta abierta. Qué pasa cuando una mujer decide no reducirse a un solo papel. Qué se rompe. Qué se revela.

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Los cambios e inicios

Hay algo en Fátima Molina que no busca fijarse. Una especie de desplazamiento constante, como si cada respuesta fuera apenas un punto de paso y no un destino. Habla de sí misma sin la urgencia de definirse por completo. Tal vez porque sabe que esa construcción nunca termina.

Recuerda el inicio en el teatro como una grieta luminosa. Un momento donde empezó a desprenderse. “Creo que un momento clave para mí fue en mis inicios de actuación, haciendo teatro. Recuerdo cómo empecé a despojarme de todo lo que no era verdaderamente yo”. No lo plantea como una revelación abrupta, más bien como un proceso que sigue en curso, como si todavía hubiera capas por quitar.

La idea de identidad, en su voz, no es una línea recta. Es una acumulación de experiencias que se reordenan con el tiempo. “Pienso que uno siempre es el resultado de lo que le ha tocado vivir y muchas veces podemos decidir qué hacer con eso y cómo dirigirnos en el camino”. Hay una conciencia clara de las circunstancias, pero también una insistencia en la elección. Una tensión que no se resuelve, que permanece. Aun así, se nombra desde la gratitud. “Me siento una mujer muy afortunada de poder hacer muchas elecciones valiosas e importantes en mi vida”.

En una industria que durante años ha sostenido moldes precisos, Fátima no habla de ruptura como gesto heroico. Lo suyo parece más íntimo, más cotidiano. “Intento recordarme todo el tiempo que amo ser actriz. Mi satisfacción verdadera está ahí.” No hay declaración frontal contra el sistema, sino una especie de fidelidad interna. Un regreso constante a lo que le importa. “Me gusta saberme diferente. Lo demás es cuestión de perspectivas. Como la vida misma”.

Sentirme libre y plena

Creció, dice, sin demasiadas referencias donde mirarse. Apenas algunas. Pocas, pero suficientes para entender el peso de la representación. “Me gusta saber que hoy también puedo ser la referencia para alguien”. Lo dice sin grandilocuencia, como quien reconoce una responsabilidad que no eligió del todo, pero que abraza. Y entonces enumera lo que implica. Construir identidad, generar pertenencia, romper estereotipos. No como teoría, sino como experiencia vivida.

Cuando habla de la imagen, no hay ornamento. “Sentirme bien. Estar sana. Saberme libre. Y saber que tengo libertad para elegir”. Ahí aparece de nuevo la palabra que atraviesa todo. Elección. Como si verse bien fuera menos un reflejo y más una consecuencia.

Pero el camino no es limpio. Está el rechazo, repetido, casi estructural. El casting como un espacio donde la incertidumbre se vuelve rutina. “Por más que sepamos que es normal, es inevitable sentir”. No romantiza la herida. La reconoce. Y luego, sin dramatizar. “Hay que soltar y continuar”. Como una práctica. Como disciplina emocional.

Ha transitado por cine, series, televisión. Distintos ritmos, distintos lenguajes. Y sin embargo, no establece jerarquías. “Me siento una actriz privilegiada de poderte decir que en cada uno de esos universos he podido sentir muchas satisfacciones”. Lo que aparece no es el formato, sino la experiencia. El cuerpo en escena, respondiendo a lo que ocurre.

Esa búsqueda de verdad, palabra peligrosa en un medio que a veces se queda en la superficie, no se plantea como una conquista, sino como un ejercicio constante. “Hay que hacer trabajo recurrente. Recordarme por qué inicié en esto. Como lo soñaba desde que era una niña”. La raíz funciona como ancla y también como impulso. Desde ahí, dice, puede explorar la infinidad de posibilidades que ofrece la actuación.

Hoy, los personajes que le interesan parecen moverse en los márgenes. Historias que no siempre han tenido espacio. “Tal vez personajes muy poco representados o invisibilizados en nuestro mundo. También personajes que tengan choque de realidad y fantasía.” Antes la urgencia era otra. Actuar, sin importar qué. Ahora hay una curaduría más consciente. Una escucha distinta.

Cuando se le pregunta por la fuerza, no responde con una imagen única. La descompone. La multiplica. “Una mujer fuerte puede ser una mujer resiliente, o una mujer que vive y sobrevive a este mundo donde sigue existiendo la brecha de géneros. Una mujer fuerte puede ser una mujer que saque adelante a su familia. Una mujer fuerte puede ser una mujer que se sabe libre y tiene poder de elección”. La fuerza no es una pose. Es una suma de posibilidades, muchas veces invisibles.

La esperanza…

En sus decisiones también aparece una inclinación por las historias que buscan justicia, incluso cuando esa justicia no es del todo clara. “Porque definitivamente quiero creer en ellas.” Hay una voluntad de sostener la esperanza, de usar la ficción como un espacio donde lo posible todavía se ensaya.

Personajes como Antonia Lazo dejan rastros. Energías que no se quedan del todo en el set. “Yo espero ser valiente igual de rápido que ella”. Lo dice con una ligereza que no cancela el deseo.

Y luego está Julia Pastrana. El cuerpo intervenido, el calor, las horas bajo prostéticos. Una transformación que rebasa lo físico. “La verdad es que por Julia ha valido toda la pena”. La frase se sostiene en algo más profundo. La necesidad de devolverle humanidad a una figura históricamente reducida. “Ella merece que se le reconozca como una persona y como una de las primeras artistas mexicanas internacionales”.

Si mira hacia atrás, hacia sus personajes recientes, no encuentra una narrativa única sobre sí misma. Más bien lo contrario. “Creo que mis últimos personajes no tienen mucho que ver con mi historia personal.” Lo que hay es exploración. Un territorio que se expande mientras se habita. “Muchas veces uno se siente sorprendido por llegar a lugares que tal vez no imaginó, pero la magia de estar en un set, con tus compañeros en escena, tu vestuario, maquillaje, director y todo un equipo te pueden detonar escenarios maravillosos”.

Fátima Molina no parece interesada en fijar una versión definitiva de sí misma. Prefiere moverse. Probar. Equivocarse. Volver. En ese tránsito, algo se va decantando. Una manera de estar en el mundo que no necesita certezas absolutas. Solo la intuición suficiente para seguir eligiendo.

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Fotografía: Eddy Espinoza
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje y peinado: Geraldine Hercos
RP: Punto Entertainment
Coordinación editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo Garcia

Sin poses

A Alex de la Madrid ya no le interesa caer bien. O, al menos, no como antes. Hay algo en su manera de hablar de los personajes —una pausa breve, como si eligiera no suavizar nada— que deja ver hacia dónde se ha movido su trabajo en los últimos años. Más adentro. Más incómodo. Menos complaciente.

El punto de quiebre no llegó como un gesto dramático, sino como una claridad casi incómoda: “Cuando entendí que lo ‘agradable’ a veces se queda en la superficie. Lo obscuro te obliga a rascar más hondo, a incomodarte, y ahí es donde realmente pasan cosas, donde te cuestionas tú también”. Desde ahí, el mapa cambia. Ya no se trata de personajes que funcionen, sino de personajes que duelan un poco al habitarlos.

En los márgenes —ahí donde los personajes se contradicen, donde no terminan de resolverse— encuentra algo más cercano a lo humano. “Contradicción. Humanidad real. Los personajes ‘correctos’ suelen estar más resueltos; los incómodos están rotos, y eso es mucho más interesante de habitar, de abrir otras conversaciones”. No hay interés en pulirlos, en hacerlos digeribles. Al contrario: que incomoden, que descoloquen, que no se dejen consumir rápido.

Provocar, entonces, se vuelve una especie de brújula. “Me interesa provocar. Si todos te quieren, probablemente no estás arriesgando mucho… darle versatilidad al público y no aburrirse de repetir los mismos estándares de personajes”. En esa tensión —entre lo que se espera y lo que se rompe— aparece su terreno de juego.

Cuando el personaje además carga con peso histórico, la aproximación se vuelve todavía más delicada. Al interpretar a una figura como Luis Echeverría, la tentación del juicio está ahí, inmediata. Pero De la Madrid toma otra ruta, más compleja, menos cómoda: “Desde entender al hombre antes que al personaje histórico. No justificarlo, pero sí tratar de ver cómo pensaba, qué lo movía. Entender el contexto de la manera de pensar del momento político”. Primero comprender. Después, si hace falta, tomar distancia.

Ese gesto —postergar el juicio— atraviesa todo su proceso. Porque juzgar, dice, bloquea. “Si no lo entiendes, lo juzgas, y desde el juicio no se puede construir nada verdadero”. Hay algo casi físico en esa búsqueda: el cuerpo entra antes que la cabeza, o al menos no se queda atrás. “Después del proceso de entrenamiento dejas de pensar en ello. Cuando el cuerpo ya no ejecuta, actúa. La técnica de la mano del instinto”. Como si el personaje terminara filtrándose por los gestos mínimos, por la postura, por lo que no se piensa.

Mi reflejo

Y ahí, en lo físico, aparece otra clave: la incomodidad. No como recurso, sino como condición. “Mucho. El cuerpo guarda cosas que la cabeza no alcanza. Si el cuerpo no está incómodo, muchas veces el personaje tampoco”. La idea es sencilla, pero no ligera: hay verdades que solo aparecen cuando algo deja de estar en su lugar.

Habitar villanos —o figuras moralmente cuestionables— no es, entonces, una exploración hacia afuera. Es un espejo torcido. “Sí, y es fuerte. Porque te das cuenta de que ciertas lógicas no están tan lejos de todos”. La distancia se acorta más de lo que uno quisiera. Y en ese reconocimiento hay algo incómodo, incluso para él: “Que no soy tan distinto como me gustaría pensar. Todos tenemos zonas que no nos encanta ver”.

No todo vale. Hay líneas. No muchas, pero claras. “Sí. Hay cosas que tienen que ver con mi integridad y mi paz. El trabajo no puede estar por encima de eso”. Lo dice sin dramatismo, como quien ya lo pensó antes.

En una industria que suele encasillar con facilidad, el movimiento tampoco es casual. No basta con esperar a que cambien las oportunidades. “Un poco de las dos. Pero si tú no empujas ese cambio, la industria no lo hace por ti… tienes que tener más herramientas, más entrenamiento y mucha disposición de salir de tu zona segura”. Empujar, entonces. Aunque incomode. Las etiquetas, si aparecen, primero se rompen. Luego —solo si sirven— se usan. “Primero romperlas. Luego, si sirven, jugar con ellas”. No hay apego ahí, solo estrategia.

Cuando mira hacia atrás, no encuentra una llegada. Apenas un rastro. “Veo evolución, pero sobre todo una búsqueda que nunca termina”. Y quizá ahí está todo: en esa insistencia de no cerrar del todo, de no resolver demasiado pronto.

Alzar la voz

En personajes como Hernando Cruz, donde el poder se ejerce desde una calma que inquieta más que cualquier estallido, esa búsqueda se vuelve visible. No es la ambición lo que lo define, sino la narrativa que construye para sostenerla: “Su forma de justificarse. La ambición es evidente, pero lo que lo hace peligroso es cómo se explica a sí mismo lo que hace”. La violencia, entonces, no siempre grita. A veces habla bajo.

Un gesto mínimo termina por delinearlo todo. “La calma. No es un hombre que explota fácil. Esa tranquilidad fría es lo que más lo define”. Y, sin embargo, hay fisuras: “Pierde cuando se pone impulsivo”. Como si el control —esa necesidad de que nada se salga de lugar— fuera también su punto más frágil.

Porque al final, en medio de historias donde todos persiguen algo, la motivación se vuelve casi elemental. “Control. Sentir que nada se le sale de las manos. Y cuando alguien vive desde ahí, siempre termina perdiendo algo más importante”.

Y ahí, otra vez, la incomodidad. No como destino. Como método. Como una forma de mirar —y de mirarse— sin suavizar demasiado.

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Fotografía: Alex Córdova
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje y peinado: Geraldine Hercos
Coordinador editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo García

La mente como aliada

Hay historias que no comienzan en el gimnasio ni en la victoria. A veces empiezan en la quietud obligada. En el caso de Omar Zamitiz, el punto de quiebre llegó hace más de dos décadas, cuando un accidente lo dejó inmóvil durante un año. Aquella pausa forzada terminó por redefinirlo todo: su relación con el cuerpo, con la disciplina y con la forma de entender la salud.

“Cuando sufrí un accidente hace más de 20 años, el cual me dejó un año en cama, descifré la forma correcta de salir adelante paso a paso”, recuerda. Durante ese tiempo, su realidad estaba marcada por las limitaciones físicas y por la necesidad de reconstruir cada movimiento. Pero también apareció algo más profundo: la conciencia de que la mente debía convertirse en aliada para salir adelante.

En ese proceso encontró una herramienta que hoy sigue siendo central en su vida. “Mantener mi cerebro alimentándose de información que ayude a salir de cualquier bache, a mantenerte fuerte, sólido y disciplinado”, explica. Para Zamitiz, la resiliencia se entrena. Y ese entrenamiento comienza cada mañana. “Mantener alimentando la mente con información que realmente aporte beneficios para motivarte, para ser disciplinado, para tener constancia, para amarte más, es la parte más importante de mi trabajo y de lo que yo soy actualmente”.

Con el tiempo, esa filosofía se convirtió en un sistema de vida. La salud dejó de ser una meta aislada y pasó a convertirse en una práctica cotidiana, una forma de atención constante hacia el cuerpo y la mente.

“Darte cuenta del valor que representa estar saludable desde los dedos de los pies hasta el pelo de la cabeza es algo que mantengo día a día”, dice. Ese enfoque se traduce en decisiones simples, repetidas con disciplina: dormir bien, cuidar la alimentación, moverse, leer, meditar. Para él, mantener el equilibrio físico también implica ordenar el ruido mental que muchas veces acompaña la vida diaria.

Movimiento esencial

“Tu mente genera situaciones que ni siquiera existen en tu día a día y te estresas por ellas”, afirma.

Por eso insiste en una tarea que considera esencial: reducir el estrés que nace de pensamientos innecesarios. “Bajar los niveles de cortisol es una tarea diaria”.
Esa búsqueda de funcionalidad real del cuerpo dio origen a su sistema de entrenamiento, Animal Move, una metodología que retoma movimientos naturales que el cuerpo humano conoce desde sus primeras etapas de vida.

“Está compuesto de gimnasia natural y biogimnástica animal”, explica. La idea parte de una observación sencilla: los movimientos más esenciales —rodar, gatear, impulsarse, equilibrarse— forman parte de la motricidad con la que todos nacemos, pero se van perdiendo con el tiempo. “Son movimientos que cualquier ser humano realiza desde muy pequeño, desde bebé, pero se pierden por la vida cotidiana”.

El sistema busca recuperar esa conexión entre mente y cuerpo mediante ejercicios que trabajan fuerza, coordinación, flexibilidad y resistencia de forma integral. No se trata de estética ni de rendimiento aislado, sino de funcionalidad. “Se basa en movimientos naturales llevados a una contracción continua, haciendo que el ser humano funcione mejor: que sea ágil, que tenga equilibrio, fuerza, resistencia y flexibilidad”.

En paralelo, su vida personal también se ha entrelazado con ese camino. Durante años ha trabajado de cerca con su pareja, la actriz y conductora Daniela Fainus, con quien comparte tanto proyectos profesionales como una filosofía de bienestar.

Cuando la entrena, explica, debe separar dos papeles distintos. “Viene mi parte profesional del lado sentimental”, dice. Durante la sesión se enfoca en su rol como coach, atento a lo que ella necesita para alcanzar sus objetivos. “Entro en una etapa de corrección y motivación, enfocado en cuáles son los requerimientos de mi pareja”.

Después del entrenamiento, la dinámica cambia. “Terminando nuestra sesión vuelvo a ser ese esposo que la ama, que está con ella, que le apoya al cien por ciento, que le cocina y que le hace masajes”.

Su relación, cuenta, comenzó incluso antes de formalizarse como pareja. Durante un tiempo fue su preparador físico, y esa cercanía permitió construir una filosofía compartida que hoy también se refleja en los proyectos que desarrollan juntos.

“Empezamos a tener mucha conexión desde el inicio para ir construyendo herramientas que actualmente le funcionan a muchas personas”, señala. Con el tiempo, esa visión se expandió a plataformas digitales y programas de entrenamiento diseñados para quienes buscan mejorar su salud desde casa.

Para Zamitiz, el objetivo nunca ha sido únicamente formar atletas. La meta es más amplia: ofrecer herramientas que ayuden a las personas a sentirse mejor en su propia vida. “La gente puede acercarse a nosotros a través del ejercicio y de nuestra vida saludable”, explica.

Y aunque los proyectos siguen creciendo, la base permanece intacta: disciplina, constancia y atención diaria. Porque, como él mismo resume, el verdadero entrenamiento ocurre todos los días, desde el momento en que comienza la jornada.

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Fotografía: Alex Córdova
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje y peinado: Geraldine Hercos
Coordinador editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo García

Disciplina compartida

La relación de Daniela Fainus con el fitness comenzó frente a las cámaras, pero con el tiempo encontró su centro en un espacio mucho más tangible: el gimnasio. Hoy su vida gira alrededor de su éxito en redes sociales y de su tiempo en Animal Move, el estudio fundado por su esposo, el entrenador Omar Zamitiz, donde el entrenamiento dejó de ser solo una actividad para convertirse en una forma de vida.

Cuando Daniela llegó al proyecto, el gimnasio ya estaba en marcha. Su participación fue distinta: aportar una mirada nueva dentro de un espacio que ya tenía identidad propia. “El gimnasio ya existía, yo llegué cuando ya estaba funcionando. Él empezó a entrenarme, se convirtió en mi coach y con el tiempo también en mi pareja”, cuenta. Mientras Omar se enfoca en la preparación física y el trabajo con atletas de alto rendimiento, Daniela encontró su lugar dentro del proyecto. “Yo llegué a ponerle ese toque femenino a Animal Move, pero él siempre ha sido un gran líder”.

Más que diseñar rutinas, lo que realmente la mueve es la conexión con las personas que siguen su trabajo. La motivación aparece en mensajes, en historias compartidas y en pequeños cambios que se vuelven visibles con el tiempo. “Me apasiona motivar a la gente. Cuando alguien me escribe y me dice que se levantó para ir al gimnasio después de ver un video mío, eso ya vale muchísimo”, explica. Algo similar ocurre dentro de la aplicación que comparte con Omar, donde los usuarios documentan sus avances. “Vemos sus resultados y los vemos motivados. No solo cambian físicamente: sonríen más, se sienten mejor. Eso a mí me llena el corazón”.

Esa relación con su audiencia —que suma millones de seguidores— se sostiene sobre un principio sencillo: la honestidad. “Siempre he sido súper honesta, orgánica y transparente con mis seguidores. Les cuento todo: lo que hago, lo que uso, lo que me funciona y lo que no”. Con el paso de los años, esa transparencia se transformó en confianza. “Hay muchas chicas que confían en mí”.

Aunque desde fuera pueda parecer que quienes viven del fitness se levantan todos los días con entusiasmo inagotable, Daniela insiste en que la realidad es distinta. Para ella, la clave no está en la motivación constante, sino en el compromiso. “La gente piensa que siempre tenemos ganas de entrenar, pero no es así. Hay días en que no quieres hacerlo. La diferencia es que tienes el compromiso de hacerlo de todos modos”. La recompensa llega al final del entrenamiento.

“Nunca me he arrepentido de ir al gimnasio. Siempre termino con una satisfacción enorme conmigo misma”.

Propósito en movimiento

Ese mismo enfoque se extiende a su estilo de vida. En lugar de reglas estrictas o dietas rígidas, Daniela apuesta por el equilibrio. “No tenemos reglas sagradas. Simplemente estamos acostumbrados a comer saludable la mayor parte del tiempo”. Para ella, la alimentación influye mucho más allá de la apariencia. “La comida se refleja en tu energía, en tu mente, en tu bienestar”.

Cuando alguien se inicia en el ejercicio y se frustra rápido, su recomendación es empezar por el entorno. “Lo primero es encontrar un lugar donde realmente te guste entrenar”. La atmósfera puede marcar la diferencia. “Cuando llegué a Animal Move me gustó todo: la música, la comunidad, la vibra de la gente. Eso hacía que quisiera regresar todos los días”. El resto depende de algo menos inmediato: paciencia y constancia.

Con los años, también ha cambiado la forma en que observa su propio cuerpo. Más que una relación conflictiva, describe un proceso de conocimiento. “Siempre me he hablado bonito y he tenido una relación positiva con mi cuerpo”. Ese vínculo se ha vuelto más consciente con el tiempo. “Aprendí a conocerlo cada vez más, a entender qué necesita y cómo funciona”.

Detrás de todo está una idea que para Daniela pesa más que la estética o la popularidad en redes: la funcionalidad. “Mi motivación nunca ha sido tener más seguidores”. Su objetivo es otro, más simple y a la vez más profundo. “Quiero llegar a una edad mayor y poder abrocharme las agujetas sola, salir a caminar, viajar, moverme sin depender de nadie”. Para ella, ese es el verdadero resultado del entrenamiento: “Tener una vida impecable el mayor tiempo posible”.

En ese camino, Omar Zamitiz ha sido una figura clave. Daniela lo describe como un entrenador exigente y creativo dentro del gimnasio, pero también como alguien que escucha y acompaña. “La gente se le acerca todos los días a pedirle consejo. Es un gran coach, pero también un coach de vida”.

Esa dinámica también ha influido en su propia disciplina. “Él encontró la manera de que el ejercicio me apasionara”. Más que imponer una rutina, transformó la manera en que Daniela mira el entrenamiento. “Logró que yo lo viera como amor por mí misma”.

Y ahí, entre disciplina, comunidad y movimiento, se sostiene el proyecto que ambos comparten: una forma de vida en la que el gimnasio deja de ser un lugar para entrenar y se convierte en un punto de encuentro para construir hábitos que, con el tiempo, cambian mucho más que el cuerpo.

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Fotografía: Joch Lucio
Maquillaje y Peinado: Naim Vázquez
Stylist: Manuel Delgado
Coordinador Editorial: Aaron Zavaleta
Diseño Editorial y producción: Juan Pablo García

La fuerza de la contención

Marcelo Córdoba habla con la serenidad de alguien que ha aprendido a no apresurar los procesos. Dice que durante años creyó que actuar era mostrar intensidad, ocupar espacio, hacerse notar. Con el tiempo entendió que lo más poderoso suele ocurrir cuando se contiene.

Recuerda sus primeros proyectos como una etapa de descubrimiento acelerado. Quería probarlo todo, moverse rápido, demostrar que podía con cualquier reto. Hoy, en cambio, prefiere detenerse. Leer los guiones varias veces. Dejar que las escenas reposen. “A veces el personaje necesita silencio para aparecer”, explica.

Para Marcelo, la construcción empieza siempre por la escucha. Escuchar a sus compañeros, al director, al ambiente. Incluso escuchar lo que no se dice en una escena. Le interesa esa tensión invisible que se genera entre dos personajes cuando callan. Ahí encuentra capas que no están escritas, pero que pueden sentirse.

Habla del cuerpo como una herramienta que se afina con los años. Ya no fuerza gestos ni exagera movimientos. Confía en la economía: un cambio mínimo en la postura puede contar más que un monólogo. “Menos es más” dejó de ser una frase y se volvió práctica cotidiana.

Cuenta que el set es un espacio de concentración casi meditativa. Llega temprano, camina el lugar, toca los objetos del escenario. Necesita familiarizarse con el entorno para que, al grabar, nada le resulte ajeno. Esa relación física con el espacio le permite moverse con naturalidad cuando las cámaras están encendidas.

Maestría del tiempo

Marcelo disfruta especialmente los proyectos que le exigen paciencia emocional. Esos donde la transformación del personaje ocurre de forma lenta, casi imperceptible. Cree que el público percibe cuando algo ha sido construido con tiempo y cuidado.

Habla también del cansancio, de las jornadas largas, de la exigencia física que a veces implica el oficio. Pero nunca lo menciona como queja, sino como parte del proceso. “El cuerpo también aprende a resistir”, comenta.

Para él, actuar es una forma de empatía radical. Ponerse en la piel de alguien más obliga a entender motivaciones que, en la vida real, quizá juzgaría con rapidez. Ese ejercicio constante de comprensión lo ha vuelto, dice, más paciente fuera del set.

Al final, Marcelo define su trayectoria como una suma de aprendizajes discretos. Cada proyecto le ha dejado una lección distinta sobre el tiempo, la contención y la importancia de escuchar antes de actuar. Porque, para él, el verdadero trabajo no está en hacerse ver, sino en lograr que el personaje respire con naturalidad frente a los demás.

Esa relación con el tiempo también se extiende fuera del set. Marcelo entrena todos los días desde hace décadas. “Al principio”, admite, “había algo de disciplina impuesta; con los años se volvió simplemente parte del día”. No lo entiende como una exigencia estética sino como una forma de mantenerse disponible: el cuerpo preparado para responder sin interferencias. Dice que la constancia termina eliminando el esfuerzo visible; lo que antes requería voluntad después ocurre solo.

Oficio del presente

Esa lógica aparece también en su forma de trabajar. Evita los excesos, no por sacrificio sino por economía. Prefiere hábitos sostenidos a impulsos intensos. La preparación no consiste en tensarse, sino en llegar afinado. Cuando eso sucede, el trabajo fluye sin fricción.

En los romances que interpreta no busca una emoción distinta según la edad del personaje. Prefiere pensar que el vínculo siempre se aborda desde el mismo lugar: entender qué necesita el otro y qué obtiene a cambio. En algunos proyectos el amor se vuelve negociación, una dinámica menos idealizada donde el afecto y el interés conviven. Ahí encuentra matices que le resultan más cercanos a la experiencia real.

Nunca se consideró especialmente atractivo. Dice que esa percepción apareció tarde, cuando ya llevaba años trabajando. Para entonces la prioridad estaba puesta en otra parte: que la atención se dirigiera a la interpretación y no al aspecto. “Mantenerse en forma”, explica, “responde más a una herramienta de trabajo que a una imagen. La disciplina física sostiene la concentración, no la sustituye”.

A pesar de la experiencia, cada guión conserva un grado de incertidumbre. No habla de nerviosismo, sino de expectativa: descubrir qué lo diferencia del anterior. Incluso dentro de tipos de personaje similares busca pequeños desplazamientos. Una variación de intención, un cambio de ritmo. Dice que la rutina existe en los horarios, nunca en los personajes.

Suele pasar mucho tiempo solo. No lo vincula al oficio sino al carácter. Ese espacio le permite ordenar ideas, pero procura equilibrarlo con encuentros y conversaciones. Cree que el trabajo se sostiene mejor cuando no ocupa todo el territorio personal.

Con los años también cambió su manera de entender los vínculos. Ya no le interesan tanto las impresiones inmediatas como la afinidad prolongada: la conversación, el humor compartido, la calma. La atracción aparece después, no antes. Prefiere relaciones donde el interés se construye gradualmente.

Acepta el rechazo como parte estructural de la profesión. Dice que la carrera del actor se compone mayoritariamente de negativas y que aprender a convivir con ellas es condición básica para permanecer. Los proyectos que sí ocurren adquieren valor precisamente por esa proporción.

No piensa en legado. Le basta con que el trabajo funcione en su momento y deje una impresión honesta. Considera la televisión un oficio ligado al presente más que a la permanencia. Si algo queda, prefiere que sea la sensación de naturalidad.

Equilibrio en escena

Fuera del trabajo, el cine y el teatro ocupan su atención con la misma constancia que el entrenamiento. Le interesa observar cómo otros resuelven problemas similares desde lenguajes distintos. También reserva tiempo para encuentros con amigos de años; dice que esas conversaciones son las que devuelven perspectiva después de jornadas intensas.

“Hay momentos”, reconoce, “en que la exigencia acumula tensión”. Entonces recurre a ese círculo cercano. No como escape, sino como reajuste. La concentración prolongada necesita pausas para mantenerse precisa.

Sobre Julieta habla en términos de contraste. Dice que su libertad le resulta ajena y, por eso mismo, estimulante. Mientras él tiende al control, en ella observa una espontaneidad que desplaza la energía de la escena hacia lugares inesperados. “Esa diferencia”, comenta, “genera equilibrio: uno contiene, el otro expande”.

En lo inmediato prepara un nuevo proyecto en formato breve, un trabajo distinto al ritmo habitual de producción. Lo asume con la misma lógica que ha sostenido durante años: escuchar primero, intervenir después y dejar que el personaje aparezca sin forzarlo.

Para Marcelo, actuar sigue siendo eso: reducir lo innecesario hasta que algo verdadero queda visible.

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Fotografía: Joch Lucio
Maquillaje y Peinado: Naim Vázquez
Stylist: Manuel Delgado
Coordinador Editorial: Aaron Zavaleta
Diseño Editorial y producción: Juan Pablo García

Arquitectura del gesto

Julieta Grajales dice que actuar no comienza cuando alguien dice “acción”, sino horas antes, cuando todavía es una mujer sola caminando por la ciudad. Observa manos, posturas, maneras de sentarse en el transporte público. Escucha conversaciones ajenas sin intención de invadir, solo para entender ritmos. En esos trayectos, asegura, es donde realmente empieza a construir.

No piensa en personajes como moldes que se rellenan, sino como presencias que se van insinuando. Primero, cambian su forma de pararse. Luego, la respiración. Después, sin darse cuenta, la voz encuentra otra cadencia. “Cuando me descubro caminando distinto, sé que ya voy tarde”, bromea. Pero en esa frase hay método: dejar que el cuerpo entienda antes que la cabeza.

Habla poco de técnica y mucho de intuición, pero su rutina revela una disciplina rigurosa. Lee en voz alta cada noche, no importa qué. Repite textos para sentir cómo vibran en la boca. Cocina sin música para escuchar el sonido de los utensilios, como si todo fuera entrenamiento sensorial. Necesita vaciar el ruido para poder llenarse de matices.

Huellas invisibles

Julieta reconoce que el set es un lugar extraño: una mezcla de precisión y caos. Hay marcas en el piso, tiempos medidos, luces que dictan dónde colocarse. Y, al mismo tiempo, emociones que no se pueden programar. “La magia pasa cuando alguien se equivoca y nadie corta”, dice. Ese instante donde la escena se vuelve inesperada es el que más atesora.

Sobre la fama, no se detiene demasiado. La asume como una consecuencia lateral del oficio. Le interesa más la energía compartida con el equipo técnico, los silencios cómplices antes de grabar, la mirada del director cuando algo funciona sin necesidad de palabras. “Ahí sabes que estás en el lugar correcto”, comenta.

Cuenta que hay personajes que la acompañan durante semanas después de terminar un proyecto. No en forma de recuerdo, sino como una especie de eco emocional. Por eso necesita rituales para volver a sí misma: caminar sola, ordenar su casa, hablar poco. Recuperar su propio ritmo es tan importante como encontrar el del personaje.

Le atraen las historias que incomodan, las que dejan preguntas abiertas. Cree que el espectador merece espacio para completar lo que no se dice. “Si alguien se queda pensando después, ya pasó algo”, asegura. Ese eco posterior le parece más valioso que cualquier reacción inmediata.

Julieta habla del error con naturalidad. Dice que equivocarse frente a la cámara le ha enseñado más que cualquier escena perfecta. Porque ahí se revela algo auténtico, algo que no estaba planeado. Y en esa grieta aparece la verdad.

Al final, define su carrera no por los papeles que ha interpretado, sino por lo que cada uno le ha dejado en el cuerpo. Pequeñas huellas invisibles que la vuelven más porosa, más atenta, más humana. Actuar, concluye, no es escapar de la realidad, sino aprender a mirarla desde ángulos que antes no existían.

Después de ese aprendizaje corporal, su curiosidad empezó a desplazarse hacia otro territorio: la imagen fija. No como una pausa de la actuación, sino como una extensión. Pintar apareció primero como necesidad privada, una forma de ordenar emociones que no alcanzaban a decirse en escena. En sus autorretratos no busca reproducir rasgos sino registrar estados; figuras que cambian ligeramente de una pieza a otra, como si la identidad fuera un proceso más que una forma estable.

Geografía del ser

En París entendió que mostrar pintura implicaba una exposición distinta. Frente a la cámara siempre hay un margen de mediación —el encuadre, la edición, la distancia—, pero en una sala el espectador comparte el mismo aire que la obra. No hay protección narrativa. La pieza ocurre al mismo tiempo que la mirada. Dice que ahí descubrió otra clase de vértigo: no interpretar, sino permanecer.

No lo vivió como ruptura con la actuación. Más bien como un traslado del mismo método. El cuerpo primero, la explicación después. Si un personaje aparece en la postura, una pintura aparece en la materia. Capas que se corrigen, se cubren y vuelven a emerger. Nada completamente borrado, todo integrado en el resultado final.

Esa convivencia entre resistencia y sensibilidad también la reconoce en experiencias fuera del set. En condiciones extremas —hambre, cansancio, presión— el carácter se vuelve más nítido. Sobrevivir exige afirmarse; crear exige escucharse. Para ella no son fuerzas opuestas. La misma determinación que permite sostenerse en la incomodidad es la que luego permite mirar una emoción sin apartarse.

Por eso habla del amor propio como dos gestos distintos: insistir y mostrarse. En uno hay firmeza, en el otro honestidad. La fortaleza protege el espacio donde la delicadeza puede aparecer.

En sus performances busca algo similar. No seducir ni impresionar, sino atravesar un proceso frente a otros. Le interesa ese momento en que el espectador deja de consumir la imagen y empieza a sentirse implicado. No siempre es cómodo. Tampoco pretende que lo sea. La belleza, dice, no es decoración: es transformación.

Sobre la libertad habla sin grandilocuencia. La describe como una práctica cotidiana que a veces implica quedarse sola, sostener decisiones que no encajan en expectativas ajenas. No lo plantea como gesto rebelde, sino como coherencia. Permanecer en lugares donde no necesita reducirse.

Esa idea aparece también en sus personajes. Evita suavizarlos. Prefiere entender desde dónde aman o se defienden. Cuando la motivación se vuelve clara, el cliché desaparece. No se trata de justificar, sino de comprender. La compasión, en su caso, no es indulgencia sino precisión.

A veces las historias continúan después del proyecto. No como recuerdo concreto, sino como un eco en la manera de reaccionar o de mirar. Para volver a sí misma recurre a acciones simples: ordenar espacios, caminar, bajar el ruido. Recuperar un ritmo propio antes de empezar el siguiente.

Si tuviera que traducir su relación actual con el amor, no hablaría de un color único. Piensa en superficies tornasol: tonos que cambian según la luz, capas trabajadas que permanecen visibles. Nada intacto, todo aprendido. Para ella no hay contradicción en eso; la experiencia no arruina la emoción, la vuelve más consciente.

Tampoco romantiza la herida. La considera material. Algo que, al mirarse de frente, deja de ser ausencia para convertirse en forma. Crear no elimina la fractura, pero le da dirección. Transformar energía suspendida en gesto, voz o pigmento.

Cuando habla del cuerpo, evita decidir si es herramienta o resultado. Prefiere pensarlo como territorio. Lugar donde se registran la memoria, la disciplina y los límites. Cada proyecto lo modifica ligeramente, como si la biografía también fuera física.

Atención compartida

Al pensar en su trayectoria no menciona metas ni conquistas. Habla de apertura: espacios que aparecen cuando el trabajo mantiene una cierta honestidad. Y de miedo, también. No como obstáculo sino como señal de compromiso. Aquello que importa siempre incomoda un poco.

Cuando habla de Marcelo lo hace desde el ritmo más que desde la cercanía. Dice que su presencia ordena el espacio incluso antes de decir una línea. Mientras ella tiende a construir desde la intuición, en él reconoce una precisión tranquila. Trabajar juntos, explica, funciona porque las energías no compiten: una abre y la otra sostiene. En ese equilibrio la escena encuentra estabilidad sin volverse rígida.

Por eso vuelve al principio. A caminar, observar, escuchar. Antes de cualquier escena, antes de cualquier cuadro. La preparación no empieza frente al público, sino en la forma de habitar el mundo. Y actuar —o pintar— termina siendo lo mismo: prestar atención hasta que algo verdadero aparece.

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Talento: Yankel Stevan
Fotografía: David Suárez
Stylist: Ruth Buendía
Grooming: Ashley Aguirre
RP: Pepe Ayala

¿Qué fue lo primero que te enganchó de No me sigas y por qué dijiste “sí”?

La historia me agarró desde la primera lectura. Era oscura, intensa, pero también muy emocional. Sentí que podía hacer algo diferente, y eso me emocionó. No lo pensé demasiado.

¿Cómo describirías la dinámica con Ximena y Eduardo?

Muy natural. Desde el primer día hubo confianza. Son directores con los que puedes hablar, proponer, equivocarte. Se armó un ambiente muy chido en el set.

¿Qué te retó más de interpretar a Andrés?

Irme a lugares que normalmente no toco. Andrés tiene capas complicadas y tuve que enfrentar cosas mías para entenderlo. Eso siempre reta.

¿Qué te gustaría que el público descubra de ti con esta peli?

Que sigo creciendo, que me gusta arriesgarme y que disfruto mucho explorar personajes que no son “lo obvio”.

En 14 años de carrera, ¿qué ha sido lo que más te movió o te cambió?

Cuando dejé de pensar en “hacerlo perfecto” y empecé a disfrutarlo de verdad. Cambió todo cuando entendí que lo importante es la verdad del personaje, no verme bien.
Tu etapa en Cancún antes de llegar a CDMX…

Era un chamaco sin rumbo, la neta. Disfrutando, sí, pero sin pensar en el futuro. Llegar a la CDMX fue literalmente lanzarme al vacío… y salió bien.

Diferencias entre el Yankel modelo y el Yankel actor de hoy.
Antes estaba sobreviviendo. Hoy estoy construyendo. Antes era más inseguro; ahora entiendo mejor quién soy y qué quiero hacer.

¿Qué te dejó trabajar en series como Control Z que hoy usas en cine?

Ritmo, disciplina y una intuición más fuerte. En televisión decides rápido, y eso me ha ayudado muchísimo a confiar más en mí.

¿Has tenido que luchar contra etiquetas?

Sí, claro. Todos las tenemos. Pero creo que elijo proyectos que me permiten romperlas poco a poco.

¿Algún personaje que te haya cambiado?

Sí, varios. Cada uno te deja algo, pero este en especial me agarró en un momento de vida donde estaba más abierto emocionalmente.

¿Qué buscas en un guion?

Que me mueva algo. Si lo termino y sigo pensando en el personaje, sé que es por ahí.

Influencias que te han marcado. Me inspiran directores y actores que trabajan desde lo humano, desde lo real. Lo que no se siente actuado es lo que más me pega.
¿Intuición o técnica?
Las dos. La técnica te sostiene, pero la intuición te lleva a los lugares más interesantes.
¿Qué parte de tu personalidad te mantiene a flote en esta industria?

Soy necio. Cuando quiero algo, no suelto. Y también soy muy adaptable, eso ayuda un chingo.
¿Cómo eres fuera de cámara?

Muy normal. Tranquilo. Sensible. A veces impulsivo, pero cada vez más consciente de por qué hago las cosas.
¿Qué te mantiene centrado en procesos fuertes?

Hacer ejercicio, escribir un rato y desconectarme del celular. Si no me doy espacio, me saturo.
¿Qué personajes quieres explorar en los próximos años?

Los que tengan algo que decir. Personajes rotos, complejos, humanos.
Que dejé todo en cada proyecto. Que no me acomodé. Que siempre estuve buscando crecer.

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Talento: Julia Maqueo
Fotografía: Bruno Gómez De la Cueva
RP: Pepe Ayala

¿Qué te motivó a aceptar el papel de Sam en No me sigas, siendo esta tu primera incursión formal en el cine de terror?

Creo que lo que más me motivó a darle vida a Sam viene justamente de que el terror es un género con el que no había estado familiarizada, y me encantó la oportunidad de conocerlo.Yo jamás creí hacer un proyecto de miedo. Una vez que me quedé, tenía muchas preguntas. Pero ya estando en el set, todo fue muy inmersivo, 

Has mencionado que eres muy miedosa pero al mismo tiempo curiosa por el terror. ¿Cómo lidiaste con ese contraste durante el rodaje?

Pues aunque no soy escéptica, llegaba escéptica al set… pero al mismo tiempo me encantaba curiosearlo. Fue muy divertido.

Para preparar a Sam creaste una playlist especial. ¿Qué tipo de música incluía y cómo te ayudó en el proceso?

Fue una playlist bastante versátil, con varios géneros. Metía las canciones que, al escucharlas, me generaban algo siendo Sam. Me ayudó muchísimo, porque la ponía justo en el momento en el que me convertía en ella.

Parte del rodaje ocurrió en locaciones con una energía muy intensa. ¿Cómo influyó ese ambiente en tu interpretación?

Tuvimos un mes y medio de ensayos, llegamos al set con las cosas más claras, de qué decir y qué hacer. Obviamente es un poco más complejo, porque tienes que estar muy atenta a los movimientos. Pero el ensayo realmente nos hizo todo muy sencillo. Creo que todo influyó de una manera muy positiva. Los sets se convirtieron en un personaje, y siempre digo que, más que sentirme en un set, me sentía en una realidad alterna.

Durante la filmación hubo rituales de protección por la carga simbólica de los espacios. ¿Qué opinas del componente espiritual alrededor del proyecto?

Siento que toda la parte energética estuvo muy bien cuidada. Nos protegieron bastante bien, tanto antes como después de la filmación. Aunque en las locaciones, por la carga que ya tenían esos lugares, sí se sentía una energía diferente.

¿Qué reflexión te genera que No me sigas combine redes sociales, fama digital y elementos sobrenaturales?

Más que una reflexión, siento que juntamos tres temas que se integran bastante bien y que hablan de cuestiones importantes, especialmente para esta generación.

Has hablado de la “creación de un alter ego” para Sam. ¿En qué se parece a ti y en qué es completamente diferente?

Sam es muy parecida y al mismo tiempo completamente diferente a mí. Al final, vivimos en una generación que depende por completo de las redes sociales.

Antes de No me sigas participaste en programas como Como dice el dicho y La Rosa de Guadalupe. ¿Qué aprendizajes te dejaron esos proyectos?

Creo que esos y todos los proyectos en los que he participado siempre me han enseñado muchísimo, en muchas ramas de la actuación. Siempre les estaré muy agradecida.

Tras el estreno en el FICM comentaste que no habías asimilado lo vivido hasta llegar a casa. ¿Cómo fue ese momento emocionalmente?

Fue muy divertido y muy nostálgico. Me cayó el veinte estando con mis papás y simplemente me solté a llorar. Me sentí muy agradecida. llegué a mi casa y toqué tierra. Me dije: qué acaba de pasar, todo ha sido muy rápido, todo el proceso fue muy rápido. Fueron muchas emociones, todo me pegó de golpe.

¿Qué tipo de personajes y géneros te gustaría explorar después de haber pasado por el terror?

Me encantaría explorar un poco de todo, pero si tuviera que escoger uno, definitivamente sería acción.

¿Cómo equilibras tu presencia pública en redes sociales con tu vida personal y tu necesidad de privacidad?

Siento que todo es un balance. Intento mostrarme lo más real posible, al final del día todos somos seres humanos, pero claro, siempre siendo muy cuidadosa con lo que comparto.

Si pudieras volver a tus primeros castings, ¿qué consejo le darías a esa versión más joven de ti?

Que esté tranquila. Hay un montón de factores que influyen en quedarte en un proyecto. “Lo estás haciendo bien: sigue por este camino”.

¿Cuál es tu visión a largo plazo como actriz? ¿Hay algo más de la actuación que te gustaría explorar?

Siento que como actores nunca terminamos de explorar y de conocer nuevas ramas en esta profesión tan hermosa. Es un continuo aprendizaje. Me gustaría explorar todo y seguir aprendiendo.

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