Llega septiembre y con él esa mezcla deliciosa de antojo de pozole y ganas de sacar algo verde, blanco o rojo del clóset. Entre nos, el tricolor se ve increíble siempre que lo lleves como un guiño tuyo y no como uniforme. La clave está en elegir una sola idea y ejecutarla bien. Aquí van tres formas de sumarte a la fiesta, puedes mezclarlas o quedarte con una sola; lo importante es que la lleves con seguridad.

El maquillaje a lo Frida

Si buscas algo lograble y sin gastar de más, empieza por la cara. Un labial rojo mate, unas cejas pobladas y bien peinadas, la piel fresca y luminosa y —si te animas— unas flores en el pelo. Es el homenaje más directo a Frida Kahlo y lo mejor es que funciona sobre cualquier blusa blanca que ya tengas colgada. No necesitas invertir en un outfit nuevo: el rojo en los labios hace todo el trabajo, se ve poderoso en persona y espectacular en las fotos. Un tip: elige un rojo con subtono cálido si tu piel es morena y remátalo con un delineado sencillo para que la mirada también hable.

Una pieza bordada con historia

Aquí va mi consejo con el corazón: invierte en una sola pieza artesanal y deja que se robe el show. Un chaleco bordado, un rebozo o una bolsa tejida levantan al instante un look sencillo de playera y pantalón, y cuentan una historia que ninguna prenda de fábrica puede imitar. Y por favor, cómprala directo con artesanas y artesanos mexicanos, en cooperativas o mercados de la comunidad: pagar el precio justo es darle valor a nuestra gente y a un oficio que carga siglos de técnica. La diferencia se siente en la prenda, en la calidad del hilo y en la intención con la que la portas.

Saca el jersey verde

Y para las que aún traen el corazoncito futbolero, aunque todavía duela un poquito, el Mundial que vivimos en casa nos regaló una alegría que vale la pena revivir. Rescata tu jersey verde de la Selección y llévalo con una falda tableada blanca, lentes de sol y unas arracadas doradas. Así deja de ser ropa de estadio y se convierte en un look con actitud, cómodo y fresco para la noche del Grito. Si quieres subirle el nivel, mete la playera dentro de la falda, suma unos tenis blancos o unas sandalias y listo: gritas “¡Viva México!” sin perder ni una pizca de estilo.

Una nueva etapa

A sus 23 años, Emilio Osorio atraviesa uno de los momentos más activos de su carrera. La televisión, el cine, la música y los nuevos personajes se cruzan en una agenda que le exige disciplina, concentración y una capacidad cada vez mayor para sostener distintos proyectos al mismo tiempo. Pero detrás de ese ritmo existe también un proceso íntimo que ha definido buena parte de lo que está creando. “Desde muy chico me enseñaron que, cuando haces las cosas desde el amor y desde un lugar genuino, suelen salir mejor”, cuenta. Esa idea permanece, aunque hoy tiene para él un significado distinto: hacer las cosas con el corazón también implica agradecer lo que está viviendo.

Profesionalmente, Emilio siente que se encuentra en uno de los mejores momentos de su carrera. Ha trabajado intensamente, ha cometido errores y ha aprendido sobre la marcha, pero conserva una idea que funciona como brújula: seguir construyendo. “Hoy siento que estoy exactamente en ese lugar: creciendo, aprendiendo y construyendo algo en lo que realmente creo”, explica. La actuación le permite recoger parte de lo sembrado durante estos años, mientras que la música lo coloca nuevamente frente a un territorio mucho más vulnerable. Su próximo álbum, que llegará el siguiente año, representa para él prácticamente un comienzo desde cero.

Esa sensación tiene que ver con la intimidad del proyecto. Emilio ha convertido la composición en una forma de procesar lo que le ocurre y de ponerle palabras a emociones que, de otra manera, podrían quedarse sin nombre. “Escribir se ha convertido en una especie de terapia para mí”, reconoce. El disco nació después de años de trabajo personal, crecimiento y terapia, y encuentra en la nostalgia el hilo conductor de 12 canciones. Pero no es una nostalgia entendida desde la tristeza. Para Emilio, recordar también significa recuperar una emoción.

La música en mi vida

“Mi nostalgia viene, sobre todo, de reconocer lo bonito que es sentir”, dice. En medio de la rutina, explica, es fácil olvidar gestos tan sencillos como abrazar a alguien que se quiere, agradecer a un compañero de trabajo o detenerse un momento para reconocer lo que está ocurriendo. Esa mirada atraviesa el álbum y también su manera actual de relacionarse con la vida. La nostalgia, en su caso, no busca regresar al pasado, sino observarlo desde otro lugar.

“Vestido Amarillo”, canción que se estrenará en octubre, forma parte de ese universo. La pieza recupera una experiencia emocional que atravesó recientemente y que también dejó huella en el disco. Para Emilio, la distancia modifica la manera en que se observa un recuerdo. Cuando una experiencia todavía está cerca, la intensidad puede ser distinta; con el tiempo aparece otra perspectiva. Por eso considera que un mismo duelo podría convertirse en canciones completamente diferentes dependiendo del momento en que se escriban. Cada una representaría una etapa distinta del proceso.

Aprendiendo a cada paso

Esa forma de mirar hacia atrás también explica la relación que mantiene con sus propias caídas. Hace algunos años atravesó una etapa complicada que, desde afuera, no necesariamente podía percibirse con claridad. Hoy no intenta borrar aquel periodo ni convertirlo en una anécdota de superación. Lo reconoce como una parte necesaria de su recorrido. “Creo que muchas veces no le damos al fracaso el valor que merece”, señala. Para él, equivocarse, fallar o “regarla” puede ser doloroso, pero también constituye una de las formas más directas de aprender.

La idea se vuelve todavía más clara cuando habla del Emilio que tenía 20 años. Si pudiera sentarse cinco minutos con aquella versión de sí mismo, no intentaría darle una lista de consejos ni decirle cómo evitar los golpes que vendrían. Haría algo distinto: observarlo. “El Emilio de hoy no iría a darle ningún consejo. Más bien, se sentaría a aprender de él”, asegura. La respuesta revela una postura menos complaciente con la idea de que crecer significa tener todas las respuestas.

Para él, cada versión de sí mismo tiene algo que aportar. Incluso aquella que atravesaba una época de incertidumbre. “Siento que muchas veces creemos que, por haber superado una etapa, ya tenemos todas las respuestas para la versión de nosotros que la estaba atravesando. Pero yo no lo veo así. Ese Emilio también tenía cosas que enseñarme”, explica. Su conclusión es tan directa como personal: “La neta, confío más en el madrazo que en el consejo”.

La misma entrega aparece en su trabajo actoral. En El otro padre, Emilio interpreta a Bernardo, un personaje con una disciplina que lo llevó a reconocerse desde otro ángulo. El actor encontró en él una relación rigurosa con el oficio: alimentación, ejercicio, estudio del texto y compromiso con la interpretación. “En Bernardo encontré mucha disciplina y un profundo amor por la actuación y por el oficio”, cuenta. La experiencia terminó convirtiéndose, además, en una escuela. “De todo corazón, siento que esta serie fue una verdadera escuela para mí”.

La llegada del proyecto también coincidió con un momento personal que describe con mayor estabilidad y plenitud. Después de varios años trabajando para entender mejor sus emociones, Emilio asegura sentirse acompañado por un núcleo cercano y afectivo. “Hoy me siento con el corazón acariciado”, dice. Esa frase resume una etapa en la que el éxito profesional no aparece separado de su crecimiento personal, sino conectado con él.

En paralelo, Tierra de amor y coraje representa un reto distinto. Aunque desde afuera pueda percibirse como un regreso a Televisa después de otros proyectos, Emilio no lo experimenta exactamente de esa manera. Las grabaciones ocurrieron con poca distancia entre sí y el verdadero desafío estuvo en la exigencia de asumir un personaje protagónico dentro de una producción de ese ritmo. “Fue un reto que me llevó hasta mis límites, pero también me permitió descubrir de qué soy capaz”, afirma.

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Mis memorias

La decisión ocurrió en una conversación con su madre. Romina Poza llevaba tiempo sabiendo que quería actuar, pero el deseo convivía con la duda de si realmente sería suficientemente buena. Fue entonces cuando su mamá le dijo: “no dejes que el miedo te limite a alcanzar tu sueño”. Aquellas palabras terminaron por empujarla a hacer algo que había postergado.

“Que ella tuviera todo ahora claro y pudiera expresármelo así fue que me atreví a intentarlo. Con todo y miedo, pero lo intenté y lo estoy logrando. Ahora no me veo de otra forma. Amo con todo lo que soy ser actriz”, cuenta.

El miedo no desapareció; simplemente dejó de ser una razón para detenerse. Su madre, dice, le dio esa “patadita de audacia” que a ella no le dieron y le dejó una idea que todavía conserva: “el miedo jamás debe ser una limitante; al contrario, si te da miedo, hazlo con más ganas”.

Crecer dentro de una familia de actores reconocidos pudo haber convertido la profesión en una comparación permanente. Para Romina ocurrió lo contrario. Los apellidos que la acompañan desde niña no representan una carga ni una competencia que deba superar. Los entiende como parte de una herencia que le permitió acercarse a una profesión que hoy siente completamente propia.

Mi familia nunca fue ni será un peso para mí y mucho menos competencia, al contrario, es un privilegio absoluto”, afirma.

Retos en mi vida

La distancia entre saber que quería ser actriz y convertirse realmente en una se hizo evidente con Isla Brava. La serie la llevó durante tres meses a Canarias, lejos de su entorno habitual, y la enfrentó por primera vez a una vida independiente y a las responsabilidades de un trabajo que hasta entonces había imaginado desde fuera.

“Fue una de las mejores experiencias que he tenido en mi vida. Todo fue mágico para mí. Ahí conocí a mis primeros amigos actores, viví sola por primera vez como adulta, sin límites y con completa responsabilidad de mis actos”, recuerda. También descubrió que su sueño podía regalarle experiencias que no había previsto: “jamás me hubiera imaginado que mi sueño, al que tengo la fortuna de llamar trabajo, me iba a regalar también conocer el mundo de esa forma”.

Después llegaron Vencer la culpa y Tu vida es mi vida, proyectos que le dieron disciplina y oficio. La televisión, explica, no permite detenerse demasiado: “no espera y entonces te toca aprender a resolver y hacerlo con absoluta verdad”. Sus personajes, a los que define como “niñas aspiracionales, que tienen puras cosas bonitas que dejar en los demás”, terminaron siendo parte importante de ese aprendizaje.

Hay otra transformación que le resulta especialmente reveladora. Cuando comienza una escena aparece una Romina que no siempre reconoce fuera del set. “En el momento que gritan acción se me olvida todo y hago lo que tengo que hacer con verdad absoluta y sin juzgarme”, dice. Es, según ella, “la que ya no le da pena nada”. La experiencia le parece “muy loca y muy mágica”.

Esa capacidad de no juzgarse también ha cambiado su relación con el error. Al comienzo de una carrera, equivocarse puede sentirse como algo que no está permitido. Romina ahora entiende que forma parte del oficio: “creo que es imposible lograr ser mejor sin antes equivocarte y conocer lo que no quieres o necesitas para llegar a lo que sí”.

Enfrentando los retos

Para ella, aprender a equivocarse es también una forma de preparación. “Hay espacios diseñados para equivocarse y aprender”, sostiene, y compara el entrenamiento de un actor con un estuche de herramientas que debe crecer con cada proyecto para que, cuando llegue una historia importante, pueda responder con mayor complejidad.

Esa misma búsqueda aparece cuando habla de los personajes que quiere interpretar. No tiene una fórmula precisa para elegirlos. Prefiere que exista una conexión inmediata con la historia, como cuando un libro consigue atraparla. “No hay cosas específicas, pero por ahí dicen que el personaje te elige, no tú al personaje, y me gusta verlo así”, explica.

En El otro padre, esa intuición la llevó hacia María, un personaje completamente opuesto a ella. El reto consistió en no intentar acercarla a su propia personalidad, sino aceptar quién era dentro de la historia. “Entendí que tenía que ceder a cómo estaba escrita. Era perfecta; solo me tocaba hacerla con verdad y sin juzgarla”. La experiencia, además, le permitió jugar en un terreno desconocido: “podía jugar a ser alguien que jamás había sido y me encanta”.

María comparte una relación importante con Bernardo, interpretado por Emilio Osorio. Para construirla, Romina no buscó inventar algo que no estuviera en el guion, sino profundizar lo que ya existía. “No fue tanto descubrir algo nuevo que no estaba escrito, sino sobre el mismo guion poder profundizar lo que ya estaba escrito y complejizar su relación”, explica. El proyecto también significó reencontrarse con Emilio después de varios años y descubrir en él “un gran actor y un gran compañero”.

La historia de El otro padre toca además una idea que Romina considera fundamental: la familia no se define únicamente por la sangre. “Solo la sangre no basta para sellar un lazo”, sostiene. Para ella, cuidar los vínculos es lo que termina construyendo una relación verdadera. Por eso existen “amigos que se vuelven familia y familia de sangre que se convierten en desconocidos”. Pero también reconoce el otro lado de esa posibilidad: “si logras tener a tu sangre con vínculos fuertes y sanos es de las cosas más bonitas que la vida puede dar”.

Fuera de la actuación existen otras inquietudes que todavía esperan su momento. Dibuja, pinta, ha pensado en cantar y confiesa entre risas que le gusta intervenir ropa. Son pequeñas pistas de una personalidad creativa que no parece tener prisa por definirse en una sola disciplina.

La actriz que alguna vez necesitó que alguien le dijera que no dejara que el miedo limitara su sueño ahora trabaja precisamente con aquello que antes podía detenerla. El miedo sigue ahí. También los errores y los personajes que todavía no conoce. La diferencia es que ahora tiene más herramientas para enfrentarlos.

Y cuando escucha “acción”, todo parece acomodarse.

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El llamado está por comenzar

Tristán Maze espera unos segundos antes de entrar al foro de Proyecto Final. La escena exige que su personaje llegue al límite del enojo y, mientras repasa el momento, descubre que está tensando los brazos y cerrando los puños sin darse cuenta. Un actor del elenco lo observa y le hace una recomendación sencilla: deja de hacer fuerza, respira y entra. La sigue al pie de la letra. El resultado cambia por completo la escena. “Fue una herramienta que no esperaba recibir. La probé y me ayudó muchísimo. Es algo que voy a seguir usando durante mucho tiempo”. No recuerda aquel instante como una corrección. Lo guarda como una de esas enseñanzas que solo aparecen cuando alguien con más camino decide compartir lo que sabe.

La imagen explica buena parte de la forma en que entiende su profesión. Hace poco dejó las aulas del Centro de Educación Artística, pero habla del aprendizaje en tiempo presente. El primer proyecto llegó mientras cursaba el último semestre; el segundo apareció casi de inmediato. El ritmo pudo haber sido vertiginoso. Él prefiere verlo con calma. “Nunca se deja de ser estudiante. Siempre hay algo más que aprender y eso es lo que trato de hacer todo el tiempo”. Se reconoce como un actor profesional, aunque la palabra no parece cambiar demasiado las cosas. Sigue observando a sus compañeros, preguntando, tomando notas mentales. La curiosidad pesa más que cualquier reconocimiento.

Antes de dedicarse por completo a la actuación pasó por el teatro musical, la danza y la música. Ese recorrido sigue apareciendo cada vez que construye un personaje. Mientras otros comienzan por el texto, él suele hacerlo desde el cuerpo. Habla de ritmo, presencia, escucha y movimiento con la naturalidad de quien aprendió primero a contar una historia sin pronunciar una palabra. “El baile me ayudó muchísimo a entender la corporalidad, la energía y a fluir. Todo eso termina estando frente a la cámara”. Para él, una escena empieza mucho antes de que alguien diga acción.

Descubriéndome

Esa búsqueda encontró un nuevo reto con el personaje que interpreta en Proyecto Final. Tristán recuerda haber sido un niño tranquilo, poco dado al conflicto. El joven al que debía dar vida cargaba impulsos completamente distintos. La tarea no consistía en imitarlos, sino en descubrir de dónde podían surgir. “Tuve que entender qué fue lo que le pasó para llegar a ese punto”. El proceso terminó llevándolo a lugares inesperados. “Me sorprendió descubrir cosas de mí que no conocía y que gracias a este personaje pude encontrar”. Habla de emociones, no de técnica. De rincones personales que permanecían ocultos hasta que un personaje obligó a abrir la puerta.

La exigencia aparece inmediatamente después. Ver sus propios trabajos nunca ha sido un ejercicio cómodo, pero insiste en hacerlo porque ahí encuentra aquello que todavía puede mejorar. Repite escenas, detecta errores, imagina otras posibilidades. Con el tiempo entendió que esa disciplina también tiene un límite. “Luego estoy pensando tanto en hacerlo bien que dejo de estar presente en la escena”. Aprender a soltar el control se convirtió en otra lección del oficio. “Es bueno ser crítico, pero también hay que dejar fluir las cosas porque no puedes controlar todo el tiempo lo que pasa”.

Sin prisa…

Mientras buena parte de su generación mide el éxito por la velocidad con la que crecen los seguidores, Tristán habla de otra clase de recompensa. Las redes sociales ocupan un lugar secundario en su vida y no siente prisa por convertirlas en el centro de su carrera. “No aspiro a ser súper famoso ni a tener millones de seguidores. Preferiría hacer una obra de teatro, una serie o una película con un personaje que realmente represente un reto”. No rechaza la popularidad; simplemente no quiere que sea el motivo para aceptar un proyecto.

Esa distancia también explica por qué todavía le resulta extraño cuando alguien lo detiene en la calle para pedirle una fotografía. Sonríe al recordarlo. “Todavía se me hace raro”. No hay pose de estrella ni discurso aprendido. Cuando busca el origen de esa tranquilidad siempre termina hablando de su familia. “Ellos son quienes me ayudan a mantener los pies en la tierra, a seguir siendo humilde y no perder esas cualidades cuando la gente empieza a voltear a verte”. El éxito, parece decir, necesita un lugar al que regresar cuando termina el aplauso.

Habla de Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Quentin Tarantino, Christopher Nolan, Gael García Bernal y Diego Luna con la admiración de quien todavía encuentra referentes antes que ídolos inalcanzables. Le gustaría trabajar con ellos algún día, aunque la conversación nunca se instala en los sueños imposibles. Vuelve una y otra vez al presente, a la siguiente escena, al siguiente personaje.

Quizá por eso recuerda Proyecto Final menos por lo que representa para su carrera que por las personas que conoció durante el rodaje. “Crecí muchísimo, aprendí demasiado e hice una familia muy bonita con el elenco. La química que hay entre nosotros la van a notar”. No habla del proyecto como una meta cumplida. Habla como alguien que acaba de abrir una puerta y todavía mira hacia adentro con la misma disposición con la que escuchó aquel consejo antes de entrar a escena: respirar, aprender y volver a empezar.

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Contra el mundo

Samantha no pide que el público la quiera. Tampoco intenta justificarse. En Proyecto Final, el personaje entra en escena cargando silencios, inseguridades y una necesidad casi desesperada de ser vista. Para Isa Tena, interpretarla implicó recorrer un territorio incómodo: entender a alguien cuyas decisiones podían resultar difíciles de aceptar sin convertirla en una villana. “Lo más difícil fue encontrar el porqué. Ver toda la psicología detrás de Samantha, todas sus capas y sus matices. Al final entendí que su vulnerabilidad era la clave de sus acciones y de esa necesidad tan profunda de ser vista”.
Samantha no pide que el público la quiera. Tampoco intenta justificarse. En Proyecto Final, el personaje entra en escena cargando silencios, inseguridades y una necesidad casi desesperada de ser vista. Para Isa Tena, interpretarla implicó recorrer un territorio incómodo: entender a alguien cuyas decisiones podían resultar difíciles de aceptar sin convertirla en una villana. “Lo más difícil fue encontrar el porqué. Ver toda la psicología detrás de Samantha, todas sus capas y sus matices. Al final entendí que su vulnerabilidad era la clave de sus acciones y de esa necesidad tan profunda de ser vista”.

Ese proceso terminó modificando la forma en que observa una realidad que suele pasar inadvertida. La serie coloca el bullying lejos de la imagen más evidente de la violencia y lo acerca a comentarios cotidianos, dinámicas de grupo y bromas que terminan dejando cicatrices. Mientras avanzaba el rodaje, Isa descubrió que esas agresiones pueden esconderse donde menos se esperan. “Muchas veces pensamos que el bullying es solamente una agresión física, pero es mucho más que eso. Es algo que puede ser psicológico”. La historia la obligó a hacerse otra pregunta: “Me hizo pensar en los límites a los cuales uno puede llegar para sentirse superior y hasta dónde pueden llevar las acciones disfrazadas de bromas”.

Aunque el público la ha visto crecer frente a las cámaras, ella nunca divide su carrera entre una etapa infantil y otra adulta. La actuación siempre tuvo el mismo peso. Recuerda Mi corazón es tuyo como uno de los proyectos que terminaron de darle forma a esa manera de entender el trabajo. “Desde chiquita aprendí que actuar es mucho más que pararse frente a una cámara y decir un diálogo. Es crear un personaje desde cero, humanizarlo”. Esa idea sigue acompañándola cada vez que recibe un libreto. “Siempre le he tenido un respeto muy grande a este arte”.

Fragmentos de vida

En los años que siguieron llegaron nuevos foros, directores y compañeros de reparto. Isa evita hacer listas de favoritos porque entiende cada producción como parte de un mismo aprendizaje. “Cada persona con la que tengo la oportunidad de compartir en el set ha dejado una huellita en mi corazón y muchas enseñanzas que me llevo por siempre”. Habla de los equipos con gratitud, pero también con la conciencia de que ninguna carrera se construye en solitario.

La relación con el público ha seguido un camino distinto. Las redes sociales acercan, pero también exigen una exposición constante que no siempre está dispuesta a conceder. Comparte fragmentos de su rutina, conversa con quienes la siguen y disfruta esa cercanía, aunque existe una frontera que procura no cruzar. “Todavía estoy aprendiendo sobre el equilibrio porque, aunque agradezco muchísimo el cariño que me da la gente, hay una parte de mí que disfruta mucho su privacidad. No mostrar ciertas partes de mi vida me da paz, siempre voy a apuntar a eso”.

Mi lugar seguro

Quienes la conocen únicamente a través de una pantalla difícilmente alcanzan a ver todo lo que ocurre fuera del encuadre. Ella misma lo reconoce. “Creo que conocen a una Isa que ama actuar y que creció frente a las cámaras, pero hay una parte mucho más humana que sí comparto con mi comunidad… y otra que la gente no conoce porque no la voy a mostrar”. No lo dice con distancia ni con desconfianza. Lo plantea como un límite necesario para conservar un espacio propio en una profesión donde casi todo termina expuesto.

Los personajes que acepta tampoco responden a una estrategia de carrera. Antes de pensar en el tamaño del papel o en la repercusión del proyecto, busca otra cosa. “Desde que leo un guion, si un personaje me obliga a ver una realidad desde otro lugar, sé que es una historia que vale la pena contar”. Esa curiosidad explica por qué no cierra la puerta a ningún género. Hay uno, sin embargo, que aparece de inmediato cuando imagina el futuro: “Me encantaría hacer una comedia romántica. Es lo principal en mi lista. Pero cualquier personaje que esté destinado en mi camino, yo sería la más feliz de darle vida”.

Isa Tena atraviesa un momento en el que el público empieza a descubrir registros distintos a los que la acompañaron durante tantos años. Ella, en cambio, parece medir el tiempo de otra manera. No habla de metas ni de personajes soñados con la urgencia de quien necesita demostrar algo. Prefiere conservar intacta la emoción con la que entra a un foro desde que era niña. Si algún día vuelve a encontrarse con estas páginas, espera reconocerse en cuatro palabras que resume casi en voz baja: “Sensible, agradecida, curiosa… y que me siga emocionando como si fuera la primera vez que entro a un set”

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Fotógrafo: Alex Cordova
Stylist: Ray Aguilera
Beauty: Pedro Aguirre & Monse Reséndiz
RP: Yanko Bridiesca para EmiRec
Director de arte: Juan Pablo Garcia
Entrevista: Aarón Zavaleta

Creciendo entre reflectores

Hay personas que recuerdan su infancia a través de vacaciones, fiestas o tardes interminables con amigos. Michael Ronda también guarda esos recuerdos, pero junto a ellos aparece otra imagen: la de un llamado de producción interrumpiendo cualquier plan. Creció entre foros, cámaras y guiones. Mientras otros niños tenían como principal responsabilidad llegar a la escuela con la tarea terminada, él debía presentarse al trabajo con escenas memorizadas, propuestas para su personaje y jornadas que comenzaban cuando muchos de sus amigos seguían de vacaciones.

Una de esas escenas permanece especialmente viva en su memoria. Tenía alrededor de quince años y estaba en Acapulco con sus amigos. Habían encendido una fogata frente al mar y la noche transcurría entre risas e historias. Entonces sonó el teléfono. “Me dijeron: ‘Mike, te tienes que regresar a la Ciudad de México, mañana a las siete de la mañana tienes llamado’. Para mí nunca fue un condicional; nunca me pregunté si lo haría o no, porque en el cine no existe eso. Hay llamado y tienes que ir, llueva, truene o relampaguee”.

Recogió sus cosas, se despidió a mitad de la reunión y volvió a la ciudad para filmar. Sus amigos permanecieron toda la semana en la playa. Él llegó directo al set. No lo cuenta con nostalgia ni con arrepentimiento. Al contrario. Está convencido de que esos pequeños sacrificios moldearon buena parte de su carácter. “Me encantó que mi infancia haya sido así. Siento que esas escenas hicieron de mí el hombre que soy hoy: una persona responsable, amable y consciente”.

Esa relación con el trabajo ha cambiado con los años, pero no la brújula que lo guía. Si durante mucho tiempo la industria parecía una carrera donde había que aceptar cada oportunidad que apareciera, hoy sus decisiones pasan por otro filtro. La emoción ocupa el primer lugar.

“Me he dado cuenta de que el dinero, la fama y lo que se le llama éxito son cosas completamente secundarias. A mí lo que me hace feliz es contar historias que me emocionen. ¿Me emociona contar esa historia? La voy a contar. ¿No me emociona? Aunque me ofrezcan las perlas de la vida, no la voy a hacer”.

La frase no suena a declaración idealista. Habla desde la experiencia de alguien que lleva más de dos décadas trabajando frente a una cámara y que ha aprendido que una carrera también se construye rechazando proyectos. De hecho, asegura que en los últimos años ha dicho más veces que no que sí. “Me gusta pensar que las carreras se construyen con más noes que con más síes. Trato de ser fiel a mí y a mis valores”.

Hay proyectos que acompañan a una persona durante toda la vida y para Ronda uno de ellos es Soy Luna. El fenómeno marcó a toda una generación y también definió una etapa fundamental de su carrera. Habla de la serie con gratitud, como quien recuerda un lugar donde aprendió casi todo.

“Fue mi universidad, mi doctorado, todo al mismo tiempo. Es un proyecto que me dio muchísimo y por el que siempre voy a estar agradecido”.

Sin embargo, cuando terminó aquella etapa llegó una sensación que muchos artistas conocen bien: el vacío. La incertidumbre de preguntarse qué ocurre después. Mirando hacia atrás, identifica ese periodo como uno de los más difíciles de su vida profesional, pero también como uno de los más importantes.

“Una de las cosas que más aprendí es que me tengo a mí. Mi imaginación y mi poder como artista nadie me los puede quitar. Es el activo más valioso que tengo porque es mío. Cuando las cosas se ponen difíciles me miro, me escucho y confío en mí”.

La nueva brújula

La confianza aparece una y otra vez a lo largo de la conversación. No como arrogancia ni como una seguridad inquebrantable, sino como una herramienta construida con el tiempo. Habla de los momentos en que llegan reconocimientos o premios, pero aclara que no son esos gestos los que definen su valor. “Yo mismo me premio constantemente. Sé cuándo estuve bien y cuándo pude hacerlo mejor”.

Quizá por eso sigue emocionándose con cada oportunidad. Podría suponerse que después de tantos años las llamadas anunciando un nuevo proyecto se vuelven rutina. Ocurre exactamente lo contrario. Hace unas semanas recibió la invitación para participar en una película que comenzará a filmar próximamente y terminó llorando de emoción.

“Cada vez me emociona más. Sé lo difícil que está la industria y he vivido todas las facetas. Cuando recibí esa llamada estaba con Karena y empecé a llorar. Qué emocionante que te den una oportunidad para contar una historia nueva”.

La actuación, explica, sigue teniendo el mismo poder que cuando era niño porque detrás de cada personaje existe algo más grande. Una posibilidad de conectar con otros. Una manera de transformar la realidad. “Nosotros como artistas tenemos una misión muy importante: ayudar a que este mundo sea un lugar mejor y más bonito. El arte sí educa”.

Esa visión también se refleja en su vida personal. Cuando habla de Karena Flores, el discurso sobre el amor se parece más a una conversación sobre compañerismo que sobre romanticismo. Recuerda que la conexión surgió casi de inmediato, a partir de algo que considera esencial: una sensibilidad compartida hacia el arte.

“A las dos o tres palabras que compartimos me preguntó si me gustaba el arte. Le dije que me fascinaba y ella me respondió que también amaba las películas, la música, bailar y ver pinturas. Ahí pensé: bingo, llegaste”.

Desde entonces han construido una relación atravesada por los desafíos propios de una profesión impredecible. Rodajes, viajes, proyectos que se cancelan a última hora y planes que cambian de un día para otro. Lejos de separarlos, esas experiencias terminaron fortaleciéndolos. “Las micro batallas que vivimos como artistas nos han unido más. Somos más equipo, más pares. Los dos entendemos perfectamente lo que implica esta carrera”.

Hoy, comprometido y entrando a una nueva etapa de su vida, Ronda tiene una definición del éxito bastante distinta a la que suele circular en la industria del entretenimiento. No la mide en cantidad de proyectos ni en cifras de taquilla. Prefiere pensarla como un equilibrio entre distintas áreas de la vida.

“El éxito es estar bien con tu familia, con tu pareja, contigo mismo. Tener amigos a los que quieres, un hogar al cual regresar y hacer algo que te apasiona. Conozco gente multimillonaria que es absolutamente fracasada. El éxito es mucho más grande que eso”.

Después de más de veinte años frente a las cámaras, Michael Ronda sigue entrando a los sets con la misma curiosidad que tenía de niño. Quizá porque, en el fondo, todavía entiende su oficio de la misma manera: como un juego que vale la pena seguir jugando.

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Fotógrafo: Alex Cordova
Stylist: Ray Aguilera
Beauty: Pedro Aguirre & Monse Reséndiz
RP: Yanko Bridiesca para EmiRec
Director de arte: Juan Pablo Garcia
Entrevista: Aarón Zavaleta

Esencia y despedidas

Hay una imagen que se repite en la vida de Karena Flores: la de un aeropuerto. Aparece cada vez que vuelve a Cancún para visitar a su familia y cada vez que debe regresar a la Ciudad de México para trabajar. Los años no han logrado volver más sencilla esa rutina. “Uno piensa que después de cierto tiempo ya va a ser fácil, pero no. Las despedidas en el aeropuerto nunca se hacen más fáciles por más que se repitan y se repitan. Siempre se te hace un nudo en la garganta”, dice.

Mudarse significó alejarse de su madre, su abuela y su tía, pero también aprender a vivir sola y descubrir quién era fuera de casa. Esa experiencia terminó reforzando una convicción que sigue guiándola: la familia ocupa el centro de todo.

La actuación, en cambio, llegó como una certeza temprana. Desde niña sabía lo que quería hacer, aunque durante mucho tiempo no entendía cómo ese deseo podía convertirse en una profesión. El proceso ocurrió poco a poco, entre talleres, castings y oportunidades que fueron acumulándose hasta formar una carrera. Aun hoy conserva cierta incredulidad. “Siempre me sigue cayendo el veinte. Es muy bonito porque me sigo emocionando de darme cuenta de que me dedico a esto y siempre me sigue pareciendo un sueño hecho realidad”.

Cuando habla de sí misma, aparece una palabra que repite varias veces: esencia. Creció en un entorno donde se le enseñó a confiar en sus capacidades y esa seguridad le ha servido para navegar una industria donde las comparaciones son inevitables. “Dentro de lo posible me he mantenido muy fiel a mí misma. No me permito compararme o dejar que algo me haga dejar de creer en mí”.

La presión de las redes sociales vuelve ese ejercicio más complejo. Ver a otros alcanzar proyectos deseados puede despertar admiración y frustración al mismo tiempo. Karena reconoce esa realidad, pero intenta no quedarse atrapada en ella. “Si ves que alguien está haciendo la película de tus sueños, claro que puedes pensar qué padre por esa persona y al mismo tiempo desear estar ahí. Pero trato de ser consciente de no caer en la comparación. No veo que le vaya bien a alguien más como que me vaya mal a mí”.

El valor de la empatía

Algo parecido descubrió al interpretar a Mora en Isla Brava. El personaje le recordó que detrás de cada decisión existe una historia que rara vez conocemos por completo. “Cuando entiendes que cada persona tiene un trasfondo tan profundo, aprendes a observar, escuchar y comprender antes de juzgar”.

La amabilidad ocupa un lugar central en esa forma de ver el mundo. Flores habla de ella como una responsabilidad cotidiana, especialmente en un medio donde tantas personas trabajan bajo presión constante. “A veces una mirada o un comentario pueden hacer que alguien dude de sí mismo o de su trabajo. Yo valoro muchísimo cuando la gente es amorosa conmigo y eso me inspira a querer ser así cada vez más”.

Esa filosofía también le ha servido para enfrentar los inevitables rechazos de la profesión. Castings que no prosperan, personajes que terminan en otras manos o proyectos que se caen por cuestiones ajenas a ella. “He aprendido a no comprometer mi integridad ni la manera en que me aprecio por los ‘no’ de esta carrera. Hay decepciones que duelen mucho, pero trato de que eso no defina quién soy”.

Cuando se le pregunta qué valora más que el éxito, la respuesta llega sin rodeos. “Lo más valioso es la gente. El éxito es éxito cuando es compartido”. Habla de su familia, de sus amigos y de las personas que la acompañan fuera de los reflectores. Entre ellas está Michael Ronda, su pareja desde hace más de cinco años y hoy su prometido.

Un lugar seguro

Ella recuerda el inicio de la relación con una mezcla de ternura y asombro. “Sí fue como de película. Siento que los dos nos vimos, pero no me refiero a que vimos a una persona entre mucha gente. Nos vimos como seres, como almas. Había algo ahí que los dos sentíamos y fue muy mágico”.

La relación ha sobrevivido a rodajes, viajes y largas temporadas de distancia. Entre proyectos filmados en distintos países, ambos aprendieron a comunicarse y confiar. “Nos conocemos muy bien y sabemos cómo estar presentes aunque no estemos físicamente juntos”.

Cuando define lo que Michael representa en su vida, la respuesta es inmediata. “Es mi lugar seguro. Es la primera persona a la que quiero contarle una buena noticia y también una mala. Es mi mejor amigo”.

Ahora que planean una boda, el futuro aparece menos como una celebración y más como un proyecto compartido. “Queremos ser un equipo. Disfrutar la vida, nuestra familia, nuestros amigos y a la gente que amamos”.

Mientras ese futuro toma forma, Karena Flores sigue entrando a camerinos donde todavía se sorprende de estar viviendo aquello que imaginó desde niña. Y sigue descubriendo que algunas cosas, como las despedidas en el aeropuerto o la emoción de cumplir un sueño, nunca terminan de convertirse en rutina.

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Fotografía: Jorge Ramiréz-Posada
Stylist: Santiago Araico
Asistente de Stylist: Nely López
Maquillaje y Cabello: Pedro Aguirre
RP: PuRe & B
Coordinación editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo Garcia

La paz como límite

Durante la vida, hay etapas en donde el éxito deja de medirse en aplausos, contratos o exposición. Rossana Nájera parece estar parada exactamente en ese lugar. Uno donde la conversación ya no gira alrededor de demostrar, sino de conservar algo mucho más difícil: la paz. La palabra aparece una y otra vez cuando habla de trabajo, relaciones, decisiones personales o del futuro. No como una frase decorativa de autoayuda, sino como una especie de límite íntimo que aprendió a defender tarde, pero con absoluta claridad.

“Mi paz ya no se negocia”, dice. Y detrás de esa frase hay varios años de desgaste, decepciones y aprendizaje acumulado. La actriz reconoce que durante mucho tiempo le costó poner límites. Decir que no. Frenar situaciones donde sentía que los demás comenzaban a invadir demasiado terreno emocional. “Tenía que aprender a decir ‘hasta aquí y de aquí no pasas’, porque si pasas de aquí empiezas a pisarme”. Lo cuenta sin dramatizarse, aunque se percibe el peso de haber llegado a esa conclusión después de varias heridas.

Rossana habla mucho desde un lugar emocionalmente expuesto. No intenta construir una imagen perfecta de sí misma. De hecho, parece interesarle exactamente lo contrario: aceptar las partes incómodas. Su paso reciente por MasterChef Celebrity México terminó revelándole una faceta que, según ella, mucha gente no conocía. La vulnerabilidad. El enojo. La frustración. Verse bajo presión dentro de un reality la obligó a enfrentarse con emociones que normalmente mantenía resguardadas. “Soy súper sensible”, admite. Y aunque hoy las redes sociales permiten una cercanía mucho mayor entre figuras públicas y audiencia, siente que todavía existe una parte de ella que guarda muy para sí misma.

Duelo y equilibrio

Quizá uno de los temas más delicados de la conversación aparece cuando habla sobre la maternidad. No desde la postura de quien ya cerró una herida, sino desde alguien que todavía convive con ella. Rossana reconoce que sigue siendo un proceso en construcción. Un duelo que aparece en momentos inesperados. “Hay momentos en donde veo mujeres embarazadas… que me rompen el corazón porque todavía quisiera estar ahí”. La frase llega sin artificios. Seca. Directa. Pero también explica que, en medio de ese dolor, aprendió a buscar la parte luminosa de lo que no ocurrió. No como resignación forzada, sino como una manera de sobrevivir emocionalmente a las expectativas incumplidas.

Esa conversación inevitablemente la lleva a otro tema: la presión social sobre las mujeres que no encajan en ciertos modelos tradicionales de vida. Rossana habla desde un lugar profundamente consciente de cómo todavía existe una mirada de compasión hacia quienes no tienen pareja, hijos o una “familia propia”. Aunque reconoce que las cosas han cambiado, siente que persiste cierta idea de fracaso alrededor de las mujeres solteras después de cierta edad. “A veces me voltean a ver con cara de ‘ay pobrecita’”, comenta. La frase tiene algo incómodo precisamente porque resulta reconocible.

Sin embargo, lejos de instalarse en el resentimiento, parece haber encontrado otro tipo de equilibrio. Uno que no depende exclusivamente del trabajo. Durante años, explica, tuvo que separar su valor personal del éxito profesional. “No podía poner todo mi valor en el ser actriz”. La frase importa porque viene de alguien cuya vida pública ha estado ligada justamente a la actuación durante décadas. Entender que el reconocimiento no define quién es terminó convirtiéndose en uno de los aprendizajes más importantes de sus procesos terapéuticos.

Aun así, el deseo de seguir creciendo permanece intacto. Rossana no quiere detenerse. Lo que le da miedo no es el fracaso, sino repetirse. Permanecer demasiado tiempo en una zona cómoda. Por eso los personajes emocionalmente complejos siguen siendo lo que más le atrae. Habla de ellos con entusiasmo genuino. Le interesa aquello que la incomoda, lo que la obliga a moverse emocionalmente.

Liberación del personaje

Ese fue precisamente el caso de “Leah”, el personaje de la telenovela Hermanas que describe como uno de los más importantes de su carrera reciente. Leah es manipuladora, caprichosa, cruel por momentos. Una mujer que toma decisiones moralmente cuestionables y que, sin embargo, Rossana decidió abrazar sin miedo a resultar desagradable para el público. “Es increíble no tener que agradar”, dice. Hay algo liberador en esa conclusión. Durante años, especialmente para muchas actrices, parecer simpática o aceptable formaba parte del trabajo invisible. Leah rompió con eso.

Rossana incluso disfruta la reacción de la gente en la calle cuando le dicen que odian al personaje. Porque entiende que ahí ocurrió algo correcto: el juego actoral funcionó. Y cuando habla de Leah, evita juzgarla completamente. Prefiere pensarla como una mujer profundamente inconsciente, marcada por heridas emocionales mal resueltas y por una necesidad constante de atención.

Más allá de la actuación, también hay otros sueños orbitando su vida. Quiere volver al teatro, un espacio que extraña profundamente por la conexión directa con el público. Quiere hacer cine. Quiere publicar un recetario de cocina veracruzana para compartir algo de su tierra con el mundo. Y quiere, eventualmente, crear un refugio para perros callejeros. Son proyectos distintos entre sí, pero todos parecen conectarse desde el cuidado: cuidar la memoria, cuidar las raíces, cuidar a otros seres vivos.

Mientras tanto, vive un cierre emocional importante con Hermanas. Rossana habla del proyecto con un afecto evidente, casi íntimo. “Leah llegó a marcarme profesional, pero también personalmente”. Y quizá ahí está el centro de todo: entender que algunos personajes no solo sirven para contar historias, sino también para descubrir partes de uno mismo que llevaban demasiado tiempo esperando salir.

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Fotógrafo: Alex Salinas
Stylist: Rodrigo Alcántara
RP: Pepe Ayala

Hay otra forma de silencio: la saturación. Todo suena, pero nada se queda. En ese terreno, Sebastián Rulli lo nombra sin rodeos: “Hoy no compites solo contra otras historias, compites contra la distracción permanente. Todo dura segundos. Por eso creo que el reto es lograr que la gente conecte emocionalmente rápido… porque cuando una historia toca algo verdadero, el algoritmo ya no importa tanto”.

Esa presión entra al cuerpo del actor. Ajusta el pulso. Cambia el aire de una escena. “Sí cambia el ritmo interno. Antes podías cocinar más lento ciertas emociones; hoy tienes que entrar más rápido al conflicto sin perder verdad. Pero al final lo importante sigue siendo lo mismo: que el personaje se sienta humano”. La velocidad obliga a que la profundidad aparezca antes.

Adaptarse también implica afinar la escucha. “Escuchar más. Entender cómo cambia el público, cómo consumen historias hoy. Y también aprender a no actuar desde la comodidad. Cuando uno cree que ya entendió todo, empieza a repetirse”. Hay una vigilancia constante contra la inercia.

Cuatro años lejos de la telenovela dejan una pausa distinta. “Regresé más tranquilo, disfrutando más el proceso… pero también confirmé cosas que siempre estuvieron en mí: la disciplina, la pasión y el amor por contar historias”. No hay ruptura; hay ajuste fino.

La presión cambia de forma con el tiempo. “Creo que de entender que el éxito no te puede definir todo el tiempo. Antes uno vive queriendo demostrar. Hoy disfruto mucho más construir, compartir y llegar al set con ganas de pasarla bien haciendo lo que amo”. La ambición se recoloca.

En un mapa global que mira hacia Corea del Sur, el melodrama latino encuentra su lugar desde lo que ya tiene. “Han entendido muy bien cómo renovar las emociones sin perder identidad. Cuidan mucho la estética, los ritmos y los detalles emocionales. Pero el melodrama latino tiene algo muy poderoso: pasión, intensidad y verdad emocional. Cuando lo hacemos bien, conecta en cualquier parte del mundo”.

El amor sigue siendo materia prima, sobre todo en sus zonas menos cómodas. “Las imperfectas. Las que se contradicen. Las que incomodan. Creo que hoy la gente conecta más con personajes humanos que con relaciones perfectas”. Ahí aparece Renato, de su reciente proyecto llamado Mi Rival, atravesado por tensiones que no se resuelven fácil. “Renato no ama desde el cliché; ama desde las heridas, desde el miedo, desde la culpa. Ahí es donde el personaje se vuelve distinto”.

Hay algo que se extraña en el ritmo actual: los silencios. “Antes había más espacio para mirar, respirar, dejar que una escena madurara. Hoy todo corre más rápido, pero sigo creyendo mucho en el poder de una mirada bien puesta”. La mirada sostiene lo que el montaje acelera.

Cada trabajo se asume con una idea clara. “Creo que es respeto. Respeto por el público, por el equipo y por la oportunidad de seguir haciendo lo que amo”. La repetición se convierte en compromiso.

En pantalla, la seguridad es parte del oficio. El proceso sigue abierto. “Muchísimas. Sigo aprendiendo a soltar el control, a vivir más el presente y a escucharme más a mí mismo”. No hay punto fijo, hay recorrido.

El arquetipo del protagonista clásico se expande. “No me peleo con ella, pero tampoco quiero quedarme ahí. Lo bonito es sorprenderte a ti mismo y que el público descubra nuevas capas tuyas”. La identidad se mueve.

Interpretar a un charro abre otra relación con el país. “Hay algo muy profundo en esa conexión con la tierra, los caballos y las raíces. Renato me acercó a una parte muy auténtica de México”. La tradición aparece desde la experiencia.

En medio de la velocidad, queda una certeza. “La verdad. Cuando una escena está hecha desde la emoción real, el público lo siente aunque no pueda explicarlo”. Eso permanece.

También hay límites claros. “Una historia donde no encuentre verdad o humanidad en el personaje. Hoy necesito sentir que lo que cuento tiene algo que decir”.

El momento actual se siente en equilibrio. “En una etapa muy plena. Con más calma, más conciencia y más ganas de disfrutar el camino… sin dejar de exigirme”. La exigencia sigue, con otro peso.

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Fotografía: Eddy Espinoza
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje: Rosa María García de Misstika Porstyling
Peinado: Erick Moreno
Asistente de cabello: Sonia Terrazas
RP: Jerry ML
Locación: Studio Selinus
Coordinación editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo Garcia

Alejandra interpreta a Paloma, un personaje que es madre, sí, pero también cuerpo, impulso, error. Una figura que incomoda porque no se acomoda. La primera reacción no fue rechazo. Tampoco fascinación inmediata. “Lo primero que me provocó fue curiosidad y luego reto… rechazo nunca”, dice Alejandra Barros. La premisa de madre e hija en tensión por el amor de un hombre le parecía improbable. Después no. Después entendió que lo improbable se repite más de lo que se admite en voz alta.

Construir a Paloma implicaba esquivar el juicio. No de forma ingenua, sino trabajada, conversada, casi negociada entre lecturas, directores y una intuición que va encontrando su propio hilo. “Lo que encontré fue pensar en ella como una mujer, no como una mamá”. El desplazamiento es sutil, pero cambia todo: la historia deja de ser un escándalo y se vuelve experiencia. Antecedentes, decisiones, un matrimonio que no fue elección, y de pronto —tarde, dicen algunos— la aparición de algo que sí mueve por dentro.

Ahí se instala la clave emocional. No en justificar, en comprender el desfase. “La clave emocional de Paloma es verla como mujer, no como madre y entender que lo que no vivió en su juventud… es lo que la hace que quiera vivir esa experiencia después, ya teniendo una hija, siendo madre, estando casada”. El deseo como algo que llega tarde, o que se reconoce tarde. No desaparece, se guarda.

Pero lo que se guarda también empuja. Y cuando sale, no siempre tiene forma digna. “La parte que más me costó habitar en Paloma, fue estarle rogando a un hombre, creándote unas fantasías en la cabeza, que son eso, fantasías. Yo soy mucho más práctica y objetiva. Entonces el estar persiguiendo un hombre… Paloma en eso es súper insistente, entonces pues sí, me costó mucho trabajo y tratar de hacerlo lo más real posible”. Hay algo incómodo en esa insistencia. Algo que cualquiera reconoce, aunque no lo diga en voz alta.

El fondo es más amplio que la anécdota. Tiene que ver con el deseo y con la forma en que se administra socialmente. “Yo creo que las mujeres no dejan de tener deseo al igual que los hombres… el desear a alguien más, yo creo que es intrínseco del ser humano, hombre y mujeres, no nada más las mujeres. Y de repente, sobre todo en la vida familiar latina, como que la mujer cuando es madre, se le deberían de acabar todas las necesidades y gustos y demás, y creo que no debería ser”. La frase abre una conversación que la pantalla ha bordeado durante años, a veces con timidez, a veces de frente.

La polémica aparece, inevitable. Pero no es un fin. “La polémica del planteamiento es inevitable y claro que me interesaba… falta explorar esos temas, pues claro que va a crear curiosidad entre el público, pero que sea de la manera más real del personaje. Cuentas una historia que se parezca lo más a la realidad… entonces es una combinación de las dos”. Interesa el ruido que abre la puerta, no el que se queda a vivir ahí.

Paloma se mueve entre urgencia y carencia. No como categorías separadas, más bien como un circuito. “Me acerco a ella desde las dos, la urgencia y la carencia. Tiene urgencia porque tiene carencia… sentir que ya le queda poco tiempo, que es su última oportunidad de conseguir un amor… y la carencia es porque si ella hubiera tenido un buen amor, no tendría la necesidad de estar buscando esa experiencia”. La última oportunidad no es un dato objetivo, es una sensación. Y las sensaciones mandan.

La incomodidad que genera la historia tiene un origen claro. “Sí, yo creo que incomoda mucho el tema de poner una mamá en búsqueda del amor y compitiendo con la hija… rompe con las expectativas arraigadas de la madre latina abnegada, ella no tiene deseos de nada, más que de cuidar a sus hijos y a sus nietos”. La imagen es conocida. También el gesto de quien la mira y se incomoda. “Lo que te choca checa”, añade, casi como una clave lateral.

Lo que le interesa abrir no es una polémica efímera, sino una conversación más amplia. “Me encantaría que la gente fuera consciente que no nada más las mujeres somos esposas y madres, sino que también somos mujeres, con aspiraciones, deseos, profesionistas, como cualquier hombre… que a una mujer se le antoje volver a tener un amor… les parece como inconcebible y creo que estaría bueno plantearlo”. La palabra “permitir” aparece entre líneas. Permitirse, permitirles.

En la industria percibe un movimiento. No una revolución, pero sí un desplazamiento sostenido. “Yo sí creo que ha cambiado… ahora le han dado más importancia a los papeles de mujeres mayores… el público no nada más quiere ver a jovencitos viviendo el amor… también quieren ver gente de su edad”. La pantalla empieza a parecerse más a quien la mira.

Su interés como actriz no pasa por provocar de forma gratuita. Tampoco por acompañar sin fricción. “Contar historias que ayuden a generar conversaciones o a generar empatía o a simplemente distracción y divertirte… provocar así sin sentido y nada más escandalizar no es mi estilo”. La comedia aparece como una posibilidad cercana, una manera de abrir sin imponer.

El miedo sigue ahí. No desaparece con la experiencia. “Me sigue dando miedo como actriz el no estar a la altura y no crear verdad… siempre hay ese miedito, esa inseguridad de ¿lo estaré haciendo bien?, ¿lo puedo hacer mejor?”. La duda no paraliza, afina.

Y luego lo que se suelta. Lo que ya no sirve. “Hay que desaprender a veces las inseguridades… hay que desaprender también al ego, el ego nos mata… tratar de desaprender los mecanismos de defensa que creamos por miedo y vanidad”. El trabajo no es solo hacia afuera. También es limpieza interna.

Sobre la televisión, la mirada es doble. “Se ha ganado un medio de comunicación espectacular que llega gratis a todos lados… pero también se ha perdido un poco la privacidad, la ética a la hora de generar contenidos”. Más alcance, más responsabilidad. La ecuación no es nueva, pero ahora es más visible.

Lo que viene no es una pausa. “Empiezo otro proyecto a finales de este año y me gustaría hacer algo de teatro… y me gustaría también hacer series y comedia. Me muero de ganas de hacer comedia”. El deseo, otra vez. Moviendo.

Paloma se queda flotando. No como ejemplo, tampoco como advertencia. Más bien como pregunta abierta. Qué pasa cuando una mujer decide no reducirse a un solo papel. Qué se rompe. Qué se revela.

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