La nueva colección de Guillermo Jester es un grito de moda, pero también uno de disrupción y versatilidad.

Fotografía: Ricardo Chávez

MUA: Ingrid Mejía

Modelos: Valentina Morales y Fernanda Avaria para New Icon Models

Colaboración: Latex, calzado Ant. colectivocreativodemoda

Estilismo y producción: Guillermo Jester

Para cualquier expresión de género

Esta marca encuentra sus pilares principales en los diseños atemporales y se enfoca en realizar una colección anual. La identidad cultural radica en prácticas sostenibles, moda circular y colaboraciones artesanales con artesanos chiapanecos, principalmente diseños genderless de piezas femeninas o masculinas para cualquier expresión de género.

Guillermo Jester: DiversXs

Guillermo Jester es una marca que piensa en que la única manera de trascender y cambiar al mundo es siendo disruptivos. Por esto mismo, en la colección actual combinan distintos elementos, además de los habituales de la marca, y un look-book llamado DiversXs, tendencia en donde el género pasa a segundo plano con personas de distintas identidades y expresiones de género para mostrar la versatilidad misma de las prendas y de la marca.

Confrontando la norma

El uso del látex en la colección tiene una representación evidente sobre el cómo la sociedad llega a aprisionar con las normas y roles de género. Sin embargo, las prendas son una demostración de cómo las podemos utilizar a nuestro favor y como una confrontación directa.

Color

Otro elemento distintivo en esta colección fue el uso de una paleta de color mucho más llamativa de lo normal y, que a diferencia de la tendencia de las piezas artesanales en blanco y negro, esta vez se realiza pensando en que el color sea uno de los elementos más representativos y llamativos.

Para esta colección se realizó una colaboración con la marca originaria de Guadalajara llamada Histerya. Las piezas clave son de látex, llevando el fetichismo a piezas statement que se pueden utilizar para cualquier momento.

Por otro lado, las prendas y procesos artesanales se realizaron con los grupos de artesanas en Chiapas: Flor de Margarita de Chenalhó, Esperanza Pérez de Amatenango Del Valle y Antsetik Mojel Amtejik de Larráinzar.

Después de sobrevivir al bombardeo atómico de Hiroshima cuando era niño, Miyake recurrió a la ropa como una forma moderna y optimista de creatividad y revivió el uso de pliegues para crear ropa vestible, de flujo libre y unisex.

Issey Miyake, uno de los principales diseñadores de moda de finales del siglo XX, falleció a los 84 años

Miyake fue el líder de un diverso grupo de diseñadores japoneses que cambiaron la cara de la alta costura y el streetwear en las últimas cuatro décadas y quien ayudó a hacer de la moda contemporánea un elemento básico de los institutos de vestuario y retrospectivas en museos.

1980

En la década de los ochenta, el trabajo de Miyake actuó como un antídoto pictórico y usable para un mundo global de la moda y el entretenimiento que estaba dominado por los excesos permanentes de hombreras, colores estridentes y cabello grande.

El maestro de los pliegues

Miyake se hizo de renombre como el maestro de los pliegues, reviviendo un arte perdido perfeccionado por Mariano Fortuny, en seda, en la década de 1930, especialmente en su vestido de 1994 Flying Saucer, el cual se exhibió en la exposición del 150 aniversario del Museo Metropolitano Moda y Duración en 2020.

Miyake, que no se preocupaba por el costo y la impracticidad de la alta costura, llevó este lado de su trabajo a la calle en 1993 con su colección Pleats Please, donde el poliéster tratado térmicamente se utilizó para crear prenda genuinamente unisex, plisados permanentemente y de una fluídez única.

Piezas icónicas

Miyake llamó la atención también cuando Steve Jobs usó un cuello de tortuga oscuro de poliéster-algodón, una pieza de ropa que se convirtió en un identificador de la mayor empresa de tecnología del mundo, así como el logotipo de Apple.

El diseñador que sobrevivió la bomba atómica

Miyake nació en Hiroshima, Japón, en 1938. Sobrevivió a la bomba atómica lanzada por la Fuerza Aérea de los Estados Unidos en la ciudad mientras estaba en la escuela el 6 de agosto de 1945, pero su madre murió tres años después por radiación.

En 2009, Miyake, quien durante mucho tiempo había sido reacio a ser etiquetado como “el diseñador que sobrevivió a la bomba atómica”, escribió un poderoso artículo de opinión sobre su experiencia para el New York Times y en la que alentó al entonces presidente estadounidense Barack Obama a visitar la ciudad para demostrar su compromiso con la eliminación de las armas nucleares.

Cuando cierro los ojos, todavía veo cosas que nadie debería experimentar: una luz roja brillante, la nube negra poco después, gente corriendo en todas direcciones tratando desesperadamente de escapar.”

Su relación con las artes

Miyake tuvo una gran conexión con el arte y los artistas. En París descubrió y quedó muy impresionado por el trabajo de Alberto Giacometti y Constantin Brancusi.

En Nueva York, a finales de la década de 1960, se hizo amigo de Robert Rauschenberg y Christo, y se convirtió en un gran admirador de la alfarera británica-vienesa Lucie Rie.

De 1996 a 1998, Miyake dirigió a una serie de artistas invitados, comenzando con Yasumasa Morimura, quienes usaron las prendas de la colección Pleats Please como lienzo.

Otros intereses

Miyake entregó el funcionamiento de su negocio, que se había expandido a fragancias -incluyendo L’eau d’Issey- y otras mercancías, a otros en 1997, para centrarse en la investigación de nuevas telas y técnicas de producción, alimentado por su interés en la conexión entre la tecnología y la creatividad.

Piezas de colección

Además del Met, su ropa está en manos de instituciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Victoria & Albert Museum de Londres y el Museo de Arte de Denver.