Los cambios e inicios

Hay algo en Fátima Molina que no busca fijarse. Una especie de desplazamiento constante, como si cada respuesta fuera apenas un punto de paso y no un destino. Habla de sí misma sin la urgencia de definirse por completo. Tal vez porque sabe que esa construcción nunca termina.

Recuerda el inicio en el teatro como una grieta luminosa. Un momento donde empezó a desprenderse. “Creo que un momento clave para mí fue en mis inicios de actuación, haciendo teatro. Recuerdo cómo empecé a despojarme de todo lo que no era verdaderamente yo”. No lo plantea como una revelación abrupta, más bien como un proceso que sigue en curso, como si todavía hubiera capas por quitar.

La idea de identidad, en su voz, no es una línea recta. Es una acumulación de experiencias que se reordenan con el tiempo. “Pienso que uno siempre es el resultado de lo que le ha tocado vivir y muchas veces podemos decidir qué hacer con eso y cómo dirigirnos en el camino”. Hay una conciencia clara de las circunstancias, pero también una insistencia en la elección. Una tensión que no se resuelve, que permanece. Aun así, se nombra desde la gratitud. “Me siento una mujer muy afortunada de poder hacer muchas elecciones valiosas e importantes en mi vida”.

En una industria que durante años ha sostenido moldes precisos, Fátima no habla de ruptura como gesto heroico. Lo suyo parece más íntimo, más cotidiano. “Intento recordarme todo el tiempo que amo ser actriz. Mi satisfacción verdadera está ahí.” No hay declaración frontal contra el sistema, sino una especie de fidelidad interna. Un regreso constante a lo que le importa. “Me gusta saberme diferente. Lo demás es cuestión de perspectivas. Como la vida misma”.

Sentirme libre y plena

Creció, dice, sin demasiadas referencias donde mirarse. Apenas algunas. Pocas, pero suficientes para entender el peso de la representación. “Me gusta saber que hoy también puedo ser la referencia para alguien”. Lo dice sin grandilocuencia, como quien reconoce una responsabilidad que no eligió del todo, pero que abraza. Y entonces enumera lo que implica. Construir identidad, generar pertenencia, romper estereotipos. No como teoría, sino como experiencia vivida.

Cuando habla de la imagen, no hay ornamento. “Sentirme bien. Estar sana. Saberme libre. Y saber que tengo libertad para elegir”. Ahí aparece de nuevo la palabra que atraviesa todo. Elección. Como si verse bien fuera menos un reflejo y más una consecuencia.

Pero el camino no es limpio. Está el rechazo, repetido, casi estructural. El casting como un espacio donde la incertidumbre se vuelve rutina. “Por más que sepamos que es normal, es inevitable sentir”. No romantiza la herida. La reconoce. Y luego, sin dramatizar. “Hay que soltar y continuar”. Como una práctica. Como disciplina emocional.

Ha transitado por cine, series, televisión. Distintos ritmos, distintos lenguajes. Y sin embargo, no establece jerarquías. “Me siento una actriz privilegiada de poderte decir que en cada uno de esos universos he podido sentir muchas satisfacciones”. Lo que aparece no es el formato, sino la experiencia. El cuerpo en escena, respondiendo a lo que ocurre.

Esa búsqueda de verdad, palabra peligrosa en un medio que a veces se queda en la superficie, no se plantea como una conquista, sino como un ejercicio constante. “Hay que hacer trabajo recurrente. Recordarme por qué inicié en esto. Como lo soñaba desde que era una niña”. La raíz funciona como ancla y también como impulso. Desde ahí, dice, puede explorar la infinidad de posibilidades que ofrece la actuación.

Hoy, los personajes que le interesan parecen moverse en los márgenes. Historias que no siempre han tenido espacio. “Tal vez personajes muy poco representados o invisibilizados en nuestro mundo. También personajes que tengan choque de realidad y fantasía.” Antes la urgencia era otra. Actuar, sin importar qué. Ahora hay una curaduría más consciente. Una escucha distinta.

Cuando se le pregunta por la fuerza, no responde con una imagen única. La descompone. La multiplica. “Una mujer fuerte puede ser una mujer resiliente, o una mujer que vive y sobrevive a este mundo donde sigue existiendo la brecha de géneros. Una mujer fuerte puede ser una mujer que saque adelante a su familia. Una mujer fuerte puede ser una mujer que se sabe libre y tiene poder de elección”. La fuerza no es una pose. Es una suma de posibilidades, muchas veces invisibles.

La esperanza…

En sus decisiones también aparece una inclinación por las historias que buscan justicia, incluso cuando esa justicia no es del todo clara. “Porque definitivamente quiero creer en ellas.” Hay una voluntad de sostener la esperanza, de usar la ficción como un espacio donde lo posible todavía se ensaya.

Personajes como Antonia Lazo dejan rastros. Energías que no se quedan del todo en el set. “Yo espero ser valiente igual de rápido que ella”. Lo dice con una ligereza que no cancela el deseo.

Y luego está Julia Pastrana. El cuerpo intervenido, el calor, las horas bajo prostéticos. Una transformación que rebasa lo físico. “La verdad es que por Julia ha valido toda la pena”. La frase se sostiene en algo más profundo. La necesidad de devolverle humanidad a una figura históricamente reducida. “Ella merece que se le reconozca como una persona y como una de las primeras artistas mexicanas internacionales”.

Si mira hacia atrás, hacia sus personajes recientes, no encuentra una narrativa única sobre sí misma. Más bien lo contrario. “Creo que mis últimos personajes no tienen mucho que ver con mi historia personal.” Lo que hay es exploración. Un territorio que se expande mientras se habita. “Muchas veces uno se siente sorprendido por llegar a lugares que tal vez no imaginó, pero la magia de estar en un set, con tus compañeros en escena, tu vestuario, maquillaje, director y todo un equipo te pueden detonar escenarios maravillosos”.

Fátima Molina no parece interesada en fijar una versión definitiva de sí misma. Prefiere moverse. Probar. Equivocarse. Volver. En ese tránsito, algo se va decantando. Una manera de estar en el mundo que no necesita certezas absolutas. Solo la intuición suficiente para seguir eligiendo.

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Fotografía: Eddy Espinoza
Stylist: Santiago Araico
Maquillaje y peinado: Geraldine Hercos
RP: Punto Entertainment
Coordinación editorial: Aarón Zavaleta
Diseño editorial y producción: Juan Pablo Garcia

Sin poses

A Alex de la Madrid ya no le interesa caer bien. O, al menos, no como antes. Hay algo en su manera de hablar de los personajes —una pausa breve, como si eligiera no suavizar nada— que deja ver hacia dónde se ha movido su trabajo en los últimos años. Más adentro. Más incómodo. Menos complaciente.

El punto de quiebre no llegó como un gesto dramático, sino como una claridad casi incómoda: “Cuando entendí que lo ‘agradable’ a veces se queda en la superficie. Lo obscuro te obliga a rascar más hondo, a incomodarte, y ahí es donde realmente pasan cosas, donde te cuestionas tú también”. Desde ahí, el mapa cambia. Ya no se trata de personajes que funcionen, sino de personajes que duelan un poco al habitarlos.

En los márgenes —ahí donde los personajes se contradicen, donde no terminan de resolverse— encuentra algo más cercano a lo humano. “Contradicción. Humanidad real. Los personajes ‘correctos’ suelen estar más resueltos; los incómodos están rotos, y eso es mucho más interesante de habitar, de abrir otras conversaciones”. No hay interés en pulirlos, en hacerlos digeribles. Al contrario: que incomoden, que descoloquen, que no se dejen consumir rápido.

Provocar, entonces, se vuelve una especie de brújula. “Me interesa provocar. Si todos te quieren, probablemente no estás arriesgando mucho… darle versatilidad al público y no aburrirse de repetir los mismos estándares de personajes”. En esa tensión —entre lo que se espera y lo que se rompe— aparece su terreno de juego.

Cuando el personaje además carga con peso histórico, la aproximación se vuelve todavía más delicada. Al interpretar a una figura como Luis Echeverría, la tentación del juicio está ahí, inmediata. Pero De la Madrid toma otra ruta, más compleja, menos cómoda: “Desde entender al hombre antes que al personaje histórico. No justificarlo, pero sí tratar de ver cómo pensaba, qué lo movía. Entender el contexto de la manera de pensar del momento político”. Primero comprender. Después, si hace falta, tomar distancia.

Ese gesto —postergar el juicio— atraviesa todo su proceso. Porque juzgar, dice, bloquea. “Si no lo entiendes, lo juzgas, y desde el juicio no se puede construir nada verdadero”. Hay algo casi físico en esa búsqueda: el cuerpo entra antes que la cabeza, o al menos no se queda atrás. “Después del proceso de entrenamiento dejas de pensar en ello. Cuando el cuerpo ya no ejecuta, actúa. La técnica de la mano del instinto”. Como si el personaje terminara filtrándose por los gestos mínimos, por la postura, por lo que no se piensa.

Mi reflejo

Y ahí, en lo físico, aparece otra clave: la incomodidad. No como recurso, sino como condición. “Mucho. El cuerpo guarda cosas que la cabeza no alcanza. Si el cuerpo no está incómodo, muchas veces el personaje tampoco”. La idea es sencilla, pero no ligera: hay verdades que solo aparecen cuando algo deja de estar en su lugar.

Habitar villanos —o figuras moralmente cuestionables— no es, entonces, una exploración hacia afuera. Es un espejo torcido. “Sí, y es fuerte. Porque te das cuenta de que ciertas lógicas no están tan lejos de todos”. La distancia se acorta más de lo que uno quisiera. Y en ese reconocimiento hay algo incómodo, incluso para él: “Que no soy tan distinto como me gustaría pensar. Todos tenemos zonas que no nos encanta ver”.

No todo vale. Hay líneas. No muchas, pero claras. “Sí. Hay cosas que tienen que ver con mi integridad y mi paz. El trabajo no puede estar por encima de eso”. Lo dice sin dramatismo, como quien ya lo pensó antes.

En una industria que suele encasillar con facilidad, el movimiento tampoco es casual. No basta con esperar a que cambien las oportunidades. “Un poco de las dos. Pero si tú no empujas ese cambio, la industria no lo hace por ti… tienes que tener más herramientas, más entrenamiento y mucha disposición de salir de tu zona segura”. Empujar, entonces. Aunque incomode. Las etiquetas, si aparecen, primero se rompen. Luego —solo si sirven— se usan. “Primero romperlas. Luego, si sirven, jugar con ellas”. No hay apego ahí, solo estrategia.

Cuando mira hacia atrás, no encuentra una llegada. Apenas un rastro. “Veo evolución, pero sobre todo una búsqueda que nunca termina”. Y quizá ahí está todo: en esa insistencia de no cerrar del todo, de no resolver demasiado pronto.

Alzar la voz

En personajes como Hernando Cruz, donde el poder se ejerce desde una calma que inquieta más que cualquier estallido, esa búsqueda se vuelve visible. No es la ambición lo que lo define, sino la narrativa que construye para sostenerla: “Su forma de justificarse. La ambición es evidente, pero lo que lo hace peligroso es cómo se explica a sí mismo lo que hace”. La violencia, entonces, no siempre grita. A veces habla bajo.

Un gesto mínimo termina por delinearlo todo. “La calma. No es un hombre que explota fácil. Esa tranquilidad fría es lo que más lo define”. Y, sin embargo, hay fisuras: “Pierde cuando se pone impulsivo”. Como si el control —esa necesidad de que nada se salga de lugar— fuera también su punto más frágil.

Porque al final, en medio de historias donde todos persiguen algo, la motivación se vuelve casi elemental. “Control. Sentir que nada se le sale de las manos. Y cuando alguien vive desde ahí, siempre termina perdiendo algo más importante”.

Y ahí, otra vez, la incomodidad. No como destino. Como método. Como una forma de mirar —y de mirarse— sin suavizar demasiado.

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Alianza estratégica regional

La moda latinoamericana da un paso histórico hacia su consolidación global. En el marco de la reciente Semana de la Moda de Guatemala, que reunió a exponentes de toda la región, se firmó el Acuerdo de Integración Institucional del Sistema Latinoamericano de la Moda, una alianza estratégica que articula plataformas, cámaras y actores clave de países como Guatemala, Puerto Rico, Nicaragua, El Salvador, República Dominicana y Colombia.

En este escenario, la Cámara de la Moda Colombiana y Cali Distrito Moda oficializaron su integración a este sistema regional, marcando un hito en la construcción de una industria más conectada, competitiva y sin fronteras. La iniciativa busca profesionalizar el sector, fortalecer las marcas latinoamericanas y proyectar el diseño de la región hacia los escenarios más importantes del mundo.

“Estamos uniendo fuerzas para que el talento latinoamericano no tenga fronteras. La unión es hoy nuestra mayor ventaja competitiva“, aseguró Guio Di Colombia, presidente de la Cámara colombiana de la moda en un mensaje que enmarca esta articulación internacional. Este convenio, que vincula directamente a Cali Distrito Moda como uno de sus principales actores, va más allá de una relación protocolaria.

Se trata de una estrategia conjunta que promueve el intercambio cultural de diseñadores, así como la movilidad de modelos, fotógrafos y otros profesionales del sector, abriendo nuevas oportunidades de circulación y visibilidad para el talento latinoamericano. A través de alianzas académicas, becas y colaboraciones institucionales, se busca que los diseñadores puedan formarse en distintos contextos culturales.

Cooperación y proyección global

Este esfuerzo colectivo también apunta a fortalecer las capacidades locales para competir en mercados internacionales. La cooperación entre plataformas permitirá compartir conocimientos, buenas prácticas y experiencias, con el objetivo de proyectar la moda latinoamericana hacia otros continentes bajo una narrativa conjunta, más cohesionada y estratégica.

Según explicó Bryan Quan, director de la semana de la Moda de Guatemala, se trata de una articulación que permite integrar conocimientos, culturas y técnicas entre países. Durante el evento, fueron seleccionados como ganadores los diseñadores Janet Guerra, Nick Tel y Plenificador, mientras que Libenza fue anunciado como invitado de honor para la quinta edición de Cali Distrito Moda 2026.

De manera paralela, la Cámara de la Moda Colombiana mantiene su presencia en otros escenarios clave de la región, como la Argentina Fashion Week en Buenos Aires, donde se adelantará la selección de un diseñador que también será invitado a participar en Cali Distrito Moda 2026, ampliando así el alcance de esta plataforma internacional.

Con este tipo de acuerdos, Cali Distrito Moda continúa posicionándose como un nodo estratégico dentro del mapa de la moda latinoamericana, capaz de articular talento, generar oportunidades y proyectar la identidad creativa de la región a escala global. Este entramado de alianzas se convierte en la antesala de lo que será la quinta edición del evento.

Arquitectura del cuerpo

El arte sartorial nació del rigor. Mucho antes de convertirse en símbolo de estatus o sofisticación, fue técnica pura: medición exacta, patronaje milimétrico, dominio del tejido. En los talleres londinenses, la sastrería masculina se consolidó como una forma de arquitectura aplicada al cuerpo. Cada hombro se construía con estructura; cada solapa obedecía a una proporción calculada; cada costura sostenía algo más que tela. El tailoring no admitía improvisación.

Con el paso del tiempo, el traje atravesó transformaciones sociales, culturales y estéticas. De uniforme político a código empresarial, de etiqueta rígida a gesto estilístico. Lo que permaneció intacto fue la precisión. El corte correcto continúa siendo una declaración silenciosa. Un traje bien hecho no grita; afirma.

Identidad en el corte

En ese punto de tensión entre tradición y presente se sitúa Peter Reed. La marca retoma la herencia rigurosa de la sastrería inglesa —estructura definida, patronaje impecable, respeto absoluto por el detalle— y la desplaza hacia una narrativa actual, menos protocolaria y más consciente de la identidad individual. No busca replicar códigos históricos, sino trabajarlos desde otra actitud.

Peter Reed parte de la base clásica para intervenirla. Mantiene la precisión del tailoring, pero elimina la solemnidad. Sus prendas están diseñadas para hombres que comprenden el traje como una extensión de su personalidad: sofisticada, sí, pero también audaz. La sastrería deja de ser un molde fijo y se convierte en herramienta de expresión.

Postura y futuro

En esta visión, la sastrería no impone género ni encierra identidades. Define actitud. El traje funciona como estructura, pero también como postura frente al entorno. “Tailoring the Future” sintetiza esa posición: avanzar sin romper con la raíz, cortar el pasado con precisión y ensamblarlo bajo otra perspectiva.

Peter Reed habla desde la claridad. Sin discursos extensos, sin ornamento innecesario. La propuesta se sostiene en la construcción misma de la prenda. En el equilibrio del hombro. En la caída exacta del pantalón. En la convicción de que el futuro del traje no está en desmantelarlo, sino en entenderlo mejor y llevarlo con intención.

Origen y carácter

En el mapa de la alta gastronomía, el cacao dejó de ser un ingrediente secundario. La conversación empieza en la finca. En Tabasco y Chiapas, productores rescatan variedades criollas, afinan fermentaciones, controlan secados. El suelo marca carácter; la humedad aprieta o suaviza; el tiempo corrige excesos. Cada lote responde a su entorno.

El lenguaje también se volvió más preciso. Se habla de cru, de terruño, de porcentajes. En boca aparecen capas definidas: frutos rojos, madera fresca, especias. La textura importa. El brillo importa. El quiebre limpio, ese snap breve y seco, confirma que hubo técnica detrás.

Cata y persistencia

Las salas de cata bajan la luz y suben la concentración. Se rompe la tableta, se deja fundir sin masticar, se mide la persistencia. El chocolate entra en diálogo con destilados y vinos de guarda; sostiene estructura, limpia el paladar, deja rastro. Comerlo implica tiempo y atención.

En México, proyectos como Cuna de Piedra, Mucho Chocolate y Wolter trabajan el origen con disciplina visible. Comalcalco y el Soconusco aparecen impresos en la barra como garantía. Hay colaboración directa con agricultores, lotes limitados, conchados prolongados. El diseño es cuidado, pero lo decisivo sucede antes del empaque: selección estricta, tostado preciso, molienda paciente.

El grano en el centro

El cacao recupera un lugar antiguo en la mesa. Se parte, se comparte, deja silencio unos segundos mientras se derrite. Ese gesto, simple y concreto, explica por qué el grano volvió a ocupar el centro.

Los pilares del cacao premium

• Trazabilidad Ética. El lujo consciente dicta que cada grano debe tener un rostro y una historia, garantizando prácticas de comercio justo y cultivo sostenible.
• Ediciones Limitadas. Al igual que un perfume de nicho, existen lotes de chocolate que solo se producen una vez al año, dependiendo de las condiciones de la cosecha.
• Diseño de Autor. La estética es fundamental; desde el empaquetado con acabados en foil hasta el diseño geométrico de la tableta, el cacao se presenta como una obra de arte visual.

Glosario: el lenguaje del conocedor

Para navegar el mundo del chocolate de especialidad, es necesario dominar los términos que definen su excelencia:

• Bean to Bar. Se refiere al proceso donde el chocolatero controla cada etapa, desde la compra del grano crudo hasta la elaboración de la barra final.
• Cacao Criollo. Considerado el “príncipe de los cacaos” por su escasez y delicadeza; posee notas aromáticas complejas y muy poco amargor.
• Terruño (Terroir). Conjunto de factores geográficos (suelo, clima, altitud) que otorgan a un cacao de una región específica un perfil de sabor irrepetible.
• Porcentaje de Cacao. Indica la cantidad de masa y manteca de cacao en la barra; a mayor porcentaje, más pura es la expresión del grano y menor la cantidad de azúcares añadidos.
• Conchado. Proceso de refinado donde el chocolate se agita y calienta para suavizar su textura y eliminar notas ácidas indeseadas.

Geografía del tiempo

En lo alto de la costa oriental de Sicilia, Taormina se aferra al acantilado con una elegancia antigua. Las casas parecen colocadas a mano, escalonadas sobre la roca. Desde el Teatro Antiguo de Taormina, las gradas de ladrillo enmarcan el azul denso del mar Jónico y la silueta humeante del Monte Etna. El viento sube con olor a sal, a bugambilia tibia, a piedra que ha absorbido siglos de sol. Aquí la historia tiene temperatura: se siente en la piel, en los muslos que tocan la piedra caliente, en el eco que rebota cuando cae la tarde.

Al amanecer, la luz entra oblicua y convierte los muros en superficies doradas. Los balcones de hierro forjado proyectan sombras largas sobre las callejuelas estrechas. El paso se vuelve más lento sobre el Corso Umberto I. Se escuchan tacones contra adoquines, el murmullo grave del italiano, el roce de las bolsas de papel kraft que salen de pequeñas boutiques. Seda, lino crudo, cerámica pintada a mano. En la Piazza IX Aprile, las mesas miran al horizonte. Un espresso corto al mediodía; un aperitivo cuando el cielo empieza a volverse cobre. El sol incendia las fachadas color miel y, por unos minutos, todo parece suspendido en una fotografía antigua.

Refugios de sal

Más abajo, el sendero desciende entre cactus y jazmines hasta Isola Bella. La lengua de arena aparece y desaparece con la marea, como un gesto caprichoso del mar. El agua es transparente, casi fría, y deja ver las piedras calizas bajo la superficie. Hay silencio, roto apenas por el golpeteo constante de las olas y el chasquido de los guijarros moviéndose con la corriente. Algunos nadan hasta las rocas; otros permanecen tendidos, ojos cerrados, dejando que la sal se seque sobre la piel.

Cuando cae la noche, la ciudad cambia de ritmo. Las lámparas amarillas iluminan portales barrocos, las terrazas se llenan de conversaciones bajas y copas que se tocan con suavidad. En la mesa llegan arancini crujientes, pasta con pistache de Bronte, pescado recién salido del puerto. El Nerello Mascalese —oscuro, mineral, con aroma a ceniza y fruta roja— acompaña cada bocado. El mantel de lino, las manos que parten el pan, el aceite verde que brilla bajo la luz tenue. Comer aquí exige tiempo. Exige atención.

Memoria volcánica

Taormina permanece. Se queda adherida como sal en la piel y como polvo volcánico en los zapatos. Un territorio donde el placer tiene textura, peso y memoria.

En medio de la selva, el glamping adopta formas circulares y tensas. Domos geodésicos que respiran bajo el calor húmedo, estructuras levantadas con zapote y fibras de henequén. Desde la cama, el dosel se abre como techo natural. El amanecer entra sin pedir permiso y dibuja sombras sobre linos de alto gramaje.

La ubicación importa. Tulum, Cobá, Chichén Itzá. Sitios donde la piedra antigua convive con terrazas de madera suspendidas. La arquitectura elimina bordes: cristal amplio, mosquiteros casi invisibles, puertas que se deslizan en silencio. El exterior se queda a un paso.

Rituales de la tierra

La experiencia se construye por capas. Cena privada dentro de un cenote, mesa larga iluminada por antorchas que titilan sobre la roca húmeda. El eco amplifica cada movimiento. Ingredientes locales servidos con técnica precisa. Luego, el temazcal: vapor espeso, piedra caliente, respiración guiada. El cuerpo suda, la piel arde, el pulso baja.

De noche, el cielo se impone. Sin contaminación lumínica, las constelaciones aparecen nítidas. Telescopios listos en la terraza. Alguien señala Orión, alguien recuerda que los mayas miraban el mismo trazo. Más tarde, percusiones profundas y cuencos de cuarzo expanden el sonido entre los árboles. La selva responde con insectos, viento, hojas que chocan.

Presencia consciente

Estos refugios funcionan con energía solar y sistemas de filtración por ósmosis. El agua circula, los residuos se reducen, la huella se vigila. Habitar aquí implica ajustar el ritmo: dormir cuando oscurece, despertar con luz natural, caminar descalzo sobre madera tibia.

El lujo adquiere otra textura. Menos superficie brillante, más experiencia directa. Aire húmedo en los pulmones. Piel que se enfría después del vapor. Silencio que pesa y al mismo tiempo libera.

Texto: Pablo Quintos

Herencia en evolución

La nueva generación del SUV compacto de Jeep llega con plataforma electrificada, suspensión revisada y un interior más amplio. Un vehículo pensado para circular entre la ciudad y el terreno difícil sin cambiar de personalidad.

Hay algo curioso en el nuevo Jeep Compass: no intenta parecer otra cosa. Sigue siendo un Jeep. La parrilla vertical. Los pasos de rueda marcados. La sensación de que, si el asfalto termina, el viaje apenas empieza.

Pero debajo de esa silueta familiar hay bastante ingeniería nueva. El Compass de esta generación se estira hasta los 4.55 metros de largo y adopta una arquitectura más eficiente. Los sensores y radares se colocaron en posiciones más altas, un detalle pequeño hasta que alguien decide meterse en un camino de piedra suelta. El frontal también cambia: más protección, mejor flujo aerodinámico, menos vulnerabilidad cuando el terreno se complica.

Arquitectura inteligente

La suspensión fue uno de los focos del desarrollo. Los ingenieros buscaron un equilibrio difícil: comodidad en ciudad y control cuando la superficie deja de ser perfecta. El resultado se nota en cifras como el 15% menos aceleración vertical y 20% menos balanceo, pero sobre todo se percibe en el volante. El coche se siente más plantado. Más preciso. La altura libre al suelo se mantiene en 200 mm. Esto significa que el Compass sigue siendo capaz de salir del pavimento sin que el conductor tenga que pensarlo demasiado.

Dentro del habitáculo el cambio es más evidente. Hay 20 mm extra para las piernas en las plazas traseras y el maletero crece hasta los 550 litros. Espacio útil, no solo estética. Compartimentos delanteros que suman 34 litros y una consola pensada para usar sin mirar demasiado.

La parte digital también sube de nivel. Frente al conductor aparece un cuadro de instrumentos de 10.25 pulgadas y, en el centro, una pantalla de 16 pulgadas que concentra navegación, multimedia y funciones del vehículo. El Head-Up Display proyecta velocidad y datos esenciales en el parabrisas, evitando apartar la vista del camino.

Potencia y control

El sistema Selec-Terrain sigue siendo una de las piezas más interesantes del Compass. No es un simple selector gráfico: modifica la respuesta mecánica del vehículo. Automático para el día a día. Deportivo cuando el conductor quiere un poco más de reacción. Nieve o Arena/Barro cuando la superficie cambia de humor.

La electrificación completa el cuadro. La gama incluye tres configuraciones iniciales: e-Hybrid de 145 CV, híbrido enchufable de 225 CV y una versión completamente eléctrica de 213 CV. Más adelante llegarán variantes eléctricas que alcanzarán los 375 CV con tracción integral.

La tecnología, al final, no intenta robar protagonismo. Está ahí para facilitar las cosas. Conducción autónoma de nivel 2, control de crucero predictivo, servicios conectados que permiten revisar el coche desde el teléfono. El nuevo Compass pretende ajustar cada componente. Quitar fricción al día a día sin perder el espíritu que hizo famosa a la marca. A veces la ingeniería funciona así: con muchas decisiones pequeñas que, juntas, cambian por completo la experiencia al volante.

Tras años de depender de agendas ajenas, decidí que mi cuidado personal debía dejar de ser una logística complicada. Mi transición a la tecnología IPL fue una necesidad de eficiencia: recuperar el control de mi tiempo frente al tráfico y las citas eternas. El ritmo actual exige soluciones que se adapten a nosotras; por ello, filtré las opciones que ofrecen el estándar de ingeniería y practicidad que buscamos al invertir en un dispositivo personal.

Lumea IPL 9000 Series de Philips
Es el estándar de oro en seguridad. Su tecnología SenseIQ detecta tu tono de piel y ajusta la potencia automáticamente, eliminando errores. Sus accesorios curvos se adaptan con fluidez a zonas difíciles como axilas y bikini. Es la inversión ideal para obtener precisión clínica en casa, con sensores que protegen tus ojos sin necesidad de gafas.

Silk Expert Pro 5 de Braun
La opción definitiva para quienes buscan velocidad: permite cubrir el cuerpo completo en solo diez minutos. Su sensor lee la piel 80 veces por segundo para optimizar cada pulso sin perder potencia. Es pura eficiencia alemana en un formato ligero que facilita el movimiento, ideal para terminar rápido y seguir con tu día con resultados visibles desde el primer mes.

Air 10 de Ulike
Ingeniería empática que combina potencia y confort. Su doble lámpara ataca el vello rebelde en un solo disparo, mientras que su sistema Ice-Cooling mantiene la ventana a 16°C, eliminando cualquier rastro de dolor. Es innovación pura con diseño minimalista, ofreciendo resultados profesionales mediante un proceso amable que no castiga la piel.

PEACH 2 de Foreo
Eleva la experiencia sensorial con una ventana de tratamiento extra grande y pulsaciones T-Sonic que masajean la piel para una mejor penetración de la luz. Su diseño de silicona flexible se adapta naturalmente a las curvas del cuerpo. Además, se sincroniza con una app para guiarte en cada sesión, combinando estética “pop” con tecnología de punta.

Pure Fit de SmoothSkin
Ingeniería británica práctica y segura. El sensor Auto Skin escanea tu tono antes de cada flash para ajustar la intensidad exacta. Incluye un cabezal de precisión magnético para áreas pequeñas como el labio superior y ofrece disparos ilimitados. Es el equilibrio perfecto para quien busca tecnología médica en un formato compacto y duradero.

Nunca he sido fan de los estampados tropicales ruidosos que agotan visualmente; prefiero piezas con una intención clara y un propósito funcional. Por eso, me emociona que para 2026 la tendencia apueste por la arquitectura de la prenda. El enfoque ahora está en cómo la geometría, los lazos y los accesorios trabajan a favor de cualquier cuerpo mediante un buen patronaje. Estas cinco tendencias son el filtro definitivo para invertir en piezas que te hagan sentir dueña de tu imagen y verdaderamente cómoda.

Ribbon straps
Los lazos XL son el hack definitivo para ajustar el talle a tu medida exacta, algo vital si tienes el torso largo o corto. Visualmente, el volumen superior equilibra las caderas creando una silueta armoniosa. El contraste de colores aporta limpieza y estructura, transformando un traje completo en una pieza de diseño real apta para cualquier figura.

Polka dots
El lunar evoluciona con paletas orgánicas y profundas. Su patrón repetitivo unifica la figura y suaviza las líneas del cuerpo de forma sutil. En bikinis clásicos, este diseño luce sofisticado y atemporal; es la opción ideal para verte arreglada sin esfuerzo, proyectando una elegancia que funciona en todas las tallas.

Hardware Luxe
El herraje metálico central no es solo estético: aporta peso para mantener la tela en su lugar y dar estructura al escote. Es perfecto para quienes buscan mayor soporte y “cuerpo” en la prenda. Al capturar la luz en un punto central, estiliza el torso y eleva la pieza a un nivel de joyería integrada sin importar el color.

90s Sporty look
El corte de pierna alta regresa para ganar centímetros visualmente y suavizar la cadera. Al usar colores sólidos, la atención se centra en la forma y no en el ruido visual. Con tirantes delgados y estructura limpia, esta tendencia celebra el cuerpo tal cual es, demostrando que un buen patronaje es suficiente para verse increíble

Braided details
Ideal para quienes buscan texturas en colores sólidos. Los trenzados artesanales ofrecen un agarre y soporte superior al elástico común, evitando que los tirantes se entierren en la piel. Es una forma inteligente de añadir sustancia y fluidez a una pieza básica sin perder la limpieza visual, adaptándose con suavidad a las curvas.